不可能的任務：最終清算

如今回想，是在哪一集開始喜歡上《不可能的任務》（Mission: Impossible）系列，直至每一部新作預告釋出時，都將之列入必到電影院觀賞片單中……我想，應該是第四集《鬼影行動》（Ghost Protocol）以後。而第五第六集《失控國度》（Rogue Nation）和《全面瓦解》（Fallout）更在我心中奠定了該系列的天花板等級。

《不可能的任務：最終清算》（Mission: Impossible – The Final Reckoning）距上集《致命清算》（Dead Reckoning）已相隔二年，原本安排隔年，也就是去年上映，唯延期至今，也沒聽說原因為何，但該來的終究會來，我自然也第一時間去探究上集被派發便當的伊爾莎到底是不是真的吃下了這難啃的便當，結果……唉！

劇情承接上集，奪得十字鑰的伊森·韓特，為了摧毀“智體”，與團隊追尋隨同俄潛艇沉沒在深海裡的模塊“馬蹄鐵”，避免它落入大國之手。他跟路德、葛莉絲、班吉等同伴周旋於反派蓋布瑞與俄軍之間，而且要在數十小時的期限內完成任務，否則智體將啟動九個國家的核武，毀滅地球，只留下少數倖存者，進入一個由智體掌控一切的未來。

說真的，因為過去幾部系列作的套路基本相似，早知道韓特肯定能化險為夷，在千鈞一髮之際拯救世界，所以觀賞《最終清算》，主要把注意力放在他和團隊完成任務的過程，留意編導的敘述手法。編導或許也知道此為這系列的風格、“窠臼”，觀眾看著系列就是要看這種，成了系列“擺不脫的魔咒”，唯有不斷嘗試新突破，包括故事走向越趨錯綜複雜，格局越恢宏，玩命動作也得設計得更驚險，才好餵養觀眾日漸擴大的胃口。因此，前半段雖說是為了鋪陳劇情，卻顯得有些沉悶，對白頗多——看戲前最好要有這心理準備。

但說到動作場面，則完全沒了挑剔的空間。湯姆·克魯斯還是那個拚命三郎，一樣堅持實拍，讓觀眾在大銀幕上看到演員最真實的反應。這不是什麼精湛演技可以取代的，那個臨場感和張力，是電腦無法百分百複製出來的。這集最震撼的，莫過於片尾那場高空飛機上的打鬥，讓人看得屏息凝神，加上剪接不時跳去另一場拆炸彈等抓智體的戲，那營造出來的緊迫氛圍、戲劇張力，簡直要人欲罷不能。

唯一可惜的地方，大概就是這集對人工智能的探討，沒上集來得深刻。或許AI的世界觀在上集已經交代清楚，這集轉而聚焦在人與人之間的對抗上。這樣是好壞參半——少了點哲學思辨的深度，但更像一部純粹的動作爽片，不需耗太多腦力。

總括而言，《不可能的任務：最終清算》是非常有誠意的動作片，延續了湯姆·克魯斯的動作實拍精神，和系列一貫的高水準。若對故事劇情不那麼較真的話，絕對看得十分開心過癮。

直到黎明

我不是電玩咖，雖曾聽聞Until Dawn，但沒玩過也不知是何類型，改編電影《直到黎明》（Until Dawn）也是以小白姿態入場，結果倍感驚喜，抱著大大滿足感及歡樂離開戲院——很久沒為一部驚悚恐怖片樂開懷！

故事講述女主角柯洛芙跟四位友人一起前往姊姊失蹤的偏遠山谷尋找答案。他們在一家便利店老闆的指引下，來到山谷中的度假屋，並發現神秘事件降臨在自己身上——五人慘遭謀殺，醒來後發現又回到當晚的一開始。他們就此困在這死亡輪迴中，每次的殺手或死法不盡相同，且一次比一次更可怕。唯一的逃脫方法，就是設法生存下來，活到黎明……只是欲達成這目標，十分艱難。

有些恐怖片，確實是沒邏輯可言，或設定跟現實世界運作方式完全相悖，《直到黎明》便是一例，但沒因此降低它的娛樂性和水準，無論是運鏡、演員表情捕抓、懸疑詭異氛圍的營造等，加上剪輯的節奏拿捏，都恰如其分。觀眾跟隨這五位年輕人踏入那神秘境地，為他們的遭遇捏冷汗之餘，亦似乎感同身受他們死亡的痛苦，過程令人腎上腺素飆升，屏氣凝神。

編導厲害的地方在於，可以在這慘烈且創意爆表的死亡輪迴中，結合幽默元素，在本該肅穆緊張的氣氛下，觀眾還會因幾個黑色幽默橋段，情緒稍微舒緩，繼而再被突如其來的死法震撼，百感交集，既希望這群年輕人能逃離這無間煉獄，又希望能見到更多創意死法，把自己的歡樂建築在他人的痛苦上。

導演大衛·桑德伯格，恐怖類型片可說是“撞正”他的強項，成名作《鬼關燈》（Lights Out）不知嚇破多少人的膽，更為他敲開並獲得《厲陰宅》（The Conjuring）宇宙《安娜貝爾：造孽》（Annabelle: Creation）的導演筒機會，且不負眾望，一洗這鬼娃前作“得個跩樣恐怖指數卻弱爆”的頹勢；後來兩部超英漫改電影《沙贊！》（Shazam!）系列，皆非我心中那杯茶，直到這部《直到黎明》，再次讓他一展長才，大顯身手。

其實，看到角色不斷死而復生這設定，我腦中第一個浮現的，就是前幾個月的奉俊昊作品《米奇17號》（Mickey 17）。那是用科幻包裝死亡輪迴，問的是人性價值；《直到黎明》用恐怖片包裝相同概念，問的則是：“你要如何在一場注定失敗的遊戲中，保住靈魂？”兩者都帶出值得省思的課題。

《直到黎明》還令我想起另外兩部超讚的同類作品——《詭屋》（The Cabin in the Woods）和經典重拍的《魔山》（The Hills Have Eyes）。《直到黎明》故事性質跟《詭屋》大同小異，一樣是一夥後生仔，一樣是現實邏輯講不通的“遊戲化”設定，一樣是對恐怖的探討、試驗。而聯想到《魔山》，皆因受害者對一切的始作俑者展開反擊時，最終結果大快人心，直呼過癮，就跟《魔山》裡的結局一樣振奮！

非紳士特攻隊

最近才剛看完漫威新作《雷霆特攻隊^*》（Thunderbolts^*），一群魯蛇被招攬出任務，拯救世界。過沒幾天又看了蓋·瑞奇的《非紳士特攻隊》（The Ministry of Ungentlemanly Warfare），也是一群特戰隊員組隊搞破壞，乍看以為會是一場爽快俐落酣暢淋漓的蓋氏風格動作戲，結果⋯⋯得個悶字。

