千與千尋（又名《神隱少女》）

跟宮崎駿的初次邂逅，便是這部二〇〇一年的經典作《千與千尋》。那時，對吉卜力工作室和宮崎駿這名字一無所知，只隨便挑選了一部電影入場。沒想到看完後，對其畫風和敘事方式深深吸引，難以自拔。雖然還談不上成為鐵粉，卻開始翻找他過往作品的光碟，一部接一部地細細品味。

《千與千尋》之後，《霍爾的移動城堡》和《崖上的波妞》雖然也出色，但本地市場的熱度似乎降下來了。直到《風起》，因宣稱是宮崎駿的“退隱作”，才再次掀起一波短暫熱潮，可惜我無緣在大銀幕觀賞。

近期院線重映《千與千尋》，我沒能入場，唯有透過Netflix重溫，雖然在電視小螢幕觀看，魅力絲毫不減。在現今電腦繪圖為主的動畫界，宮崎駿的手繪，每一筆每一畫，皆透出無比的誠意及用心，更顯彌足珍貴。鮮活的色彩和細膩的細節，都讓人感受到濃濃的溫馨情懷。這次重看，故事情節仍充滿奇幻玄妙，有些地方亦難以理解悟透，但不阻礙我對它的喜愛。

電影裡，小千因意外誤闖入一個魔幻世界，開啟了一場充滿挑戰的冒險成長之旅。她從一個懦弱怕事的小女孩，經歷種種難關，憑著勇氣和良善，一步步闖出屬於自己的生存之道。這段旅程，既是對她的試煉，也是對觀眾的一次心靈洗禮。

有人說，宮崎駿的電影總會暗藏著對現實世界的隱喻，《千與千尋》也不例外。像千尋父母變成豬，或湯婆婆那冷漠又貪婪的管理方式，都能找到對應的社會現象。然而，這些“彩蛋”固然有趣，但並非我喜愛此片的原因。我更享受的，是那份單純的沉浸感，跟著小千在魔幻世界中冒險，感受她的成長與蛻變。

《千與千尋》在我心中的地位，正如村上春樹的《世界末日與冷酷異境》，是同一位作者眾多佳作中，在我心目中是無可撼動的巔峰之作——直到去年的“復出作”《蒼鷺與少年》面世，才稍微動搖——它之所以經典，不僅是因為故事生動奇幻，更是因為蘊藏著深刻的人性與情感，每次觀賞，都能發現新的感動和啟發。宮崎駿用他的畫筆，打開了一扇通往魔幻世界與現實之間的門，邀請觀眾用心去體驗那份純真及美好。在這充滿喧囂的時代，教我們如何用最單純的心，去面對隨著年齡漸長而越趨複雜的世界。這也是《千與千尋》歷久彌新的最大原因。

《企鵝人》：純粹的邪惡黑暗面

影視作品發展至今，角色塑造早已跳脫非黑即白的二元框架，反派不再只是英雄的對立面，他們甚至決定了一部作品的深度及高度。如漫威《復仇者聯盟》（The Avengers）系列，大反派薩諾斯的信念及人格塑造讓人又恨又憐，“以毀滅換取平衡”邏輯雖殘酷，卻讓觀眾在厭惡之餘仍能理解他的動機，從而為整個系列注入難以複製的經典魅力。 

自古以來，觀眾總習慣站在主角立場，替反派戴上單一的“壞人”面具。於是，越來越多熱門IP開始為反派角色注入血肉，挖掘他們的黑化過程。所謂“時勢造英雄”，同樣也能造就反派。那些被迫背負惡名之人，或許只是環境的犧牲品，或是經歷一次次“二害相權取其輕”之掙扎後迫上梁山。但有時，反派的惡並非源自外界，而是天性，比如HBO新劇《企鵝人》（The Penguin）中的奧茲。

這部衍生自二〇二二年電影《蝙蝠俠》（The Batman）的影集，時間設在電影事件後一周，故事聚焦於綽號“企鵝人”的奧茲如何在龍蛇混雜的犯罪都市高譚市，從不起眼的黑幫小卒一步步成為地下世界霸主，充滿鮮血、算計和背叛的這段個人成長歷程，往好的一面看，可以當做是不屈不撓的奮鬥過程。 

跟提姆·波頓一九九二年偏魔幻風格的《蝙蝠俠大顯神威》（Batman Return）裡的企鵝人不同，這次奧茲的世界更貼近現實。高譚市的黑幫爭鬥與其他經典黑幫片同樣有刀光劍影、權謀勾心，夾雜著黃賭毒的地下交易，讓人真切感受到社會黑暗面的殘酷。 

影集通過細膩的敘事節奏，層層揭示奧茲的多面性：他的童年陰影、人格養成，以及在一場場羞辱及創傷中的“涅槃重生”。觀眾會不由自主地投入他的世界，看他如何在每一次挫折後迅速反擊、冷酷謀劃，然後脫胎換骨，成為權力和野心的化身。 

奧茲跟我們熟悉的其他“被迫踏上邪路”的反英雄設定有很大差異。他的邪惡是與生俱來的天性，從首集到末集，從未試圖掩飾他的殘暴與陰暗。他身上散發著一股令人不寒而慄的邪惡魅力——畸形的外表、扭曲的心理、敏銳的急智，還有總能從絕境中脫身的幸運，讓他成為高譚市中一股不可忽視的黑暗力量。這種徹頭徹尾的惡，無法讓人共情，卻格外吸引。這八集的《企鵝人》讓我見證了一個經典反派的崛起。

當然，我無法同情奧茲，也找不到共鳴。他這種沒有灰色地帶的邪惡，無論成長背景多複雜多可悲，就是無法同情、理解他。正是這種徹頭徹尾的黑暗，為影集增添了一種難得的純粹。

沒有蝙蝠俠，沒有正義降臨的希望，只有赤裸裸的黑暗。有人說，《企鵝人》充滿負能量，看完只感到絕望壓抑。但對我而言，正是這樣的黑暗，才反襯出光明的可貴，才懂得更珍惜、守護現實中微弱的光明與希望。

魔法壞女巫

相信大多人都聽聞《綠野仙蹤》（The Wizard of Oz）這部經典童書，它歷經百年，影響了無數後代作家，像史蒂芬·金的《黑塔》七部曲，也能在其中發現向這經典致敬的元素。此外，一九三九年的電影版也是幾代人心中的美好回憶，我即是其一。近年來，從《奧茲大帝》（Oz the Great and Powerful）到《魔法壞女巫》（Wicked）這IP的外傳或前傳故事，在編劇的奇思妙想下，得以開發更多奧茲國中角色的過去及個人故事。

