私家偵探

香港電影發展至今，我有種“好像只剩古天樂一人在撐著”的錯覺。當年輝煌時期百花齊放，如今真正能打動我的作品，寥寥可數。所幸還有他創辦的天下一電影，雖然品質參差，但仍有盼頭。這次新作《私家偵探》選在馬來西亞取景，算是半部本土片，加上犯罪題材，我還挺期待——結果，看完只得一聲哀歎。

電影講述古天樂飾演落腳馬來西亞的私家偵探歐陽偉業，在某次普通的跟蹤任務中，意外捲入一起妙齡女子慘死的血案。本以為只是意外，沒想到接踵上門的案件，竟似有條隱形的線牽著，全串連在一起。他更成了警方眼中的嫌疑人，一邊查案，一邊得自證清白，而真兇則潛伏在暗處，伺機而動。

電影開場三十分鐘的氛圍，的確營造得不錯，觀眾得以隨著主角視角進入一個迷霧重重的世界，期待後續發展。可惜這維持不了多久，真兇身份一揭曉，節奏立刻變調，緊張氣氛雲散煙消，兇手動機荒腔走板，演員氣場不足，電影後面整個無力無韻。

我不否認編導有心經營角色背景。像歐陽這角色，從香港移居馬來西亞，選擇當偵探——戲裡提到本地偵探多半只接些尋人、捉姦、找寵物的小case——大材小用。跟太太關詠心（周秀娜飾）關係疏離，也埋下了一些伏筆。導演想藉著剪輯“欲語還休”，以此提升張力，結果只是眼高手低，只是婚姻走味、人生失焦。當然，古天樂演技一如既往的穩，穿著草根，形象收斂，沒半點星味。這種不招搖的處理，其實很貼合一名私家偵探的底色，可惜劇本先天不足，他再如何努力，也難救起整部電影。

至於故事安排過早曝光兇手，我聯想到多年前的《傷城》，當時觀眾不是去猜兇手是誰，而是一路看著兇手如何掙扎糾結，並一步步踏上不歸路，那份悲涼才真正動人。《私家偵探》或許是想複製這種敘事結構，可惜劇本實在不夠紮實，飾演真兇的選角也是一大敗筆，加上編導功力有限，每一場戲鬆垮無力。

總括而言，如果這樣的劇本也能拍成電影，那麼本地小說《噓……我要推理了》（a.k.a《九流偵探3》）更值得影視化，至少人物更有趣，故事情節也更有層次。說到底，《私家偵探》想驚悚卻溫吞，想懸疑卻沉悶，我不想承認，但它確是爛片。

捍衛任務：復仇芭蕾

影史最佳動保宣揚動作片《捍衛任務》（John Wick）系列於二〇二三年把主角約翰·維克的故事敘述至一個段落後，電影設定的江湖背景，其實還有許多待挖掘的可能及空間。主創亦深知這道理，除了幾年前靜悄悄播映的前傳影集《刺客旅館》（The Continental），如今還有這部延伸作《捍衛任務：復仇芭蕾》（From the World of John Wick: Ballerina）。

電影故事講述安娜·德哈瑪斯飾演的主角伊芙，幼年親眼目睹父親慘死，輾轉被白俄羅斯刺客組織魯斯卡·羅瑪的芭蕾舞團收留。舞團除了訓練舞者，也從中挑出合適人選授予殺人術，訓練為刺客“奇奇莫拉”，除了取人性命，也接受保護委託。伊芙在某次任務發現對手來自於殺父仇人的邪教教團，於是不管旁人阻止，循線追查，誓要為父報仇……

跟《捍衛任務》系列一樣，這江湖故事會有多薄弱，大家心知肚明，我想電影幕後工作人員也清楚知道，這齣動作片重點並不在於故事敘述有多感人深刻或合乎常理，而是在於武打動作設計，觀眾若抱著故事至上的心態去觀賞，絕對自討苦吃；而若就此批評電影，何嘗不是自己拿來衰，抵死活該？

我們看《復仇芭蕾》，就是看美艷靚麗的伊芙有多能打，以及打得多精彩。主角換了性別，戰鬥風格又跟約翰·維克有所不同，體力方面不比男性，如何在這雄性環伺、虎視眈眈的江湖中生存，都是觀眾好奇的。《復仇芭蕾》在這方面一一滿足了觀眾，除了系列招牌Gun-Fu，伊芙的近身肉搏戰，煞是好看。