這部電影取材自二戰時期的真實事件，原型來自邱吉爾親自授意、專門進行秘密任務的破壞小隊。是的，它讓我想起昆汀·塔倫提諾的神作《惡棍特工》（Inglourious Basterds）——刺殺、臥底、歷史狂想，風格挺相似。但問題是，《非紳士》沒有昆汀那種冷冽的幽默與殺機四伏的張力，劇情平鋪直敘，任務過程節奏雖快，卻缺乏令人屏息的轉折。每場戰鬥看似兇險，最終隊員們皆毫髮無傷，全身而退，觀眾也較難投入其中。

最讓人失望的是——蓋·瑞奇去哪了？這部電影掛著他的大名，卻一點不像他的作品。沒有剪接如刀、對白像機槍掃射的招牌節奏，沒有畫面和音樂一拍即合的神來之筆，只有一堆規規矩矩的場面和罐頭式的商業電影敘事。就像有人冒用蓋·瑞奇之名，交了一份無聊到安全過關的作業。

演員方面，亨利·卡維爾依然帥，但這次演的隊長角色近乎扁平；艾莎·岡薩雷則像走錯棚的模特兒，全程靠風情萬種與曼妙身材吸睛搶戲。反倒是艾倫·瑞奇森令人眼前一亮，從美劇《神隱任務》（Reacher）的俠客退役憲兵殺到這次的納粹，飾演的拉森像個不死金剛，近身肉搏、遠程爆頭樣樣來。最經典的的一幕是，他拉弓一箭貫穿兩名納粹，膂力驚人，堪比大俠郭靖。

反派方面，提爾·史威格飾演的納粹將領魯爾，登場沒多久就讓人心感厭惡，演出也比正派一方更有氣勢。起初看他臉上被歲月刻下的皺紋，只覺面善，卻一時想不起是誰，直到某個近鏡特寫，才驚覺他正是《惡棍特工》裡那位忠誠軍官。想想那部片竟已是十六年前的作品，歲月果然比納粹還無情。

一部失敗的作品，往往不是因為素材差，而是本來可以很精彩，卻拍得無聊透頂。《非紳士特攻隊》就是這樣的電影：故事本可激蕩出更多更璀璨的火花，導演卻選擇平鋪直敘；角色原本有張力，卻集體當背景板。片子不爛，卻不精彩。就像你特地去吃一間米其林名廚餐廳，結果端出來一盤乾撈泡麵——不難吃，但吃不出到底是哪位大師下的廚。

一句話，三個字，可惜了。

雷霆特攻隊*

十多年前，《鋼鐵人》（Iron Man）敲開了了MCU的大門，那時我們還會為英雄的集結、犧牲和逆轉時空而熱血沸騰。但自從《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers: Endgame）畫下句點後，MCU似乎也跟著走下神壇。這幾年看下來，第四、五階段像走迷宮，不知哪部打哪部，是偶有佳作，但大多只能搖頭慨歎。

年初的《美國隊長：無畏新世界》（Captain America: Brave New World）是我難得懷著希望進場的作品，結果看完只覺心冷。是我期望太高，還是漫威真的只懂得炒冷飯，靠品牌“行騙”，騙那些深信“漫威出品，必屬佳品”的死忠影迷？

對《雷霆特攻隊^*》（Thunderbolts^*），我還是有點期待，並非因為演員陣容或導演，而是這群角色。說白了，他們是魯蛇、是C咖，也有說是“反英雄”，聽起來較有格調。我想的是，這群曾經犯錯、搞砸過、被遺忘的邊緣角色，若能像隔壁棚DC《自殺突擊隊：集結》（The Suicide Squad）那樣瘋玩耍狠，或許真能替MCU注入一劑強心針。

故事講述新黑寡婦葉蓮娜、美國特工沃克、幽靈艾娃和模仿大師，皆成了中情局局長瓦倫蒂娜手下的秘密棋子，被派去執行見不得光的髒活。某次任務中，酷寒戰士和紅色守衛者也捲入其中，幾個過氣角色湊成一支臨時隊伍，挺身而出，抵抗強敵虛無。

電影整體其實拍得不差，但也不算精彩出色，就中規中矩，穩妥交貨。劇情主軸放在葉蓮娜身上，她既要繼承姊姊遺志，又得在這群問題隊友中找尋歸屬與信任。其他角色雖是配角，但人人有戲：各有各的陰影及過去，雖不深描，點到為止，卻恰到好處。連反派也不是單純的大魔王，從迷惘純真的鮑勃，到覺醒後實力大增的哨兵，再到被憤怒吞噬的虛無，經歷三重的層次變化。

最動人的地方在於：這些人不像鋼鐵人那樣光芒萬丈，沒有天生神力，也沒人會替他們豎立銅像。他們不是神，是人。他們戰鬥，不為正義，只為贖罪與存在感。這點描繪，是我們這些平日為三餐而打拚的凡人較能感同身受的。

動作場景方面，不能說精彩奪目。整部片僅那幾場的交鋒，簡潔俐落，節奏明快，看完還有些韻味不足。片末對上哨兵的大決戰，其實我有點失望，少了磅礴氣勢，重點放在葉蓮娜的心魔具象化，再延伸成心理機關戰，多少有些反高潮。我知道哨兵還有後續用途，早早領便當太浪費，但他能力過於強大，這臨時湊集的烏合之眾如何是對手？只能憑靠唐三藏話懟術，叨唸到他投降為止。

總括而言，《雷霆特攻隊^*》結構完整、角色有交代、笑點偶現、打戲不缺。它不會讓你驚艷，也不至於失望離場，但就是少了點什麼，也許是一種直搗人心的情感衝擊，也許是像《永恆族》（Eternals）那樣對人性與宇宙秩序的深層提問。後者雖被嫌慢節奏、角色過多，但它至少提出“神若旁觀人間災難，還能稱為神嗎？”此等哲思問題，在商業大片的包裝下，一整個提升了文藝及文學氣息。

也許，“新復仇者聯盟”的確立，跟新·美國隊長山姆那方鬧雙胞，它們的發展走向，才最令人期待。

會計師2

為了捍衛本身信念，不惜以命相搏的硬漢英雄電影，是動作爽片的其中一種風格。《即刻救援》（Taken）裡的地表最強老爸、為了一條狗，再weak再累亦不惜殺遍黑幫緝兇的John Wick、單槍匹馬替平民百姓懲奸除惡的麥考爾、只想多陪伴家人的小男人無名氏……他們話不多（最啰嗦的當屬最強老爸了，畢竟人老了），但身懷絕技，憑一拳一腳替現實中無力的我們出怨氣。其中，還有一位患有自閉症的會計師沃夫。