《魔法壞女巫》聚焦於未來的西方壞女巫艾法芭和北方好女巫格琳達的年輕歲月。艾法芭因天生綠色皮膚飽受歧視，格琳達則是萬眾矚目的寵兒。兩人從針鋒相對到彼此理解，建立出深厚友誼。但是，隨著二人跟奧茲國大巫師見面以後，命運便開始分岔，忠於自我的艾法芭走上一條孤獨之道；格琳達則選擇了隨波逐流，也漸漸迷失了內心。二人的抉擇，把她們推向《綠野仙蹤》裡頭的宿命。

我對反派角色的起源故事情有獨鐘，要是他們在黑化前又曾與宿敵是情同手足，那蛻變的過程及沖突，愈是深刻，如《X戰警：第一戰》（X-Men: First Class）萬磁王和X教授的情誼，或最近《變形金剛：源起》（Transformers One）中柯博文跟密卡登的交情，皆是令人享受精彩故事之餘，還為其中角色的分道揚鑣慨嘆唏噓。《魔法壞女巫》雷同的設定自然吸引我——在成為西方壞女巫前，艾法芭也曾是善良、勇敢的女孩，她一步步踏向大眾熟悉命運的過程，注定令人心碎。

戲中加入了大量政治正確元素，如對動物權利的探討、對美醜認知的反省，還有校園霸淩，雖值得思考，過多的資訊卻導致劇情臃腫拖沓。我幾度掙扎，在想該堅持下去，還是長痛不如短痛提早離場？挨到後來，發現片長竟達二小時四十分時……

電影結尾更在關鍵時刻戛然而止，“未完待續、下回分解”，吊足觀眾胃口。如此冗長卻缺乏高潮，我不禁產生疑慮，是否該期待下部？要是續作依然延續這樣的節奏，結局又是虎頭蛇尾，不就等於是在浪費生命？

當然，電影還是有優點的，尤其美術設計及配樂——奧茲國的奇幻場景，絢麗的歌舞表演（可媲美寶萊塢），都令人目不暇接，尤其一幕在本該肅靜的圖書館內起舞歌唱，最是吸睛。兩位主演也為角色增添了幾分立體感，特別是艾法芭角色的設定，她內心的糾結，最是撼動人心，我相信大多人內心深處，其實也是傾向她、支持她。

《魔法壞女巫》無疑沒法激起我的熱情，但我亦好奇，編劇要如何在下部給艾法芭一個更具說服力的轉變，如何讓這女巫壞得令人心悅誠服，是一大考驗。

紅色一號

有時覺得，現今的編劇（或故事創作人）實在不好做。資訊爆炸的時代，觀眾越來越難滿足，只要一個構思或情節跟前人的創作相似，輕則批評了無新意，重則論斷抄襲。當大家不再把看戲當做娛樂放鬆的管道，而是自詡為故事判官，對編導嚴格要求，看戲過於認真，做戲的也一樣疲勞，必須竭盡所能想出跟其他同類型作品的差異之處，為“給我同一套，但要不一樣”這業界守則絞盡腦汁。

近年來，發現許多聖誕電影都在嘗試挖掘新創意，好比二〇二二年的《暴戾夜》（Violent Night），把聖誕老人打造成為保護一個遭歹徒挾持的孩子而大開殺戒的武者（概念新鮮，可惜節奏太慢）。這部《紅色一號》（Red One），可以說也有一個新穎概念，講述聖誕老人在平安夜前遭壞人綁架，不知所蹤。護身保鏢達倫（巨石強森飾）為抓緊時間趕在聖誕節到來前救回肉票，不惜夥追蹤術一流的壞蛋傑克（克里斯·伊凡飾）搭檔。二人從原本的互看不順眼，逐漸加深了對彼此的認識，同時也看到自己的誤區，慢慢成長……

我承認，《紅色一號》並非一部驚艷作，劇情走向和角色成長弧度也都能輕易預測。但神奇的是，明知它的套路，卻依然會被它的節奏、幽默元素和幾場動作戲牽著走，看得津津有味。

首先必須說，巨石強森和克里斯·伊凡兩人搭檔的化學效應，比想像中來得強。強森一如既往地展現他既能打又能搞笑的“極端”特質，伊凡也跳脫出美國隊長的正義形象，化身為一個毒舌又自戀的壞壞份子。二人時而互相揶揄耍嘴炮，時而協力對敵，如此歡樂的互動，是電影一大亮點。

其次，《紅色一號》視覺效果相當出色（我極少稱讚影視作品的CGI特效），從巨石強森在北極秘密基地內追逐神秘人士的飛車追逐，到片末的正邪決戰高潮戲，都處理得栩栩如真，精彩刺激且充滿歡樂，最重要不血腥，十分契合電影的氛圍。

當然，電影也有它的缺點，比如情節過於老套，就是舊有的“和解及成長”公式，許多轉折太過刻意或理所當然，少了些許出乎意料。不過，這些問題並不讓人覺得難以忍受，畢竟這是一部聖誕閤家歡電影嘛，何必那麼嚴肅看待？放下挑剔，單純享受，只要獲得歡樂就好。

我最感觸的，當是電影透過兩位主角傳遞的訊息。它提醒我們一些簡單卻容易遺忘的人生道理：無論再忙再累，都該適時給自己慢下腳步的空間，去思考，去感受快樂；也請盡量發現身邊人事物的真、善、美，人生才更有意義。

總括而言，《紅色一號》不是完美無瑕，但它有趣、溫馨，也帶有一點點的刺激瘋狂和新意。雖然票房不盡如人意，但我相信它會是以後逢聖誕佳節，讓一家人齊聚一堂開懷大笑的作品。有時，我們需要的不是什麼驚天地泣鬼神的大作，簡單的快樂，足矣。

神鬼戰士2

二〇〇〇年的《神鬼戰士》（Gladiator），是主角麥希穆斯膾炙人口的復仇故事，讓觀眾感受他在生死之間對自由與榮耀的奮鬥，絕對是公認的史詩經典。無論是羅素·克洛飾演的麥希穆斯揮刀而戰的英雄氣概，還是導演雷利·史考特對古羅馬宏偉場景的精致還原及鏡頭調度，都讓人印象深刻。時隔廿四年，《神鬼戰士2》（Gladiator II）面市，我乃既期待又怕受傷害，生怕這一續作導致經典翻車。