我尤其喜歡在狹窄的地下武器庫被敵軍圍剿，僅靠一排手榴彈以寡敵眾的一場戲。手榴彈傷害范圍廣，一爆破，可謂是“殺敵一千自損八百”，於是伊芙戰鬥時，除了殺敵，還得找地方掩蔽自衛，才不會兩敗俱傷。這場戲的血漿噴發程度可謂全片最高，看得我血脈賁張！

當然，《復仇芭蕾》也沒就此受限於《捍衛任務》系列所知的背景版圖內，而是另外擴張了更多想像空間，像她的敵人教團，就是不受高桌會管轄的另一派系。如果說高桌會、丐幫等是現實世界中的神秘地下世界，那教團就是地下世界以下的地下世界——我心想，伊芙見到的每一個人，似乎都隸屬於某個組織或團體，那這世上到底有多少平凡人？

至於全片最大亮點——基努·李維，登場時間不多，但每一次出現，都會帶有令人“wow”的氣場，是神來之筆。他跟伊芙的對打，強弱懸殊，一方挨打，而另一方放水，奉命阻止伊芙，卻不計前嫌（說的是二人在大爛片《當辣妹來敲門·Knock Knock》結下的梁子）破壞規矩給與她方便，我想該是他能感受到伊芙當下的處境，那種目標近在眼前，全世界卻與己為敵，沒人願意助己一臂之力的急迫逼仄，維克本身最能感同身受。

總括而言，放下對“敘述好故事”的執念來觀賞《捍衛任務：復仇芭蕾》，會看得很開心很滿足。

絕命終結站 血脈

千禧年開啟的《絕命終結站》（Final Destination）系列，十年內出了五部作品，最精彩最經典的莫過於第五集結尾銜接至首集的序幕設定，做了個時間閉環。此舉無異於“自斷後路”，終止續作的發展，後人要開拍的話也唯有重啟。跟第五集相隔整整近十五年的《絕命終結站 血脈》（Final Destination: Bloodlines），縱使請回東尼·陶德再次飾演驗屍官，整體故事跟以往系列沒太大關聯，純粹起著情懷之效。

電影講述一場六〇年代的神秘災厄，打亂了艾莉絲的命運。她獨自扛下一切，離群索居，只為切斷某種注定的連鎖反應。半個世紀後，孫女史黛芬妮不斷夢到連串詭異事情，她循線索找到那位自願從家族中消失的奶奶艾莉絲，並從她口中知道了他們一家的秘密——她們一家人，本不該存在於這世上，是艾莉絲當年改變了命運，激怒了死神。如今，清算的時間到了，血脈連結的每一個人，都逃不過死神的追獵。

我非《絕命終結站》的忠實擁躉，當年只是抱著看爽片的心態去看，也不是每集都追，所以對這系列沒太大情意結，因此能較客觀地賞析。作為一部商業爽片，無可否認它的視覺畫面做得還不錯，尤其好幾幕肢體扭曲、骨頭爆裂的畫面，都在當今幾可亂真的CGI特效加持下，尤似感同身受。戲裡無論是垃圾車或醫療器材等日常生活的東西，一發生恐怖意外，看得我也有些頭皮發麻。

老實說，我還蠻欣賞編劇在敘事上的巧思。每個被無形規則牽引的角色，他們嘗試破解、反抗，但每當看似掌握一絲生機時，就來個反轉，始終逃不出死神的鐮刀。這中間幾個轉折設計得不錯，出其不意之餘，還帶有黑色幽默，讓人會心一笑。

不過，結局的強行反轉，對我是反效果。主角之前的奮鬥，最終成了一場空。觀眾陪著他們一同逃命、猜忌、抵禦，直至最後才發現一切皆是命定，不像哪吒那樣“我命由我不由天”的例外。感覺這電影也白看了……

總括而言，《絕命終結站 血脈》還是有其娛樂價值，對系列粉絲來說，可以重新喚起回憶；對新觀眾，也有幾場足以讓人心驚膽顫的戲。它會再繼續開發續作嗎？也許能，也許不能，就看死神心意如何。

從紙上硬漢到心中傳奇：我跟傑克李奇的十年交情

“李·查德筆下的傑克·李奇強悍但又有人性，是目前最酷的系列小說主角！”