首集至今相隔整整九年，《會計師2》（The Accountant 2）終於面世（電影公司竟願意等足九年，在當今快餐式製片時代還有此耐性，絕對是異數），原班人馬再聚，導演蓋文·歐唐納、主演班·艾佛列克、強·柏恩瑟悉數回歸。故事接續上集，講述沃夫與弟弟布萊斯頓失聯多年後再次重聚，協助財政部幹員瑪莉貝絲徹查一宗命案，以及背後錯綜複雜的陰謀。

不同於多數動作片那種開場即刀光劍影的節奏，《會計師2》敘事模式更像潛水——不急不緩地潛入角色內心世界，感受他們，經歷他們的遭遇，眼觀他們所見，因此，角色的情緒、掙扎及選擇，顯得格外真實。主戲不只是調查謀殺案中案，還有兄弟間的相處或個人面對的問題，像沃夫尷尬的相親場面，或布萊斯頓為了提前領取狗狗而在電話中模擬打嘴仗等，這些看似瑣碎的小事，都讓角色更有血肉，添了幾分幽默。

查案過程，確實較少追逐打鬥的篇幅，但多了點《怒火邊界》（Sicario）的韻味——抽絲剝繭，靠一點一滴的蛛絲馬跡逼近真相。觀眾情緒隨著角色步伐層層醞釀，直至最後真相大白，迎來一場精心設計的終局戰鬥。兩兄弟闖入敵軍大本營以寡敵眾，不只殺敵，還得救出數十名無辜孩童。觀眾在前段壓抑累積的情緒，得以在一氣呵成流暢的鏡頭剪輯下，釋放宣洩出來。

至於女主角瑪莉貝絲，身為政府幹員的她，受著法律的掣肘，很多時候明明知道正義該怎麼做，卻做不了。跟體制外的沃夫兄弟相比，她力不從心，最後選擇退出合作，不是因為膽怯，而是過不了自己的道德底線。我聯想到《黑暗騎士：黎明昇起》（The Dark Knight Rises）裡的羅賓，他離開警隊，因為悟透某些正義唯有在體制外才能達成。

這部電影的優點，不在於動作場面有多酷炫、節奏有多明快，而是提供了角色足夠的空間去成長，也讓觀眾有時間陪伴他們，了解他們在想些什麼，以及為何而戰。尤其當沃夫那雙有戲的眼睛，在默默觀察一切，若有所思的一刻，我也不自禁地跟著思考，什麼才是正確，什麼才是必要。

《會計師2》不比前作刺激，但多了幾分溫馨、幽默。我們喜歡這類電影，不單只是追求動作好看，而是因為它替我們完成那些日常裡無法完成的對抗。何謂英雄？英雄不只是能打，還是個願意在混亂中堅守原則、不隨波逐流的靈魂。他給人灌注一股能量，讓人繼續追隨發自內心的聲音，義無反顧，勇往直前。

霍爾的移動城堡

二〇〇四年的《霍爾的移動城堡》，在二十年後的今日重返大銀幕。對當年看過的孩童觀眾而言，如今也已度過青春，或許在工作及愛情上經歷過挫折，重看時領悟更深。對新一代觀眾來說，他們能走進一場細膩且奇幻的手繪魔境，認識一部歷久彌新、溫柔動人的動畫長片。

《霍爾的移動城堡》講述平凡的少女蘇菲被荒野女巫下了詛咒，成了老婦人。她驚慌失措，選擇避走人群，前往荒山野嶺，後來遇見巫師霍爾及傳說中呼嘯移動的神奇城堡，開啟了一場關乎魔法及追尋自我的奇幻冒險。

宮崎駿的大多數作品，都在精彩冒險故事的表象下，潛藏著關於人生艱難抉擇的寓意／喻意。廿年來，每次重看《霍爾的移動城堡》，都感覺得憑著自身閱歷去揣度、猜想、參透、領悟，會重新認識自己。就像一面鏡子，照見心底某處角落，那深埋隱藏許久的——初心。

我對戲裡蘇菲忽老忽少的年齡似懂非懂，霧裡雲裡，這次重看，一樣如此，但又似乎參透了一些些其他東西。她變老，是對自己的否定，還有壓抑；而年輕起來時，則是在夢中，或在她情動時刻，是她願意相信自己值得被愛、被認同的時候。她本身沒意識到，她的外貌，其實一直都是她內心的投影。

臨近片末的一場戲我特別感觸，那是蘇菲在夢裡瞧見少年霍爾跟火惡魔卡西法訂下契約之時。這夢境，是回憶，也是揭示蘇菲註定會邂逅霍爾，註定走入霍爾的靈魂及生命。她從一個再平凡不過的普通人，成為能夠理解霍爾痛苦的人，成了一個有被需要的人。

除此之外，戲中的一顆顆飛彈、一處處因戰爭蹂躪的村莊，讓觀眾自然而然理解到和平的珍貴，在帶有反戰訊息的畫面裡頭，宮崎駿讓觀眾一窺戲裡角色，是如何在戰火中尋找一個能夠安身的家。而這個家，並非得是彼此擁有血緣關係的組合，而是一群願意接納彼此、磨合性格、一起生活下去的人。霍爾、蘇菲、卡西法、馬魯克，還有荒野女巫小狗因因等，都是性格迥異的獨立個體，彼此摩擦或關係對立，後來皆成了夥伴，形成一個溫暖動人的家。

跟宮崎駿其他作品一樣，《霍爾的移動城堡》不需一次即看懂，而是可以陪著觀眾成長，隨著人生閱歷的增加，慢慢拼湊出那些過去沒留意到的細節。它如一封描寫成長的信，等哪天準備好，再次重溫時，則再次參悟出更多訊息。就像蘇菲從原本的不相信自己，到願意相信自己有價值一樣，成長亦從來無需大聲說出什麼，就只是靜靜接受當下的自己。

總括而言，《霍爾的移動城堡》在絢麗的色彩之下，是低調地表述一個人學會如何愛與被愛。它跟《千與千尋》《幽靈公主》和《蒼鷺與少年》，是我心中Top 4的吉卜力工作室作品。

狠狠愛

好萊塢近幾年開始關注那些在幕後賣命翻滾的特技演員，我想，能夠激起大家對這群特技演員的關注，87North製片公司功不可沒。這家由大衛·雷奇和查德·史塔赫斯基兩位特技演員出身的從業員創辦的公司，拍電影之餘，也栽培特技新秀。他們的作品自然是以動作設計見長，故事則時而鬆散，時而精妙，代表作有《無名弒》（Nobody）、《子彈列車》（Bullet Train）、《特技玩家》（The Fall Guy），都是拳拳到肉，打得過癮，看得觀眾心花怒放。新作《狠狠爱》（Love Hurts），依舊是拳腳及火藥味齊飛，故事方面則普普而已。