幸運的是，我見證了另一段傳奇的誕生。

《神鬼戰士2》時間背景設於麥希穆斯復仇成功、壯烈倒下十六年後，主角漢諾（原名盧賽斯）的家園受古羅馬帝國侵略，家毀妻亡，他因此淪為奴隸，進入競技場廝殺求生。

我大感疑惑——預告中說他是麥希穆斯兒子，麥希穆斯的妻兒明明已死於非命，編劇又如何掰出他兒子倖存的“古仔”？戲至中段方解惑——這位盧賽斯，正是上集的王儲，公主露西拉的兒子（證實了麥希穆斯跟她確有私情；上集二人的情誼有些隱晦曖昧），年幼時即被母親秘密送走以躲避政敵殺害。盧賽斯成了一個漂泊在外的凡人，隱姓埋名，轉眼度過數十年流亡歲月。唯造化弄人，突來的戰役，他踏上生父經歷過的遭遇，踏上鬥獸場的黃沙，為個人的自由以及復仇，戰鬥。

盧賽斯確有麥希穆斯的影子——在戰場上捨生忘死的執著，透過刀光劍影，開闖自己的出路，而且天生具備王者領導風範。跟麥希穆斯不同的是，他背負著多一重的枷鎖——身為王室的遺命，這也導致他在電影中後段的心路歷程更複雜更吸引。

其實，《神鬼戰士2》里哪個角色何嘗不是深陷地獄，無奈淒苦地掙扎？舉露西拉為例，這位曾經高高在上的王族，父親被親弟弟弒殺，弟弟被秘密愛人刺殺，為保唯一王位合法繼承人的兒子一命，痛心做出母子分離的抉擇，並在恐懼中度過餘生。透過她，更能體會“平凡是福”的真諦。與其享受富裕卻鎮日提心吊膽，不如過著民間小康常樂的生活，無憂無慮更愜意快活。

此外，丹佐·華盛頓飾演的角鬥士商人馬克里努斯，也值得深入分析。曾是角鬥士的他，經歷過底層階級的困頓，能夠爬升至目前的中階地位，表明了其頑強的求存意志。他冷眼看盡人間疾苦、權力傾軋，再憑藉敏銳洞察力與無情算計，步步為營，成為暴虐嗜血昏庸帝王身邊的紅人。在華盛頓精湛的演技下，這位投機客的極深城府、從容舉止，還有野心，詮釋得淋漓盡致。

只是，電影後段節奏陡然加速，尤其是權謀戲份的轉折，快得我有些反應不來。我理解馬克里努斯是刻意引起民怨，以達到瓦解羅馬帝王權力為目的，像蝙蝠俠里的小丑那樣使社會陷入失序，然而他最後卻沒欣賞自身傑作，反而匆促離開，再無奈面對盧賽斯的阻撓，跟他一決死戰……他此番作為，我有點抓不透。

跟上集相比，《神鬼戰士2》的視覺效果可謂登峰造極，尤其一些生物和場景設計，如造型奇特的猿猴、衝撞的犀牛，還有在競技場內上演的海戰，都令人嘖嘖稱奇，目眩神迷。此外，暴力等級也全面升級，斷肢爆頭血肉橫飛的場景都毫不遮掩，實在過癮。

總括而言，《神鬼戰士2》承接了前作史詩基底的同時，也帶來新一代英雄的傳承與升華。整體雖比不上首集，至少沒毀經典，尤其在電影院中觀賞，更能感受、體驗戲中的磅礴氣勢。個人認為，雷利史考特成功再鍛造一部撼動人心的角鬥士傳奇。

破 · 地獄

剛過的十一月，網絡上掀起最多流量、最夯的話題，無非電影《破·地獄》。這部論及生死課題的電影，於我也是本年度少數幾部值得推薦的港產片。

故事講述在疫情肆虐、經濟不景的大環境下，婚禮策劃師道生（黃子華飾）被迫改行，成為一名葬禮經紀人，並接手計畫退休的明叔的殯葬公司。起初，他與明叔的老搭檔喃嘸師傅文哥（許冠文飾）理念不合，衝突頻生，直至某次處理一位特殊案例時，文哥出手相助，他對殯葬業的態度才有所轉變，對這行業更認真且嚴肅看待。隨著二人關係逐漸破冰，道生有機會接觸到文哥的家庭，從而看見文哥與子女相處的點點滴滴，對人生體悟更多。

電影雖打著雙主角（黃子華和許冠文）作為宣傳噱頭，但我更投入、獲得共情的，始終是黃子華飾演的角色。幾句從他口中說出的普通對白，因隨著該角色經歷過的種種——無論是初入行時因躁進而忽略了家屬心情，抑或縱使客戶要求艱難仍為了業績硬著頭皮接下——而升華為精句。還有那句：“活人也需‘破地獄’。”不僅讓身為觀眾的我振聾發聵，連帶戲裡經驗比道生豐富的文哥，也起了當頭棒喝之效，察覺自己墨守成規，過於專注儀式傳統及對逝者的敬意，不自覺忽略了生者的情緒。

為三餐溫飽，不得不在人生本該安頓下來的年齡階段轉行，從事不熟悉的職業，我因此對道生感同身受。他說：“（對死亡）再怕，更怕窮！”我舉手讚同。人被逼入絕境時，求存模式開啟，總會逼出潛能，殺出一條活路；道生憑著曾是婚禮策劃師的經驗，“人生結業式”葬禮同樣是禮儀策劃，他相信只要換個心態，以肅穆替換歡樂，同樣容易上手，如此阿Q念頭，實為身處劣勢的無奈求存啊！

至於文叔的角色，也設計得相當立體，從個人思維，到整個家庭各成員之間的相處模式，都有許多值得探討的點。他是“死拗一邊頸”的“老屎忽”，是個沙文主義大男人，這些套在他身上的標籤，相信沒人反對。但我對他始終懷有一絲好感、敬佩，那是他對喃嘸佬這傳男不傳女的職業——更甚者視之為天賦，是天降大任於我也，是天生吃這行飯、無從選擇餘地的使命——敬業樂業，汲汲營營，畢生投入其中的專注力。