——史蒂芬·金

第一次聽到“傑克·李奇”這名字，是在二〇一二年杪的一則新書預告裡。那時我不知道他是誰，也不知道“李·查德”是怎麽樣的作家，只是因為預告做得神神化化，寥寥數句的文案簡介中帶有美國西部味，再看到金爺史蒂芬·金的推薦語，心想：“欸，就買來看看吧。”

就這樣，半是好奇、半是衝著金爺，購買了台灣皇冠出版的《一無所懼》，那是傑克·李奇系列的第十二本。說來也巧，翻閱小說前，我先在戲院看了湯姆·克魯斯主演的電影《神隱任務》（Jack Reacher），那是改編自系列第九本《完美嫌犯》。那時我對阿湯哥的印象仍停留在無所不能、不斷超越自我極限的《不可能的任務》（Mission: Impossible）系列，沒想到他演起一個沉默寡言，一旦出手即招招致命的遊俠，還真有點味道。電影節奏不急不緩，越看越喜歡，像是原著里李奇偏愛的不加糖不加奶的黑咖啡，一口口啜飲，苦中帶勁。

幾週後書送到，便開始翻閱《一無所懼》，這一讀，立馬被圈粉。那不是一般通俗文學的爽文套路，而是有血有肉、有筋有骨、有魂有義的浪人探案文學。從那時起，就注定了這大塊頭神探會陪我走過未來十年、二十年，直至以後。

我開始回頭收集前面幾本，從第一部《地獄藍調》起，皇冠出多少，我便支持買下多少。有些絕版了的，還會購買英文版。目前，我家書櫥擺著二十多本李奇，有的內文嚴重泛黃，有的尚未拆封，像紀念品一樣供奉、展示著。 

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喜歡李奇，因為他那種我永遠無法實踐卻嚮往的無拘無束人生——沒有手機、沒有郵箱、沒有信用卡，不開車、不買房、不養狗，也不養貓。他從美國陸軍憲兵退役後，便浪跡天涯，僅隨身攜帶一把折疊牙刷、一張護照。他不喜出風頭，也從不主動惹事，但若碰見恃強淩弱、見不得人等不公義之事，則會毫不留情地淌渾水，出手解決。

李奇從軍十三年，是西點軍校的優等生，曾指揮第110特調組，專偵辦重大刑事案件，能講多國語言、奪過射擊冠軍，近戰技巧高超。看過蓋·瑞奇導演的電影版《福爾摩斯》（Sherlock Holmes）的人，該會記得小勞勃·道尼飾演的福爾摩斯在使出詠春拳跟敵人對打前，會像慢動作預演一樣，一幀幀分析“先打太陽穴，再折手腕，然後肘擊肋骨”——李奇也是如此。他不是那種愛耍帥的拳擊手，每一拳、每一腳，甚或頭槌，都以快狠準為唯一及最終目標。他評估對方動作、習慣、體型，決定如何制敵於瞬間，沒有廢話，絕不重複，這是“打倒即解決”的硬核哲學、實戰策略。那透過字裡行間傳達，經過個人理解並消化後想像出來的戰鬥景況，比起觀賞大銀幕呈現的動作場景，更爽快且震撼。 

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說到動作，就不得不提影視改編。它最初是湯姆·克魯斯主演的兩部電影，分別改編自第九與第十八本小說的《神隱任務》和《永不回頭》（Never Go Back）。許多書迷對阿湯哥的身形頗有微言——畢竟原著裡的李奇高達六尺五寸，體重近一百公斤，是那種走進酒吧就能憑著身形氣勢鎮壓全場的巨人，阿湯哥嘛……則比較精悍——但就電影本身而言，我覺得是合格，劇情緊湊，演員給力，該有的硬派風格也沒少。

二〇一六年以後，系列電影一度沉寂下來，直至二〇二二年，李奇才以劇集方式回歸。這一次飾演李奇的是艾倫·瑞奇森，身形完美還原原著設定，虎背熊腰，臉型輪廓也夠兇悍——你若在夜晚的小巷裡見到他迎面走來，會立刻掉頭避開——是那種“不動手就懾人”的角色，是“危險”的代名詞。