《狠狠爱》劇情簡單得像一杯即溶咖啡，講述關繼威飾演的房仲馬文，事業有成，人生得意，卻在情人節這天，一群殺手殺上門來，兄長、舊識，個個輪流冒出，挖出他以往的身份及回憶，他不得不施展封塵多年的俐落身手迎擊。故事情節沒有錯綜複雜曲折離奇拐彎抹角，主打就是一個“爽”字。

《狠狠爱》的動作設計不輸過去幾部作品，每一拳每一腿一氣呵成，呈現出來的效果，都帶著真材實料的力道狠勁。觀眾無需動腦，只需跟著電影明快的節奏，邊看邊讚好。

主角關繼威一直以來都給我一種奇妙的親切感，那像鄰家哥哥般溫和的氣質，放在馬文這角色上，格外有味道。他早年在《無限復活》裡的演出，那含蓄又帶點悲涼的小人物氣息，至今難忘。在影集《洛基》（Loki），他也是演個不起眼的小職員。這次在《狠狠爱》，看著這樣一個老實人畜無害的房仲突然開打，一邊捱揍一邊還擊，有種成龍式的功夫底蘊，亦算是演技的一大突破。某些鏡頭裡，從他眼底閃過的狠勁，讓人瞬間明白——溫文儒雅的人，一旦被逼急，也會痛下殺手。

至於吳彥祖，算是久違的演出，可惜戲份極少。雖然帥氣不減，但打鬥太少，大多時候就是故作深沉地吸奶茶。倒是片中其他殺手，各具特色，從死亡詩人到雙簧兄弟，像極《子彈列車》裡那群特立獨行的奇葩殺手，每個人嘴裡嚷著殺人完成任務，實則也一樣逃不出愛情枷鎖的重情之人。

片名喚做《狠狠爱》，其實愛情只是表象，僅是包裝，更像是在講每一個被過去背叛、被情感打碎的靈魂。打打殺殺背後潛藏著的，是一點點不甘的溫柔。這幾個江湖人，殺起來不留情，愛起來也無退路——當然，這些都是我自行腦補的猜想揣測，說錯勿懟。

總括而言，《狠狠爱》是那種不必帶腦進場，即能看得開心的爽片——前提是你真的對故事情節沒太要求。別奢求它講大道理，只需在爆裂火光中，狠狠過癮一次就好，就像情人節的煙火、花束、激情，短暫，卻值得。

MINECRAFT麥塊電影

電玩改編電影是目前其中一類商業片正夯的模式。從《惡靈古堡》（Resident Evil）、《古墓騎兵》（Tomb Raider），到近年的《真人快打》（Mortal Kombat）、《魔獸爭霸》（Warcraft），有的動作刺激，有的充滿奇想，還有《沉默之丘》（Silent Hill）、《佛萊迪餐館之午夜驚魂》（Five Nights at Freddy’s）這類驚慄恐怖，可謂精彩紛呈。雖然並非都是傑作或票房保證，但終究是一個電影劇本創意的來源。

這類型還有一條“閤家歡”走向，如《音速小子》（Sonic the Hedgehog）系列、《超級瑪利歐兄弟電影版》（The Super Mario Bros. Movie），大人小孩都能看個開心。你說劇情設定會很深刻麼？老實說，真的沒有。但票房好，評價也高。《MINECRAFT麥塊電影》（A Minecraft Movie），也走這路線。

我不是Minecraft玩家，沒建過房子、挖過方塊，不懂電影裡是否有刻意為玩家準備的彩蛋或暗號，劇情也簡單到從一至十依序交待給觀眾，沒有燒腦，不必思考，毫無懸念，笑點尷尬，演員演得太用力，我無法投入。只是，網絡上評價卻不差。或許是玩家情懷加持，抑或是小朋友看得開心。

講真，我完全進不去那個世界，但轉個念，也想開了，電影不是拍來給所有人喜歡的。這部片的目的明確：讓家長帶著孩子進戲院共度兩個小時的家庭時光。就像麥記快樂套餐，重點不在好不好吃，而是能換到什麼玩具。

於是觀眾一開場就見到傑克·布萊克飾演的史蒂夫，用台詞講出他對挖礦有一種難以言喻的渴望，長大後為了夢想選擇放棄現實、踏進奇異世界，並自願困在那裡。這樣的開場對某些人來說可能有點糟糕，但對孩童觀眾而言，恰恰好懂。

有此一說：以對白交待一切，是電影創作最低端的推進故事手法。但看至最後，幕前幕後工作人員字幕緩緩升起時，開始思考這部電影是好是壞時，想到這部電影存在的終極意義之後，我悟出一個道理——有些時候，一部電影真的不必刻意拐彎抹角讓人猜想戲裡的隱喻或訊息，也可以直接hit to the point，製造笑梗引觀眾發笑之際，直接道出或呈現重點訊息。觀眾也許一時未能會意，但該訊息經已潛移默化地種在觀眾腦海或心中，假以時日，時機到了，就會發芽。

我不評論這部片好不好看，因為根本不重要。真正讓我感觸的，是傑克·布萊克。

記得二〇〇三年的《搖滾教室》（School of Rock），他當時卅四歲，看起來像廿幾歲，臉龐身體圓鼓鼓，眼睛閃閃發光，渾身散發著搖滾魂，熱血澎湃，歌喉也讚。那是我第一次認識他，笑著看他用音樂教育頑皮學生，心想這為人師表真有趣。二十年過去，如今他五十六歲，額上皺紋藏不住，動作卻依舊浮誇，歌還是唱得投入，不知怎的，我有些感慨。

看一部電影，不只是看故事，也是在看一個演員如何跟我們一同老去。孩子們看的是冒險與歡笑，我看到的，卻是時間的流動。

所以，《MINECRAFT麥塊電影》於我而言，絕對不是值得再刷的片子，卻是一次值得記住的觀影體驗。它提醒我：我們都是曾經的孩子，只是現在長成帶孩子看電影的大人——我不是說我，是說其他跟我同齡的朋友。

贖夢

張家輝，伴我度過青春煩惱成長歲月的友伴。他那一副看起來廢裡帶衰、衰中有賤的模樣，從化骨龍、《黑馬王子》葡撻（葡完就撻）、《決戰紫禁之巔》中別名“龍龍九”的陸小鳳，到後來在香港黑幫電影教父杜琪峰多部作品裡的正經角色，在嬉皮笑臉耍白癡和正經嚴肅露狠勁之間切換自如，是我心中的百變影帝。