經驗豐富的他，自然瞧不起道生的新派做法，認為後者對殯葬業、對逝者的所做所為，都缺乏嚴肅、敬意不足，比如為錢破壞行規接下那位經歷著喪子之慟的富豪母親無理難搞的防腐要求，或在另一個案子私下把亡者的些許骨灰送給非親屬“友人”。雖然如此，他還是有心軟的一面，比如協助道生處理防腐作業，也因前文提及的那句“活人需‘破地獄’”茅塞頓開，開始發現道生這種“中途轉職”的新理念，有其必要的存在，開始反思，漸漸察覺從某方面來看，道生亦成了他的老師。對著道生，他比面對親家人更輕鬆自若。

他寫的遺書，向兩個孩子表示自小便道德綁架、情緒勒索他們的歉意，才教人動容。現實中有多少人（尤其出身自思維較傳統的家庭）同樣經歷著文哥兩個孩子的遭遇，被上一代舊有、迂腐觀念束縛著，無法踏出、活出、闖出自己的人生？戲中這一家人，人人滿腹怨氣冤屈，同在一張餐桌上未開動，早對眼前人瞧不順眼，我看這一家人的互動已覺心累，作為當事人，何止減壽十年？故，文哥交待的遺願，可謂他一生中最大膽的決定——看在同行眼中更是大逆不道——而最適合執行其志者，非道生莫屬。唯有這位門外漢，不受傳統枷鎖套著，讓文哥的子女為文哥破地獄，兩個孩子也同時在為自己破地獄，就此放下多年來對彼此的不忿積恨。

電影最後，一夥喃嘸道士無法接受這等敗壞傳統的儀式，憤而離去，戲就此結束。我看著往上升的幕前幕後工作人員表單，沒細聽坊間傳到亂說令人感動異常的片尾曲，反而思索著道生經歷了這一切，等同於一下得罪完所有同行前輩，他這家小小殯葬公司，如何撐下去？我想，他應該會辛苦一陣子，笑到最後的，應該還會是他吧，畢竟時代會前進，這非物質文化遺產的殯葬儀式，總會隨著時代變遷、新代人的思維而變異，女性不能破地獄的舊有觀念，應該會慢慢破除，只需時間。最重要的，那是後代的事了，人一生有多少年，何苦為了這點不關己事而糾結？

總而言之，《破·地獄》是近期值得一看的佳作，尤其在這任何東西都在快速變化的速食年代，人欲進步，得放棄某些事情，特別是一些不合情理不符邏輯的迂腐儀式，相信看了《破·地獄》，可以思考更多。

鬼聲泣2

看《鬼聲泣2》前，我特地透過Netflix看了首集，整體氛圍沉悶，故事節奏偏慢，講述鄉下少女被邪靈纏身，全家人竭盡全力試圖拯救她，卻依然目睹她在痛苦中死亡的慘烈結局。

《鬼聲泣2》徹底打破了首集的沉悶，以更快速的節奏、更豐富的情節，以及更精彩的動作設計，重塑了故事面貌。續作中，失去妹妹的亞克化身獵鬼驅魔師，三年間憑著復仇怒火，成為鄉野傳奇。他的目標只有一個——獵殺殘害妹妹的黑衣女鬼。

電影序幕把故事拉回到百餘年前的戰爭時期，交代了黑衣女鬼的來歷，同時埋下與她密切相關的食屍鬼“奔”的伏筆。接著，觀眾便迎來主角亞克——一個戰鬥力爆表的“獵鬼拳王”。幾場徒手暴打鬼怪的動作戲，將他的帥氣值拉滿。他的搭檔中士，則像中華驅鬼文化中道士般的角色，具備智慧與策略，指導亞克如何更高效地伏魔降妖。他們之間亦師亦友的互動，充滿著溫暖及趣味。

電影分做兩條主線，一邊是亞克、中士和幾位“善心人士”的叢林追兇之旅；另一邊則是在家鄉為大姐籌備婚禮、等著亞克歸來的家人。亞克這方的叢林探險，堪比獵殺類型片裡的情節設定，隊伍中各懷鬼胎的角色一個接一個慘死，死亡過程與其說恐怖，倒不如說爽快酣暢淋漓，畢竟這幾位角色的人設並不討喜。幾處jump scare場景，配合巧妙的剪輯與幽默對白，觀眾不僅嚇到，還笑出聲，節奏張弛有度，比起首集娛樂性更高。

至於家鄉線的部分，也塑造了溫馨與懸念並存的氛圍。一家人邊忙著籌備婚禮，邊等待亞克歸來，卻不知危險及恐懼已悄然欺近。兩條主線最終在高潮時交匯，帶來一場令人腎上腺素飆升的對決場面，同時更完美襯托了亞克身上的情感負重與成長。

相較於首集的單調，《鬼聲泣2》無論是情節的豐富程度、角色塑造，還是視覺呈現，都有了大幅度提升。我不確定編導是否從一開始就計劃將其拍成上下兩集，但顯然，他們吸取了首集的不足，在續作中補足，也成功交出一個驚喜十足的成績。

總括而言，如果你沒看過首集，《鬼聲泣2》會是能滿足你對驚悚與娛樂的雙重期待。但如果你看過首集才看這續作，相信你跟我感覺一樣，雖未到驚為天人，卻已提升到一個好看到不行的層次。重點是，它有一個好結局，至少散場時，不會感到扼腕揪心。

猛毒最終章：最後一舞

索尼影業蜘蛛人宇宙（SSU , Sony's Spider-Man Universe）的四部作品，對超級英雄影迷來說，或許是愛恨交織的存在。票房數據可以說話，但從電影賞析角度，我個人最喜歡的，是《蜘蛛夫人》（Madame Web）。這部作品無論敘事深度還是角色刻畫都很一般，卻都比過去兩集的《猛毒》（Venom）更對我胃口，情感張力上亦優於傳奇的《魔比斯》（Mobius）。因此，每提及SSU，心中總有些矛盾：這個充滿潛力的宇宙，怎麼總讓我興致缺缺？在這大眾對超英漫改作品出現審美疲勞的時代，它還能繼續發展下去，堪稱奇跡。

作為三部曲的收官之作，《猛毒最終章：最後一舞》（Venom: The Last Dance）劇情緊接《猛毒2：血蜘蛛》（Venom: Let There Be Carnage）結尾。艾迪·布洛克和猛毒經歷了“血蜘蛛”事件後，被群眾誤認為殺害莫里根警探的兇手，不得不展開逃亡生涯。然而，他們的敵人不只是地球上的人類執法機構，還包括來自猛毒母星的獵殺者。這讓艾迪和猛毒腹背受敵，而猛毒為了守護宿主，決定勇敢面對未知命運，這份勇氣也為角色的情感色彩，升華至另一個層級。