三季的劇集，都保持著高水準，尤其改編自《厄運連鎖》的第二季，從直昇機上扔人、槍戰或近身肉搏，都拍得精彩絕倫，精準、殘暴、毫不留情。每次看到李奇以寡敵眾，最後完勝收場，我都情不自禁內心大讚！那是藉著正義以暴制暴，是用拳頭替天行道，是現實中不許做，卻最是令人大呼痛快過癮的黑色童話！ 

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李奇不完美，卻有原則有義氣；他非救世主，卻嫉惡如仇。他不求報酬、不問來歷，只要瞧見有人需要幫助，只要在他力所能及的範圍內，就會出手。因這世界太多人選擇大事化小小事化了、選擇坐視不理視若無睹，李奇這種行為，絕對是俠者風範、俠義精神！

二〇一二年至今，李奇已陪伴我十多年。我曾跟隨他走過荒漠、穿越大城、在美國各地小鎮面對不同等級、擊退程度不一的敵人，也跟多位女性角色邂逅，共同探險之餘，還探索宇宙奧秘，案件解決後，繼續浪跡天涯，絕不留戀。他是我心中最渴望的生活典範（想像就好），唯有透過小說與影像，我才能短暫遁入那個屬於李奇的世界，感受他的浪跡、他的正義，享受那刻下的孤獨。

不可能的任務：最終清算

如今回想，是在哪一集開始喜歡上《不可能的任務》（Mission: Impossible）系列，直至每一部新作預告釋出時，都將之列入必到電影院觀賞片單中……我想，應該是第四集《鬼影行動》（Ghost Protocol）以後。而第五第六集《失控國度》（Rogue Nation）和《全面瓦解》（Fallout）更在我心中奠定了該系列的天花板等級。

《不可能的任務：最終清算》（Mission: Impossible – The Final Reckoning）距上集《致命清算》（Dead Reckoning）已相隔二年，原本安排隔年，也就是去年上映，唯延期至今，也沒聽說原因為何，但該來的終究會來，我自然也第一時間去探究上集被派發便當的伊爾莎到底是不是真的吃下了這難啃的便當，結果……唉！

劇情承接上集，奪得十字鑰的伊森·韓特，為了摧毀“智體”，與團隊追尋隨同俄潛艇沉沒在深海裡的模塊“馬蹄鐵”，避免它落入大國之手。他跟路德、葛莉絲、班吉等同伴周旋於反派蓋布瑞與俄軍之間，而且要在數十小時的期限內完成任務，否則智體將啟動九個國家的核武，毀滅地球，只留下少數倖存者，進入一個由智體掌控一切的未來。

說真的，因為過去幾部系列作的套路基本相似，早知道韓特肯定能化險為夷，在千鈞一髮之際拯救世界，所以觀賞《最終清算》，主要把注意力放在他和團隊完成任務的過程，留意編導的敘述手法。編導或許也知道此為這系列的風格、“窠臼”，觀眾看著系列就是要看這種，成了系列“擺不脫的魔咒”，唯有不斷嘗試新突破，包括故事走向越趨錯綜複雜，格局越恢宏，玩命動作也得設計得更驚險，才好餵養觀眾日漸擴大的胃口。因此，前半段雖說是為了鋪陳劇情，卻顯得有些沉悶，對白頗多——看戲前最好要有這心理準備。

但說到動作場面，則完全沒了挑剔的空間。湯姆·克魯斯還是那個拚命三郎，一樣堅持實拍，讓觀眾在大銀幕上看到演員最真實的反應。這不是什麼精湛演技可以取代的，那個臨場感和張力，是電腦無法百分百複製出來的。這集最震撼的，莫過於片尾那場高空飛機上的打鬥，讓人看得屏息凝神，加上剪接不時跳去另一場拆炸彈等抓智體的戲，那營造出來的緊迫氛圍、戲劇張力，簡直要人欲罷不能。

唯一可惜的地方，大概就是這集對人工智能的探討，沒上集來得深刻。或許AI的世界觀在上集已經交代清楚，這集轉而聚焦在人與人之間的對抗上。這樣是好壞參半——少了點哲學思辨的深度，但更像一部純粹的動作爽片，不需耗太多腦力。

總括而言，《不可能的任務：最終清算》是非常有誠意的動作片，延續了湯姆·克魯斯的動作實拍精神，和系列一貫的高水準。若對故事劇情不那麼較真的話，絕對看得十分開心過癮。