他演而優則導，開始自導自演時，我亦樂見其成。二〇一四年《盂蘭神功》，我進戲院支持，結果出來滿肚子問號；《陀地驅魔人》延續驚悚風格，文藝味更濃；動作警匪片《低壓槽》，更覺得他力有未逮。我以為經歷過三部票房口碑皆不盡如人意的作品後，他該有自知之明，導演不適合他，結果第四部作品《贖夢》又來。

張家輝這此依然自導自演，飾演患有失眠症的德士司機沈卓仁，聲稱一睡覺就夢見被人追殺，長期失眠，神經兮兮。他的對手是劉俊謙飾演的臨床心理醫生文思豪，二人一來一往，夢境、現實、人性、創傷、秘密，導演通通都想講，但全部混在一起，亂了套，講不清。

我明白“橋唔怕舊，最緊要受”之道理，《贖夢》的問題不在題材老套，失眠、心理創傷、夢境追殺等題材，過去拍過很多。真正致命的，是張導似乎執著於自己那種裝神弄鬼、故弄玄虛的文藝恐怖片風格。節奏慢，剪接生硬，CG特效莫名其妙，不時來點宗教符號與慢動作特寫，懶有型、懶神秘，實則悶得令人呵欠連連。

觀眾入場，是想解夢，不是被導演困在夢裡無出口。文醫生的故事線說他童年有陰影，影響他成長；沈卓仁則是失眠，老婆精神失常，屋裡貼滿符咒，家裡像道壇。兩條線平行無交錯，結局像在解釋角色的因，但觀眾早心知肚明，完全不覺恍然大悟，只會想說：“拍咁耐，就講呢啲？”恐怖片不恐怖，驚悚片不緊湊，心理片不深刻，夢境拍得不夠詭異，現實拍得不夠紮實，兩頭不到岸，教人如何投入？

二〇〇四年獨立電影《黑暗時刻》（The Machinist）也同樣講失眠。那電影沒很驚悚，但從頭到尾不斷吊觀眾癮，牽引人想探索主角到底遭遇了什麼，才會瘦成皮包骨……這也是面筋人克里斯汀·貝爾的代表作。《贖夢》跟其相比，高下立判。

總的來說，看《贖夢》是浪費時間。我不曾質疑張家輝身為演員的演技，但在導演的身份上，他真的離合格還有非常遙遠的距離。不說別的，過去三部執導作品，劇情我都忘光光，唯一有印象的一幕，是《盂蘭神功》裡主角在戲院看戲時，發現前排座位有個阿飄不看戲，反而盯著他瞧。這第四部作品再次證明，張家輝還未找到作為導演的語言及定位。或乾脆一些，放棄導演身份罷了。

律師不該拿槍？——《黑函情報戰》觀後

問一個問題：律師能不能拿槍？這問題聽起來是不是有點蠢？若把它放在一部諜戰劇裡，你又是否認為，這是基本配備？我不熟悉律法，但以我有限的common sense，律師是不會配置槍的。

九年前報讀商業電影編劇課，課堂上老師出題，要同學分組用警察、律師和另一個制服職業（第三個職業我忘了是啥）為主角，寫一個有頭有尾的劇本。抽中律師的組別，創作了一篇律師的冒險故事。課堂呈現後，老師對這小組點評的其中一句話，我印象深刻：“律師不該拿槍。”

多年過去，我早把那堂課內容拋諸腦後，直到隨手點開Netflix影集《黑函情報戰》（The Recruit），瞬間被吸引進去，難以自拔！這名叫歐文的菜鳥律師，卷入中情局及其他各國情報單位的勾心鬥角，成為生死未卜的棋子，被迫拿槍自保。

 

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歐文是初入中情局的菜鳥律師，還沒摸熟工作環境，即收到一封灰色信函——一名被關在囹圄中的線人要求談判，免除罪刑，否則曝出威脅整個機構的大秘密。歐文本該是坐在辦公室裡審查合約、分析法律條文的文職人員，也許急於立下功績，也許是責任心使然，要求上級允許讓自己跟進此案，結果輾轉之下卻去到戰場，面對槍林彈雨、酷刑拷問，還陷入一場錯綜複雜的國際政治紛爭的暴風圈。

影集第一集起，就像一場高速列車的瘋狂旅程。歐文每化解一個危機，轉眼即掉入另一個更深的泥淖。他的生活徹底攪亂，連帶身邊人也受池魚之殃——同事對他避之唯恐不及，上司對他既愛且恨——愛他的辦事能力；恨他總帶麻煩——有者甚至動了殺機，想永久把他除掉。這部劇迷人之處，在於它不單只是諜報動作，還描繪了寫實的人性修羅場。

這鱷魚潭裡，沒有明確的盟友或敵人，一切利益為先，大局為重，今天的敵人可能是明日的友伴，今天的朋友也隨時推你入火坑，藉你擋子彈。撤掉手槍及爆破，換成文書、業績、會議室裡的明爭暗鬥，不就是現實生活中的職場縮影麽？

 

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歐文不是典型的諜戰片英雄。他並非那種超級菁英特工，不是什麽戰略大師、神槍手、情報高手，他只是個年輕的律師，滿腦子法規、訴訟和協議。他加入中情局，心想這只不過是穩定的政府工作，沒想到迎接他的，會是充滿暗殺、黑幕和背叛的“花花”世界。

更糟的是，他還自帶倒霉體質，災星附身，像被不幸纏上的磁石（令我想起伊坂幸太郎筆下的殺手，綽號“瓢蟲”的七尾；有改編成電影《子彈列車·Bullet Train》）。正是這種設定，這角色分外有趣。我們見慣無所不能、身手俐落、意志堅強、倜儻風流、警惡懲奸的超級特務；歐文則是另一種面貌，他不完美，他會出錯，會因自己的無知搞得焦頭爛額。他沒有經典英雄那樣自帶光環，只像個普通人，這是《黑函情報戰》最吸引我的——它讓觀眾看到一個平凡人，在逆境中掙扎、絕境求存的過程。

 

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歐文之所以能在這龍潭虎穴生存（雖然狼狽異常），關鍵是他的急智、辯才、隨機應變的能力，讓他一次次死裡逃生。如果你看過HBO影集《企鵝人》（The Penguin），可以發現主角奧茲也有類似的特質——同樣聰明機敏、同樣能言善辯、同樣命大。不同的是，奧茲是徹頭徹尾的惡貫滿盈，而歐文有道德底線，有良心。

在充滿背叛的世界，歐文的“善”幾乎成為他的負累。他畢竟只是個律師，不是冷酷無情的殺手，沒法跟那些特工一樣，把情感拋在一邊，取人性命絕不手軟。正是這點，讓他成為觀眾最能共情的角色——他代表的是我們每一個普通人，為生計被迫進入殘酷世界，卻仍想保有自我的那份掙扎。