《猛毒最終章：最後一舞》整體風格延續了兩部前作那般簡單直接粗暴乾脆，但對我來說，這次的情感敘事更能觸動人心。尤其是艾迪與猛毒之間那種亦敵亦友、唇齒相依的關係，透過一場如公路旅行般的故事線，循序漸進地鋪陳他們的情誼，讓人深刻體會這段人與共生體間超越常理的連結。直至最後上演別離場景時，這種情緒渲染也被推至頂點，艾迪的悲傷、不捨、無奈，種種五味雜陳的心緒，如潮水般湧來，十分動容。

動作戲方面，相較於前兩部，本集的打鬥場面無疑有所提升。特別是那來自外星的獵犬，超強的再生能力讓人不禁好奇，究竟該如何打敗牠。更有意思的是，這些外星生物並非僅一隻，而是成群結隊地出現，增添了電影的危機感；當各型各色的共生體集結時，雖然設定有些讓人翻白眼，但無論如何，至少還帶來了一陣驚喜。至於牠們的命運，有些“出師未捷身先死”，沒幾秒鐘就成炮灰，這也算是這系列一貫的情趣吧？

總的來說，《猛毒最終章：最後一舞》無疑是三部曲中拍得最好的一部，也為SSU系列在我心中贏回了一點分數。希望二〇二四年壓軸作《獵人克萊文》（Kraven the Hunter）能繼續保持《最後一舞》的敘事風格，別像其他SSU作品那樣，不慍不火不湯不水瞎攪一通交差了事。最重要的，既然承諾了影迷會帶來限制級的暴力場景，就請千萬別食言。

我們同在

本來，對純愛情類型電影，我一向不抱期待——常見的套路：男女主角一見傾心，甜言蜜語你來我往，間中穿插情敵和波折，看著讓人覺得肉麻，正正應驗了那句：只要當事人不覺尷尬，尷尬的就是他人。然而，年紀漸長，閱歷愈深，偶爾看到以成年人視角為出發點的純愛電影，竟會意外感動，正如這部《我們同在》（We Live In Time），讓我在光影間，重新審視愛情的本質，以及力量。

《我們同在》講述一個橫跨逾十年的愛情故事。女主角阿爾穆特（佛蘿倫絲·普伊飾）是一位嶄露頭角的廚師，男主托比亞斯（安德魯·加菲爾德飾）則剛離婚，兩人因一次交通意外相識，一見如故，迅速墜入愛河。透過他們的相識與交往過程，影片細膩展現了初戀的激情與美好，同時也呈現隨著歲月流逝，二人情感加深而隨之帶來的生活挑戰。

兩人在共同生活期間，有嘗試懷孕，有各自努力為未來打拚；跟彼此的家庭成員相互碰撞、交織，充滿生活的瑣碎與溫暖。然而命運無常，阿爾穆特被診斷出癌症，此一變故，加劇了二人的考驗，同時也升華了這段感情。她在病痛中堅持活出尊嚴，義無反顧參加了最後一場廚藝大賽，也帶著丈夫女兒重返溜冰場，回憶曾經青春的舞步。戲末，她在溜冰場的另一邊，對著這邊的家人揮手告別，勾勒出生與死的界線。走筆至此，再次回想這結局的畫面，仍感動得我雞皮疙瘩爬滿手臂，這樣從簡單平凡的鏡頭捕抓中，流露出的真摯情感，牽動了我的心緒，為之動容。

佛蘿倫絲·普伊與安德魯·加菲爾德二人的演技，是影片亮點。普伊在角色的喜怒哀樂間遊刃有余，將阿爾穆特的堅強與脆弱演繹得淋漓盡致，既有初戀的羞澀與歡笑，也有面對癌症時的淡然和堅定。這種細膩的情緒表達，觀眾亦能輕易投入角色，感同身受。至於加菲爾德，他在角色中展現出的痛苦及深情，也恰到好處地呼應了身為一個丈夫與愛人，該盡的責任，以及柔情。這種演繹，不像單純刻意的煽情，反而讓觀眾從角色的眼神、肢體中，感受到情感的真實存在。

回來現實理性的一面，我依然不愛青春偶像式的愛情片，但對成熟男女之間的愛情故事，我開始買賬——前提是編劇要懂得敘述故事。畢竟，愛情不再只是年輕時的激情，更是長久歲月中的彼此守護。當原本的陌生人變做愛人，再逐漸融入生活成為家人，維繫的不再只是甜蜜，而是如何共患難，還有解決現實的柴米油鹽。或許正因身處其中，更能理解、體會《我們同在》這齣戲裡的兩位主角，在面對生活的艱難選擇和無奈時，依舊相互依靠，彼此成就，這種難得的情分。

不得不說，《我們同在》是我今年心目中最佳影片之一。

小丑：雙重瘋狂

總覺得，二〇一九年《小丑》（Joker）的成功，多少帶著幾分意外。這部基於漫畫改編的R級作品，票房口碑雙豐收，且獲獎無數。就我個人來說，儘管演員表現無可挑剔，故事敘述也流暢，整體卻未讓我驚艷。戲裡的小丑亞瑟·佛萊克，沒有漫改電影中的終極大BOSS風範，只是個社會病態的代言者，把貧富不均、邊緣人心理病態，以及資本社會的殘酷，透過這角色的經歷體現出來。《小丑》講述的更像是一個人的悲劇，而非小丑起源故事，更沒把他塑造成反英雄。這可是蝙蝠俠最惡名昭彰的對手，千萬別想著像隔壁棚漫威《猛毒》（Venom）那樣照辦煮碗，否則得不償失。

《小丑：雙重瘋狂》（Joker: Folie à Deux）繼承了前作的“文藝範”，而且走得更極端，因此導致口碑兩極，喜愛的人讚不絕口，沒法接受的人就譏諷謾罵。觀眾無疑因前作的成功而把對它的期望推到最高點，甚至有種“造神”的崇拜，如同首集結尾戲裡的群眾，把亞瑟當做是偉大的反資本主義烈士。當這續作遠離了預設中的商業大片模式，缺乏動作場景，血漿與暴力元素也比第一集少，敘事上更偏向音樂片類型，這對那些想看一場火爆視聽覺衝擊的觀眾來說，無疑是一支催眠劑。