直到黎明

我不是電玩咖，雖曾聽聞Until Dawn，但沒玩過也不知是何類型，改編電影《直到黎明》（Until Dawn）也是以小白姿態入場，結果倍感驚喜，抱著大大滿足感及歡樂離開戲院——很久沒為一部驚悚恐怖片樂開懷！

故事講述女主角柯洛芙跟四位友人一起前往姊姊失蹤的偏遠山谷尋找答案。他們在一家便利店老闆的指引下，來到山谷中的度假屋，並發現神秘事件降臨在自己身上——五人慘遭謀殺，醒來後發現又回到當晚的一開始。他們就此困在這死亡輪迴中，每次的殺手或死法不盡相同，且一次比一次更可怕。唯一的逃脫方法，就是設法生存下來，活到黎明……只是欲達成這目標，十分艱難。

有些恐怖片，確實是沒邏輯可言，或設定跟現實世界運作方式完全相悖，《直到黎明》便是一例，但沒因此降低它的娛樂性和水準，無論是運鏡、演員表情捕抓、懸疑詭異氛圍的營造等，加上剪輯的節奏拿捏，都恰如其分。觀眾跟隨這五位年輕人踏入那神秘境地，為他們的遭遇捏冷汗之餘，亦似乎感同身受他們死亡的痛苦，過程令人腎上腺素飆升，屏氣凝神。

編導厲害的地方在於，可以在這慘烈且創意爆表的死亡輪迴中，結合幽默元素，在本該肅穆緊張的氣氛下，觀眾還會因幾個黑色幽默橋段，情緒稍微舒緩，繼而再被突如其來的死法震撼，百感交集，既希望這群年輕人能逃離這無間煉獄，又希望能見到更多創意死法，把自己的歡樂建築在他人的痛苦上。

導演大衛·桑德伯格，恐怖類型片可說是“撞正”他的強項，成名作《鬼關燈》（Lights Out）不知嚇破多少人的膽，更為他敲開並獲得《厲陰宅》（The Conjuring）宇宙《安娜貝爾：造孽》（Annabelle: Creation）的導演筒機會，且不負眾望，一洗這鬼娃前作“得個跩樣恐怖指數卻弱爆”的頹勢；後來兩部超英漫改電影《沙贊！》（Shazam!）系列，皆非我心中那杯茶，直到這部《直到黎明》，再次讓他一展長才，大顯身手。

其實，看到角色不斷死而復生這設定，我腦中第一個浮現的，就是前幾個月的奉俊昊作品《米奇17號》（Mickey 17）。那是用科幻包裝死亡輪迴，問的是人性價值；《直到黎明》用恐怖片包裝相同概念，問的則是：“你要如何在一場注定失敗的遊戲中，保住靈魂？”兩者都帶出值得省思的課題。

《直到黎明》還令我想起另外兩部超讚的同類作品——《詭屋》（The Cabin in the Woods）和經典重拍的《魔山》（The Hills Have Eyes）。《直到黎明》故事性質跟《詭屋》大同小異，一樣是一夥後生仔，一樣是現實邏輯講不通的“遊戲化”設定，一樣是對恐怖的探討、試驗。而聯想到《魔山》，皆因受害者對一切的始作俑者展開反擊時，最終結果大快人心，直呼過癮，就跟《魔山》裡的結局一樣振奮！

非紳士特攻隊

最近才剛看完漫威新作《雷霆特攻隊^*》（Thunderbolts^*），一群魯蛇被招攬出任務，拯救世界。過沒幾天又看了蓋·瑞奇的《非紳士特攻隊》（The Ministry of Ungentlemanly Warfare），也是一群特戰隊員組隊搞破壞，乍看以為會是一場爽快俐落酣暢淋漓的蓋氏風格動作戲，結果⋯⋯得個悶字。

這部電影取材自二戰時期的真實事件，原型來自邱吉爾親自授意、專門進行秘密任務的破壞小隊。是的，它讓我想起昆汀·塔倫提諾的神作《惡棍特工》（Inglourious Basterds）——刺殺、臥底、歷史狂想，風格挺相似。但問題是，《非紳士》沒有昆汀那種冷冽的幽默與殺機四伏的張力，劇情平鋪直敘，任務過程節奏雖快，卻缺乏令人屏息的轉折。每場戰鬥看似兇險，最終隊員們皆毫髮無傷，全身而退，觀眾也較難投入其中。