 

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看完這部劇（目前第一季八集、第二季六集，故事告一段落，但未宣布劇終），回想九年前編劇課上老師提出的：“律師不該拿槍。”

現實中，律師的戰場是在法庭；《黑函情報戰》裡，歐文有被迫拿槍之時，但皆非出於自願主動，而是為了自衛，他必須拿。亦有幾幕他在扭打纏鬥中“誤殺”敵人，兇器也不一定是槍，每次殺人後，他都像日後會患上PTSD，那殺人畫面永久存留在腦海，揮之不去的樣子。我只能說，他敬業樂業，身處於吃人的世界，他學著用自己的方式，極盡所能地活下去。

所以，律師到底該不該拿槍？

米奇17號

對韓國導演奉俊昊印象深刻，是從那部在戲院裡讓我如坐針氈的《末日列車》（Snowpiercer）開始——那是二〇一四年，衝著美隊克里斯·伊凡入場，結果上了一堂關於低階層苦受壓迫，為此而反抗的末日寓言震撼教育。後來Netflix製作的《玉子》（Okja），再到拿獎拿到手軟的《寄生上流》，奉俊昊都沒把視角從社會底層移開，化做一把直指人類社會心臟地帶的批判利刃。

新作《米奇17號》（Mickey 17）延續了《末日列車》往後的奉氏風格（我對他二〇一〇年以前的韓國作品沒啥印象），卻多了點光鮮及調皮。故事背景設在二〇五四年，主角米奇簽下一份殖民星球的勞工契約，成為一個可以不斷被複製、犧牲再利用的“消耗工”。死了沒關係，只要留存記憶，復活後重灌啟動，即可繼續幹活。

如此這般設定，立馬聯想到《明日邊界》（Edge of Tomorrow），主角同樣是不斷死亡、學習、再出發的輪迴，只不過那邊是為了戰勝外星人，這邊則純粹是服從上級命令、維持社會階層的秩序。米奇依然有自我、有感情、有執念，看他每一次死去，死法又千奇百怪，當死得太滑稽荒謬時，會讓我忍俊不禁，嗤笑出聲。笑完以後，愧疚感油然而生：我一樣是把自身歡樂建築在他人的痛苦上、道德淪喪之人！愧疚歸愧疚，我還是很開心。

最大感驚喜的，是羅伯·派汀森一人分飾兩角的精湛演技。無論是17號的懷疑、自嘲、微微神經質，抑或18號的焦躁易怒、不近人情，他們似一面鏡子互映，亦如兩個陌生人彼此試探。派汀森沒靠造型改變，只憑著眼神、語速、肢體動作，加上電腦特效的協助，把同一個靈魂分裂出的兩種性格演得絲絲入扣，看得我眉飛色舞。

此外，就是奉俊昊的批判及嘲諷本色了：質疑權威、探討社會現狀。戲裡，擁有至高權力的領導人，腦袋卻空空如也，毫無半分智慧；像米奇這般低階層勞工，縱使能無限復活，也只能用身體去換取生存的資格。具備超能力，生命卻更加卑賤，諷刺意味十足。

更感觸的，是戲裡人類對原住民外星物種的態度——拒絕溝通、不試著理解，一心只有征服與消滅，這就是人類最原始的嗜血天性。一旦遇上“他者”，第一反應從來不是談判，而是開槍。奉俊昊的鏡頭直指人類的殘暴及無知，跟17號自然散發的善意相比，後者雖顯得渺小，卻等同如一抹耀眼璀璨的人性曙光。奉俊昊在深沉議題底下潛藏著的黑色幽默，讓人莞爾一笑之餘，又細思極恐，實在過癮。

總括而言，《米奇17號》是一部寓教於樂，讓人在戲後靜心思考的佳作，也是一部值得在戲院視聽覺設備中體驗，細細品味的作品。二〇二五年至今這三個月，它是我最推薦的其中一部電影。

哪吒之魔童鬧海

二〇一九年的《哪吒之魔童降世》，我沒在戲院看（馬來西亞有沒上映也沒印象了），但坊間盛讚聲不絕於耳，金句“我命由我不由天”更是傳到亂。後有機會在家中客廳觀賞，只覺還好而已，也許這動畫電影對中國觀眾來說特別有感，才會票房口碑雙豐收。

六年後的今天，續作《哪吒之魔童鬧海》面世，在中國春節檔殺得天翻地覆，票房盈收盆滿缽滿。馬來西亞則要等到三月份，才姍姍來遲上映，映前更引起小騷動——片商硬性規定，戲院不得做任何優惠，樂齡兒童票通通取消，我只將它看做是為電影造勢的商業操作。

撇開這些“預熱戲碼”，看了正片，驚覺這續集比前作提升何止一個檔次。故事、動畫細節、戰鬥場景的分鏡與節奏，全部升級，簡直值回票價！故事情節緊接前作結尾，哪吒和敖丙雖保住了靈魂，但即將魂飛魄散，太乙真人於是用七色寶蓮為二人重塑肉身，卻波折重重。仙妖對立、龍族內亂、滅族等危機紛紛出現，他倆多舛的命運再度翻江倒海。

《魔童鬧海》的主角，與其說是哪吒一人，不如說“哪吒+敖丙”雙主角設定更為恰當。哪吒的背景與性格在第一集已經完成了鋪陳，這一集，因敖丙上身的設定，觀眾看到更多的，其實是敖丙的成長線，哪吒反倒像是時不時醒來負責插科打諢惹笑彈（這樣說主角，有些不堪……）。如此劇本安排十分冒險，需知一個不慎，哪吒可能會變成邊緣人，但導演處理得當，角色塑造依舊穩健，觀眾依然買賬。

故事層面，仙魔對立、無量仙翁的偽善、龍族內鬥、申公豹的親情戲等等，都令電影張力層層疊高，觀眾情緒隨著劇情推進，一點點地拉滿，直至正邪決戰的爆發，才一口氣釋放，酣暢淋漓。電影最終，無量仙翁沒有真的被打趴，元始天尊亦從未現身，他對無量仙翁所作所為知情與否，抑或默許？這些都是為第三集而設的伏筆。

至於戰鬥場面，那場天空大亂鬥，視覺效果足可媲美好萊塢《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers: Endgame）。老實說，自二〇一九年《終局之戰》後，還沒遇過哪部電影的群戰戲能讓我熱血沸騰，直到《魔童鬧海》。無論是一對一的對決，還是鏡頭拉遠的群戰，在配樂及聲效的襯托下，全發揮到極致，看得人眉飛色舞，大呼過癮。