電影故事緊接前作，亞瑟被捕入獄，接受心理治療，在精神病院中遇到名叫莉·奎茵佐的病人，二人展開一場扭曲的愛情戲碼。整部電影沉浸在亞瑟內心的悲慘世界中，繼續深挖他的心理陰暗面，莉則成了他在理性與癲狂間搖擺不定、苦苦掙扎的催化劑。莉——也就是為人熟知的哈莉·奎茵——在此不是極盡瘋癲的小丑女，而是一個感覺更真實、更人性化的角色。兩人之間的互動，沒有漫畫式的雙宿雙飛，而是迷幻的精神共舞。

在莉的慫恿、鼓動、刺激下，亞瑟心靈深處的小丑趁勢顯露，這設定感覺像是精神分裂，卻又不完全是。編導用了大量法庭戲，透過審判過程，揭開亞瑟的內心世界，卻也讓他的瘋狂表現模糊不清，彷彿人格未完全裂變。以“口水多過茶”的對白推動劇情，使用鏡頭語言剖析亞瑟千瘡百孔的內心，在虛實之間不斷交錯，觀感上電影節奏變得極緩，如此文藝式手法，可想而知，不是人人消受得起的。

演員方面，影帝瓦昆·菲尼克斯再次展現精湛演技，無論情緒轉換，或是肢體的控制——你看他瘦如枯骨的恐怖身材——都無可挑剔。與他搭配的女神卡卡，則將優雅與瘋癲氣質完美結合，演出令人耳目一新，歌唱場面更是得心應手，為角色增添幾分浪漫氣息。縱使劇情未能給她太多發揮空間，依然能夠展現十足魅力。

總括而言，《小丑：雙重瘋狂》是一齣需要耐心觀看（賞）的作品。若抱著看《黑暗騎士》（The Dark Knight）或《自殺突擊隊》（Suicide Squad）裡癲狂小丑的朝聖心態入場，只會落個自討沒趣的下場。

北歐神話血腥禁忌的恩仇快意——《諸神末日》

Netflix動畫影集《諸神末日》（Twilight of the Gods），由視覺系導演查克·史奈德開發並執導其中的首末二集。這位導演近來的《活屍大軍》（Army of the Dead）和《反叛之月》（Rebel Moon），坦白說有點失望，尤其《反叛之月》，即便有導演剪輯版這二次機會，亦未能彌補故事敘述上的硬傷。《諸神末日》給了我久違的驚喜，彷彿他用這部作品完成一次自我救贖，重新讓我對他重拾信心。

《諸神末日》講述人類巨人混血兒女主角Sigrid，帶著人類沃松國國王Leif回到家園約頓海姆拜見族人，共結連理。婚禮進行期間，雷神索爾跟弟弟Baldr不請自來，雷神不僅鬧事，還發酒瘋，把巨人全族給滅了，原本的喜事瞬間成了喪事。倖存的Sigrid親眼目睹族人被屠殺，悲恨交加，在玩笑之神洛基慫恿下，踏上一條復仇之路。

若你了解史奈德的風格，就知道他特鐘愛那種幾個素昧平生的陌生人湊在一塊，為共同目標拚死奮戰的情節，《300壯士：斯巴達的逆襲》（300）、《殺客同萌》（Sucker Punch），還有最近兩部Netflix出資的電影，設定皆雷同：視死如歸的戰士，悲壯且淒美。看戲當下，我甚至希望這些共業夥伴能迎來好結局，然而總是避不了好幾位的壯烈犧牲——若非《正義聯盟》（Justice League）裡六位英雄地位太重，估計他也會貫徹此理念，安排其中幾位領便當——這樣的情節設定，《諸神末日》也同樣上演，Sigrid跟隨洛基指示，募集一夥人，朝未知的命運出發。

值得一提的是，這部動畫的索爾，完全顛覆了我們在漫威電影中看到的那個威風凜凜、英俊瀟灑的帥氣形象，反而是個狂妄自大、品格低劣的神祗；洛基則一樣是亦正亦邪且奸狡，不過他在此處的人設挺耐人尋味。他循著Sigrid的怒火順水推舟，促使她尋找恰當的戰友，再一起殺進神域阿斯加討公道，實則私下也有不為人知的念頭。

動畫的另一個亮點，是它毫不掩飾地放大北歐神話中的血腥與色情元素。索爾殘暴的殺人場景，以及斷肢爆頭、剖腹破腸的場景比比皆是；角色的裸露尺度也無下限，男性“草菇頭”和女性私密處都毫不遮掩，絕對兒童不宜。

總括而言，《諸神末日》算是史奈德的雪恥之作（不懂導演本尊有沒有這樣想，或只是我想太多），更是我心中二〇二四年最佳動畫之一。呈現手法、視覺效果和情節張力都十分到位，好幾場慘烈的戰鬥場面，都看得我情緒飆漲、熱血奔騰。史奈德成功用他招牌式的視覺風格及敘述方式，帶來一場震撼感官的神話冒險復仇故事。如果你想看一個血腥暴力及色情交織且充滿人性欲望的北歐神話，這動畫是個不錯的選擇；要是你跟我一樣是史奈德鐵粉，就更沒有錯過的理由。

危機航線

劉德華的新作《危機航線》，講述安保專家高皓軍（劉德華飾）搭乘豪華客機A380首航時，意外捲入劫機事件。在劫匪頭目Mike（屈楚蕭飾）一聲令下的無差別射殺，這華麗舒適的空中巨無霸，瞬間變成密室煉獄，機上乘客陷入恐慌之中。高皓軍不得不挺身而出，獨力抗匪。更複雜的是，他的前妻傅源（劉濤飾）和失明的女兒小軍（張子楓飾）也同在這架飛機上，一家人的命運就此綁在一塊。

華仔的表現出色，高皓軍這角色設定也讓他得以發揮。作為亞洲影壇的長青樹，爐火純青的演技毋庸置疑，在這個人英雄主義的劇情中，每一個眼神、動作，都傳遞出那種堅定不移的決心。他不但與暴徒周旋，還得兼顧機上乘客的生命安全，尤其是前妻和女兒，這設定加劇了人物的複雜情緒，讓人看得既緊張又投入。

動作戲是《危機航線》的重要元素，編導在狹小的機艙裡，打造出一場場近身肉搏動作戲，從狹窄走道到上下層機艙之間的逼仄空間，每一場衝突，皆張力十足。只是，大量錯位鏡頭的使用，也導致原本看至興起的觀眾有點洩氣，很多一閃即逝或直接去掉的畫面，都需要觀眾自行腦補。如此剪輯，或是為了掩飾一些破綻瑕疵，但觀影體驗隨之打了折扣，是不爭的事實。