最讓人失望的是——蓋·瑞奇去哪了？這部電影掛著他的大名，卻一點不像他的作品。沒有剪接如刀、對白像機槍掃射的招牌節奏，沒有畫面和音樂一拍即合的神來之筆，只有一堆規規矩矩的場面和罐頭式的商業電影敘事。就像有人冒用蓋·瑞奇之名，交了一份無聊到安全過關的作業。

演員方面，亨利·卡維爾依然帥，但這次演的隊長角色近乎扁平；艾莎·岡薩雷則像走錯棚的模特兒，全程靠風情萬種與曼妙身材吸睛搶戲。反倒是艾倫·瑞奇森令人眼前一亮，從美劇《神隱任務》（Reacher）的俠客退役憲兵殺到這次的納粹，飾演的拉森像個不死金剛，近身肉搏、遠程爆頭樣樣來。最經典的的一幕是，他拉弓一箭貫穿兩名納粹，膂力驚人，堪比大俠郭靖。

反派方面，提爾·史威格飾演的納粹將領魯爾，登場沒多久就讓人心感厭惡，演出也比正派一方更有氣勢。起初看他臉上被歲月刻下的皺紋，只覺面善，卻一時想不起是誰，直到某個近鏡特寫，才驚覺他正是《惡棍特工》裡那位忠誠軍官。想想那部片竟已是十六年前的作品，歲月果然比納粹還無情。

一部失敗的作品，往往不是因為素材差，而是本來可以很精彩，卻拍得無聊透頂。《非紳士特攻隊》就是這樣的電影：故事本可激蕩出更多更璀璨的火花，導演卻選擇平鋪直敘；角色原本有張力，卻集體當背景板。片子不爛，卻不精彩。就像你特地去吃一間米其林名廚餐廳，結果端出來一盤乾撈泡麵——不難吃，但吃不出到底是哪位大師下的廚。

一句話，三個字，可惜了。

雷霆特攻隊*

十多年前，《鋼鐵人》（Iron Man）敲開了了MCU的大門，那時我們還會為英雄的集結、犧牲和逆轉時空而熱血沸騰。但自從《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers: Endgame）畫下句點後，MCU似乎也跟著走下神壇。這幾年看下來，第四、五階段像走迷宮，不知哪部打哪部，是偶有佳作，但大多只能搖頭慨歎。

年初的《美國隊長：無畏新世界》（Captain America: Brave New World）是我難得懷著希望進場的作品，結果看完只覺心冷。是我期望太高，還是漫威真的只懂得炒冷飯，靠品牌“行騙”，騙那些深信“漫威出品，必屬佳品”的死忠影迷？

對《雷霆特攻隊^*》（Thunderbolts^*），我還是有點期待，並非因為演員陣容或導演，而是這群角色。說白了，他們是魯蛇、是C咖，也有說是“反英雄”，聽起來較有格調。我想的是，這群曾經犯錯、搞砸過、被遺忘的邊緣角色，若能像隔壁棚DC《自殺突擊隊：集結》（The Suicide Squad）那樣瘋玩耍狠，或許真能替MCU注入一劑強心針。

故事講述新黑寡婦葉蓮娜、美國特工沃克、幽靈艾娃和模仿大師，皆成了中情局局長瓦倫蒂娜手下的秘密棋子，被派去執行見不得光的髒活。某次任務中，酷寒戰士和紅色守衛者也捲入其中，幾個過氣角色湊成一支臨時隊伍，挺身而出，抵抗強敵虛無。

電影整體其實拍得不差，但也不算精彩出色，就中規中矩，穩妥交貨。劇情主軸放在葉蓮娜身上，她既要繼承姊姊遺志，又得在這群問題隊友中找尋歸屬與信任。其他角色雖是配角，但人人有戲：各有各的陰影及過去，雖不深描，點到為止，卻恰到好處。連反派也不是單純的大魔王，從迷惘純真的鮑勃，到覺醒後實力大增的哨兵，再到被憤怒吞噬的虛無，經歷三重的層次變化。

最動人的地方在於：這些人不像鋼鐵人那樣光芒萬丈，沒有天生神力，也沒人會替他們豎立銅像。他們不是神，是人。他們戰鬥，不為正義，只為贖罪與存在感。這點描繪，是我們這些平日為三餐而打拚的凡人較能感同身受的。