這部二個半小時的電影，從頭到尾無冷場，是我今年第一季最佳動畫作品。只希望第三集別讓人等上五六年，甚至像無量仙翁在戲裡那樣，苦等十年才能出關，那就太諷刺了。

回頭看這幾年《封神演義》的改編潮，魔童《哪吒》系列與烏爾善的《封神》系列可說是雙雄爭輝。《封神第一部：朝歌風雲》精采萬分，到第二部《戰火西岐》卻開始失穩；《哪吒》則在第一集普普通通的基礎上，端出了可作為中國動畫電影的標杆續作，導演餃子不僅為中國動畫立下巔峰，也為自己設下難以超越的高牆。第三集別說要超越，光是維持這個水準，已是極大挑戰。

魔域女巫

我看片向來葷素不忌，凡是想看的，管他坊間口碑票房是高或低，只要緣分到來，都不錯過，孰優孰劣，自己看了評定。像這部《魔域女巫》（In the Lost Lands），未見任何評論，純粹衝著蜜拉·喬娃維奇入場。

故事改編自《冰與火之歌：權力遊戲》（Game of Thrones）原著作者喬治·馬丁的短篇小說，講述一位希望獲得變換身形能力的皇后，雇了女巫格雷·阿里斯（蜜拉·喬娃維奇飾）替她捕抓擁有變身能力的狼人，奪取其能力。阿里斯隨後找上嚮導流浪漢博伊斯（戴夫·巴蒂斯塔飾），二人橫跨失落之地這片大陸前往目的地，他們必須克服眼前的重重障礙，也得抵擋從後追捕他們的教會勢力。

老實說，單從海報設計來看（我連預告都沒看），已做好此為低成本製作的心理準備，加上導演保羅·WS·安德森跟發妻蜜拉·喬娃維奇過去導／演搭檔的電影作品，都充斥著濃厚B級片味道，《惡靈古堡》（Resident Evil）系列、《魔物獵人》（Monster Hunter）皆為如此，好不好看，端看觀眾。在我眼中，它們絕對不屬於殿堂級作品，沒有激發觀眾反思的社會議題或內涵元素，但作為閒暇時光的娛樂選片，則非常合適。

這部《魔域女巫》，不曉得是導演化腐朽為神奇的功力不再，抑或我心境變老，不再像以往那般寬容以待，只覺這近二小時的觀影時光，是在浪費生命。既為奇幻冒險動作片，我不對其中邏輯過於苛求，但兩位主角歷經重重險阻、層層障礙之時，他倆的坐騎卻像是可以隨時收起藏在行囊，需要時再投出來變大，這設定我實在接受不來。

他們每次克服的難關，周遭環境可不是馬匹能通過的，像斷掉的火車軌道、唯獨纜車能抵達的另一頭……面對來勢洶洶的敵人，胯下坐騎不見蹤影，我以為他們為了方便迎擊敵人而選擇放生，或先藏在一邊避風頭，之後再回來牽走，接下來的鏡頭只呈現他們身手俐落地迎敵，在千鈞一髮之際闖關，炸掉唯一的通道或闖關交通工具，甩脫追兵。我還在想，好吧，他們是放棄了坐騎，但下一幕，坐騎又神奇地出現，他們施施然地繼續前行。

這設定……也太魔幻了吧。一次可以是大意，若三番四次如此操作，我覺得編導是刻意貶低觀眾智商，大言不慚地表態：我就是這樣，你們要嘛接受，要嘛走人！

至於其他部分，我難看到優點，動作設計及場景很B級甚至C級；演員也許非常敬業，但因整體色調及電影基調，亦顯得非常做作不自然，每個人做一件事背後的動機，都像敷衍了事，為了能夠早點收工，也不管合不合理——就一整個很爛很廉價。

我沒看過原著，也非《權力遊戲》擁躉，但我嘗過超喜歡的奇幻原著被改得超級爛的難受滋味——史蒂芬·金《黑塔》（The Dark Tower）——這部《魔域女巫》改到如此，我都替原著作者及讀者心疼了。

猴子

改編自史蒂芬·金短篇小說的《猴子》（The Monkey），非大製作，也沒A咖陣容，卻意外地拍出水準，甚至可以說超越了許多高成本恐怖片。這部電影的驚悚氛圍相當紮實，死亡場面驚心動人（魄），但它真正讓人意猶未盡的，還是那股潛伏在兄弟情與人性掙扎中的黑暗及執念。

故事圍繞在雙胞胎兄弟哈爾和比爾身上。比爾自幼喜歡欺凌弟弟哈爾，哈爾也總是逆來順受，直至某天，父親留下的詭異玩具猴子成了他反抗的出口。他對著猴子許願，希望比爾消失，沒想到詛咒卻降臨到母親身上，從此，兩兄弟的關係再也無法挽回。二十五年後，哈爾已成家，卻因害怕詛咒波及至親，選擇離婚，並跟孩子疏遠，僅一年見一次面。某次父子相聚時，久未聯繫的比爾來電，要哈爾回老家取回那隻猴子。殊不知比爾其實早已找到它，這次是要讓哈爾親眼見證詛咒發威，替母親復仇……

這類“死亡跟隨主角而來”的劇情，會不經意地掉入《絕命終結站》（Final Destination）般的設計，純粹比拚創意死法，但《猴子》勝在掌握了節奏與氣氛。二手商暴斃的序幕，直接替玩具猴子詛咒的威力做了鋪陳，後續死亡場面接連不斷，每次都險些波及哈爾，落在他身邊的人身上，形成某種惡意的宿命玩笑。其中印象最深的，莫過於泳池觸電那一幕，比基尼女孩極盡誘惑、搔首弄姿地跳水，下一秒血肉橫飛，完美的肉體瞬間支離破碎，荒謬得令我忍俊不住笑出聲。這類帶點黑色幽默的處理，加深了恐怖程度。

比起驚悚元素，電影核心仍是兄弟情的糾葛。哈爾背負著愧疚長大，試圖逃離過去，但詛咒像是一隻無形的手，無論逃到哪裡，都將他拖回原點。比爾則活在恨意裡，認定哈爾害死母親，人生唯一目標就是讓弟弟承受相同的痛苦。哈爾一次次死裡逃生，彷彿是命運對他的憐憫，比爾卻沒那麼幸運，無法走出自己的心魔，最終的下場，既諷刺，又帶著一絲淒涼，還有一種惡有惡報的快意。

至於玩具猴子的來源，為何有如此魔力，電影沒名說。以我淺見，它是一個人性黑暗面的象征，因私心使然，希望不幸降臨於他人身上，結果無法人為掌控，其他人（尤其是最親的人）遭受自己發自內心的噩運時，會有何感受？是會覺得純粹巧合，再試一次，還是就此住手，放下執念，做好自己本分？