此外，導演似乎想效仿《神鬼認證》（Bourne）系列傑森·包恩那種快速切換、一氣呵成的剪輯風格，卻適得其反，讓人吃不消。更離譜的是，連文戲都照辦煮碗，會不會有點太over、太炫技？比如有一幕劉德華面對女兒原諒時的情感釋放，熱淚盈眶的臉部特寫，也要在毫秒之間切換三四個鏡頭，莫非是要讓觀眾親身體會戲裡高皓軍的狂躁症？負責剪輯的仁兄，剪了之後到底有沒再看一遍自己快刀手的成果？自己接受得了嗎？

雖然有剪輯方面的毛病，《危機航線》仍不失為一部尚算合格的爽片，故事情節簡單利落，沒刻意搞太多新花樣，就是一九九〇年代動作片黃金時期典型的“孤膽英雄”式套路。這在動作片中其實屢見不鮮，如《終極警探》（Die Hard），布魯斯·威利就在密閉空間與恐怖分子拚智鬥勇，孤軍奮戰；近期韓國的《亡命機劫》同樣是劫機題材，透過戲中角色的立場，勾勒出早期南北韓緊張局勢中的生死抉擇，多了一層人性的探討。

相比之下，《危機航線》人物深度較簡單，情感鋪墊也較少。它目標明確，即通過緊張的節奏，以及一波接一波的動作場景，如此形成的萬鈞劇力，讓觀眾在近兩小時內，享受一場爽快直接乾脆的娛樂。若你又是華仔粉絲，《危機航線》更不會讓你失望，要是出現暈陀陀的感覺，那不知是因快速剪輯的鏡頭導致，還是為華仔的銀幕魅力而春心蕩漾了。

致命約會

改編自真實事件的《致命約會》（Woman of the Hour），故事背景設在一九七〇年代，講述安娜·坎卓克飾演的女主角謝麗爾，上到一個以單身女性尋找伴侶的熱門電視節目做嘉賓，最終從三位男性參賽者中，選擇了看起來風度翩翩的單身漢羅德尼，卻完全不曉得這男人溫和的外表下，其實是一位心思縝密的連續殺人狂。

電影的敘事聚焦於謝麗爾在節目上如何與羅德尼以及其他參賽者互動，再不時以時空交錯的方式，揭示羅德尼的雙面人生，一邊是約會節目的光鮮亮麗、談吐得體，另一邊則是他多起可怕的犯罪過程，觀眾同時得以了解羅德尼到底是個智力極高的天才型罪犯。隨著劇情進展，也明白了謝麗爾正逐步逐步踏入羅德尼恐怖的陷阱而不自知。

安娜·坎卓克作為這部電影的導演兼主演——這是她的導演處女作——以極具個性的方式描繪並演繹了謝麗爾這角色。面對羅德尼時，她那種表面鎮定，實則內心幾番的轉變，都表現得十分到位。她原本對羅德尼帶有些許好感，直至節目結束後跟羅德尼到附近的餐廳喝茶閒聊，發覺羅德尼的態度及語氣開始變調，謝麗爾終於感到疑惑不安，繼而懼怕惶恐。

儘管電影透過時空的切換營造出緊張感，但看完戲後，卻沒讓我有那種大呼過癮、欲罷不能、內心狂讚的感覺。戲劇張力是有的，尤其女主角與這個極度聰明的殺人狂面對面、你來我往的智力對決時，觀眾同樣能感受到她那如履薄冰的壓力。只是，最終謝麗爾有驚無險地脫困，又令整部電影的結局，缺了一點爆發力——我不是要看謝麗爾難逃魔掌，也不希望這角色有這樣的悲慘結局。

看完《致命約會》，我的第一反應，並非覺得不好看，而是一種難以名狀的“奇怪”。電影成功營造出濃重的懸疑氛圍，但每當劇情即將達到高潮時，卻又突然跳至另一個時間點，這樣的敘事手法，不免使觀眾情緒的積累斷裂，尤其使用多次，無疑會變成缺點。

此外，電影還帶出一些女權的探討。謝麗爾作為一個在那時代透過綜藝節目尋找愛情的女性，原本還被主持人、製作人命令必須照劇本走向“演出”，代表著一個被社會審視，甚至物化的群體（其實來到今日，在所謂“男女平等”的年代，這種兩性不平等，又何嘗改變過？）。直至她脫稿真性情演出，展現驚人的冷靜及機智，一眾男性自然感到不是滋味，但其他在幕後的女性工作人員，都對其大讚有加。尤其髮妝師告訴她的：妳就只上這一次的節目，妳亂來的話，製作人又能怎樣？炒掉妳麼？直接給了她勇氣，打亂了主持人陣腳，也為這原本一成不變的節目帶來新活力。

還有，最後那位使羅德尼被逮捕歸案的受害人，也是在慘遭蹂躪後冷靜自持，智取兇徒。因為表現跟羅德尼其他受害者不一樣，羅德尼一時不知該如何反應，最終被逮。這位受害人跟謝麗爾一樣，都不是需要被拯救的弱勢“受害者”，而是可以憑著本身智慧，扭轉局勢，一個從險境中脫身，另一位雖然受辱，但至少保住了性命。

總括而言，我覺得《致命約會》中規中矩，安娜·坎卓克初次執導可以交出這樣的成績，表現算是不俗，只是整個敘事節奏就有些許不足而已，還可一看。

偷天換日

二〇〇三年的《偷天換日》（The Italian Job），翻拍自一九六九年的同名經典。說是翻拍，卻別指望會見到什麽致敬橋段，畢竟除了片名和Mini Cooper，老版和新版（今日已成舊版）幾乎毫無關聯，新版是直接把老派的竊賊故事，包裝成一場現代感十足的視覺饗宴。時隔廿年再重溫這部電影，不禁感歎它不僅沒被時間磨掉半分魅力，反而讓我重新體驗了一回當年觀賞時的心跳加速及快感。

首先必須提一下那兩位年輕帥氣的主演——Mark Wahlberg和Jason Statham。Mark Wahlberg在當年還有點“奶油小生”的感覺，嫩得出汁，青澀中散發一種初生之犢不畏虎之氣質，如今已是壯漢一名，更是好萊塢的硬漢代表。至於Statham，還沒完全“掉髮”的他，在戲裡予人一種行事作風爽朗乾脆的感覺，連角色名都叫“Handsome Rob”，簡直為他量身定製。

女主Charlize Theron更是不得了，光彩奪目，性感迷人，那張清新脫俗帶著些許稚氣的臉龐，加上凹凸有致的身材，完美到讓人難以轉移視線，每個鏡頭都是焦點。很難想像，她在同年憑著另一部《女魔頭》（Monster）摘得多個電影最佳女主角獎項，其演技有目共睹。

至於反派Edward Norton，那副陰險小人的模樣，可真讓人咬牙切齒。Norton把這背叛隊友、獨吞贓款的無恥混蛋角色演繹得淋漓盡致，尤其那人中鬍，更顯得他險惡兼樣衰。最終這幫雅賊復仇成功，Norton這叛徒自食惡果時，我是情不自禁拍手叫好，真個痛快！

除此之外，片中的飆車戲，是腎上腺素的狂飆時刻！雖說竊賊復仇的故事不算新鮮，但導演把這場戲拍得驚心動魄、扣人心弦，動作設計也讓人欲罷不能。片中的Mini Cooper，小小車身在狹窄巷道、樓梯和地鐵間穿梭自如，堪稱影史經典，這也絕對是電影置入行銷的模範教材。

對一九六九年Michael Caine主演的原版《The Italian Job》，老實說，除了片末那段懸崖戲碼，我已記不清它的故事劇情了。當時的情節是眾竊賊得手後，開著巴士慶祝，不料巴士在山路上因意外懸在崖邊，大家進退不得，電影就此戛然劇終，留下無限想像空間的開放式結局。相比之下，二〇〇三年的《偷天換日》則簡單俐落，結局雖沒太多所謂的文學價值或思考空間，但那種酣暢淋漓的爽快，方是我們這些普通觀眾想要的。

對我而言，《偷天換日》是成功的重拍片，故事情節縱使屢見不鮮，但導演的掌鏡功力、節奏把控，以及演員的精湛表現，都令我十分過癮。加上Mini Cooper在追逐戰中大放異彩，更是百看不厭。

Kelly Brook在cult片Piranha中的性感造型

題外話：電影片尾還有模特兒Kelly Brook的驚鴻一瞥。二〇一〇年，她在驚悚cult片《食人魚》（Piranha）中的性感身姿驚艷了我，今見她在《偷天換日》片尾的小小亮相，忍不住上網搜索她的近況，結果發現，歲月真是一把殺豬刀啊，曾經的性感女神，如今已是豐腴圓潤，我心底感慨萬千……

功夫

在戲院看完重映的周星馳經典《功夫》，感覺這麼多年過去，魅力及樂趣絲毫未減。

回想二〇〇四年《功夫》上映時，可謂是掀起巨浪。那時社媒尚未流行，翻閱報章娛樂版報導及照片，看見谷中城戲院排隊購買戲票的盛況（是的，當時還沒線上購票或APP的便捷程序），可以萬人空巷來形容；鋪天蓋地的報導與影評，都在誇讚這部片子的精彩，是與朋友閒聊、討論的熱門話題。

如今正好二十年過去，坐在戲院裡再看這部經典，依舊是笑得合不攏嘴。冒認斧頭幫成員的阿星，跟真正斧頭幫會眾那幕滑稽搞笑的初次“邂逅”、豬籠城寨裡各個臥虎藏龍的奇人異士等，處處細節都充滿周星馳的幽默風格。

熟悉他作品的觀眾都曉得，他的電影表面看似輕鬆搞笑無厘頭，背後往往暗藏深意。周星馳厲害的地方，是能在嬉笑怒罵之間，傳遞出深刻的人生哲理。雖然較後還有一部《長江7號》，但在我心中，《功夫》才是周星馳最後一部自導自演的作品，之後便專心執導演筒，把演繹的重任交予演員。

《功夫》講述邪不勝正的故事情節其實很普通一般，是中國傳統武俠故事的經典套路。阿星從一個市井小混混，最終修煉成一代武林高手，看似是一條標準的“魯蛇逆襲”故事，可如今再看，隨著我個人多了二十年的社會歷練，感觸大不相同。

在我看來，阿星的遭遇，其實反映了許多人在人生道上的迷茫。他一開始不務正業，一心想混入斧頭幫，奢望可以狐假虎威出人頭地兼且快速致富，這其實反映出很多人不成熟的寫照。大多人總想著找捷徑、找一條輕鬆管道賺快錢，只是，生而為人的真正意義，只是如此嗎？何不腳踏實地，一步一腳印地奮鬥？

斧頭幫象征“賺快錢”，只要來錢快，不管是不是透過正道，他們可以不擇手段（放至今時今日，可以比喻為Money Game的手段）；阿星欲加入“快速致富”行列，卻始終不得其法，因為他仍保有良心而不自知。當最終心中的善意及初衷被重新喚醒，才悟透了真正屬於自己的使命。那段被打通任督二脈的情節，如今看來，像是一個人頓悟了，認定了自己的人生志向，通過埋頭苦幹、不懈鑽研，最終成為領域裡的佼佼者。

至於反派大BOSS火雲邪神，一直執著於自己的力量，沒有任何傳承的意圖。他是自私的，一切只為自己所用、所有。反觀阿星，經過一番苦修（電影雖然只用“打通任督二脈”一筆略過，但他過去的渾噩人生，亦可視之為尋找人生志向的苦修過程），不僅成了武林高手，還願意把所學傳授他者。

影片結尾，阿星對火雲邪神說：“你想學？我教你吧！”此話一出，火雲邪神頓時淚如雨下，被阿星的氣度所敗。阿星與火雲邪神最大的差異，在於前者願意分享，後者卻只自私地守著自己的秘技。阿星代表的是一種“大道”，一種願意讓知識和能力傳承下去的精神，火雲邪神則只是一介莽夫。無論武功或人生，真正的大師，不會是私自謀利，而是願意教導後人，把智慧和技能傳承下去，以此回饋社會。《功夫》欲傳達的，正是這樣的精神，如此的訊息。

總括而言，能再次在戲院觀賞《功夫》，讓我再次領略周星馳的電影魅力。依舊捧腹大笑，動作場面依然精彩，而歡笑背後的人生哲理，更發人深省。時間的流逝沒讓這電影失去光彩，反而隨著觀眾的成長，解讀出電影中的深意。《功夫》這盅美酒，陳釀得愈久，品來則愈有韻味。