有些人選擇跟過去和解，走向光明；有些人則被執念吞噬，最終淪為怪物。人生要過得如何，選擇在於自己。

總括而言，《猴子》不只是一般的恐怖爽片，它還講述了人性的試煉，血腥尺度不輸B級片，故事也有深層的情感及寓意，值得推薦。若對小說感興趣者，也可以找來讀讀，看看金大師筆下的原著，又是如何編織這場關於詛咒與人心的遊戲。

極盜戰

之前錯過《極盜戰》（Den of Thieves），直到最近留意到院線上映續作《鑽石大劫案：極盜戰》（Den of Thieves 2: Pantera），心想或許首集真的不錯，電影公司才願意開發續集，才在機緣下觀賞了二〇一八年的這部動作片。

故事講述一群前海軍陸戰隊員組成的悍匪，鎖定了防守嚴密的美聯儲，計畫幹一票驚天大案，洛杉磯警長部重案組硬漢尼克早就盯上這夥人，等著在他們動手前將其逮捕……

編導為序幕安排了一場驚心動魄的槍戰戲。那幾把重機槍掃射發出的“砰砰砰”聲效，以及鏡頭前治安官中槍時的暴力呈現，可謂先聲奪人，使人更好奇、關心接下去的故事發展。

但萬萬沒想到的是，接下來近一小時的篇幅，幾乎是交待、剖析正邪雙方角色背景的文戲——傑瑞德·巴特勒飾演的主角尼克，工作上是個嫉惡如仇、破案率高超、手段狠辣的硬漢，但另一個身份，卻是個失敗的丈夫及父親，妻女對他充滿疏離感。他可以跟同事花天酒地，在酒肉池林中洩慾，隔天整個人還帶著宿醉的不適上班，但一進入工作模式，他便徹底換了個人似的，可以專注於眼前的案子，思緒清晰地鎖定嫌犯動機及目標。

至於那群劫匪，雖然幹的是非法勾當，但他們重視彼此，如同兄弟，家人間關係融洽，這種對照形成強烈反差，讓人不禁思考，到底誰才是所謂的“好人”。

當不斷被灌輸這幾個要角的背景設定，耐心漸被消磨之際，高潮戲終於到來——當劫匪正式行動，整個節奏也隨之緊繃起來，警方悍匪鬥智鬥勇，誰都想預判對方的預判，殺出生路。雙方在街頭正面交鋒時，子彈滿天飛，場面火爆，心跳也跟著槍聲越加快速，當時我內心最大的糾結，就是不知該支持哪一邊。

尼克扭曲的家庭觀及人格，讓人難以絕對認同；劫匪這方，雖是罪犯，但又展露較有人性溫暖的一面，讓人不免希望他們能有成功脫逃的機會。這種道德灰色地帶的描述，也是電影高明之處，它把槍戰提升到一種令觀眾有著情感上的拉扯，而不只是純粹的動作場景。

至於這壓軸槍戰以後的劇情反轉，我個人覺得是畫蛇添足了。在此不劇透結局若何，看官請自行觀賞。

整體來說，《極盜戰》還算是蠻有誠意的警匪片，動作場面夠狠夠暴力，角色塑造夠細膩深入，故事敘述有層次，雖然這些鋪陳導致整體節奏有些拖沓，但看完後還是會感到意猶未盡，這點或許才是它贏得開發續作機會的最大因素。

美國隊長：無畏新世界

二〇一九年將漫威影業推至神壇的《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers: Endgame）面世，隨後至今，漫威的重心似乎一直努力再造堪比這巔峰水準的作品，可惜事與願違，大多作品連當年黃金時代一半的風采都未達標，有些甚至品質低劣，不知所謂。觀眾審美疲勞、超英故事模式套路罐頭化，種種問題都必須面對，無法迴避，但漫威也無回頭路，只能繼續嘗試以新角色、新故事重燃熱潮。《美國隊長：無畏新世界》（Captain America: Brave New World）就是其一。

過去的美隊系列令人著迷，因為它在超英類型片的框架內，揉進間諜驚悚、政治陰謀等元素，《無畏新世界》也嘗試走回這條老路。故事聚焦於“原獵鷹”山姆·威爾森繼承美國隊長衣缽後，如何應對新的國家級危機。與MCU其他充滿多元宇宙、時間悖論的作品相比，這種較貼近現實的地面戰鬥，更合我心意——美隊和鋼鐵人內戰時，就知道我支持哪一派系了吧？

但現實是，電影的格局，比想像中小。而且小很多。

劇情走向簡單直接，山姆為調查一起牽涉美國總統的重大陰謀，四處奔走追捕幕後黑手。它沒像過去輝煌時期的漫威作品，稍微劇透就會削弱觀影體驗，畢竟故事沒太多驚喜，就是線性推進、層層揭露內幕過程。它不像《美國隊長2：酷寒戰士》（Captain America: The Winter Soldier）那樣緊扣人心，也沒有《美國隊長3：英雄內戰》（Captain America: Civil War）的情感衝擊，就只是穩穩發展，不會讓人眼前一亮。第一幕營造出來的懸疑氛圍，確實激起觀眾好奇心，跟隨著山姆深挖內幕，可看到最後，幕後黑手的動機及目的攤開來時，就有種“哈？就這樣？”雷聲大雨點小極大的落差。

此外，沒看過劇集《獵鷹與酷寒戰士》（The Falcon and the Winter Soldier）的觀眾，可能也會對山姆的內心掙扎少了共鳴。要是沒看過《無敵浩克》（The Incredible Hulk）或《永恆族》（The Eternals），亦會對一些角色的登場不明所以。但即便事前補完這幾部前作，《無畏新世界》始終缺乏一種令人咀嚼回味的價值。

當然，它也不是毫無優點，至少動作設計和戰鬥場面保持一定水準，飛行追逐、徒手格鬥一應俱全，稱不上驚艷，也並非敷衍了事。最值得讚賞的，是山姆這位新美隊的定位，不像史蒂夫·羅傑斯那般強大，沒有超人類血清加持，只是個普通人，靠意志和信念扛下這份重責大任（戲裡是美隊，戲外則是MCU試圖藉此起死回生的作品）。這“凡人也能成為英雄”的精神，確實觸動到我……少許。

只是，當一部“美國隊長”電影只是“還算流暢”，就真的非常十分可惜兼無奈了。過去幾部，都是為了鋪陳比它格局更恢宏的《復仇者聯盟》續作，《無畏新世界》與之相較，就顯得渺小異常。它不難看，只是平庸，沒驚喜，沒震撼……對美隊系列而言，是最大的遺憾。