動作場景方面，不能說精彩奪目。整部片僅那幾場的交鋒，簡潔俐落，節奏明快，看完還有些韻味不足。片末對上哨兵的大決戰，其實我有點失望，少了磅礴氣勢，重點放在葉蓮娜的心魔具象化，再延伸成心理機關戰，多少有些反高潮。我知道哨兵還有後續用途，早早領便當太浪費，但他能力過於強大，這臨時湊集的烏合之眾如何是對手？只能憑靠唐三藏話懟術，叨唸到他投降為止。

總括而言，《雷霆特攻隊^*》結構完整、角色有交代、笑點偶現、打戲不缺。它不會讓你驚艷，也不至於失望離場，但就是少了點什麼，也許是一種直搗人心的情感衝擊，也許是像《永恆族》（Eternals）那樣對人性與宇宙秩序的深層提問。後者雖被嫌慢節奏、角色過多，但它至少提出“神若旁觀人間災難，還能稱為神嗎？”此等哲思問題，在商業大片的包裝下，一整個提升了文藝及文學氣息。

也許，“新復仇者聯盟”的確立，跟新·美國隊長山姆那方鬧雙胞，它們的發展走向，才最令人期待。

會計師2

為了捍衛本身信念，不惜以命相搏的硬漢英雄電影，是動作爽片的其中一種風格。《即刻救援》（Taken）裡的地表最強老爸、為了一條狗，再weak再累亦不惜殺遍黑幫緝兇的John Wick、單槍匹馬替平民百姓懲奸除惡的麥考爾、只想多陪伴家人的小男人無名氏……他們話不多（最啰嗦的當屬最強老爸了，畢竟人老了），但身懷絕技，憑一拳一腳替現實中無力的我們出怨氣。其中，還有一位患有自閉症的會計師沃夫。

首集至今相隔整整九年，《會計師2》（The Accountant 2）終於面世（電影公司竟願意等足九年，在當今快餐式製片時代還有此耐性，絕對是異數），原班人馬再聚，導演蓋文·歐唐納、主演班·艾佛列克、強·柏恩瑟悉數回歸。故事接續上集，講述沃夫與弟弟布萊斯頓失聯多年後再次重聚，協助財政部幹員瑪莉貝絲徹查一宗命案，以及背後錯綜複雜的陰謀。

不同於多數動作片那種開場即刀光劍影的節奏，《會計師2》敘事模式更像潛水——不急不緩地潛入角色內心世界，感受他們，經歷他們的遭遇，眼觀他們所見，因此，角色的情緒、掙扎及選擇，顯得格外真實。主戲不只是調查謀殺案中案，還有兄弟間的相處或個人面對的問題，像沃夫尷尬的相親場面，或布萊斯頓為了提前領取狗狗而在電話中模擬打嘴仗等，這些看似瑣碎的小事，都讓角色更有血肉，添了幾分幽默。

查案過程，確實較少追逐打鬥的篇幅，但多了點《怒火邊界》（Sicario）的韻味——抽絲剝繭，靠一點一滴的蛛絲馬跡逼近真相。觀眾情緒隨著角色步伐層層醞釀，直至最後真相大白，迎來一場精心設計的終局戰鬥。兩兄弟闖入敵軍大本營以寡敵眾，不只殺敵，還得救出數十名無辜孩童。觀眾在前段壓抑累積的情緒，得以在一氣呵成流暢的鏡頭剪輯下，釋放宣洩出來。

至於女主角瑪莉貝絲，身為政府幹員的她，受著法律的掣肘，很多時候明明知道正義該怎麼做，卻做不了。跟體制外的沃夫兄弟相比，她力不從心，最後選擇退出合作，不是因為膽怯，而是過不了自己的道德底線。我聯想到《黑暗騎士：黎明昇起》（The Dark Knight Rises）裡的羅賓，他離開警隊，因為悟透某些正義唯有在體制外才能達成。

這部電影的優點，不在於動作場面有多酷炫、節奏有多明快，而是提供了角色足夠的空間去成長，也讓觀眾有時間陪伴他們，了解他們在想些什麼，以及為何而戰。尤其當沃夫那雙有戲的眼睛，在默默觀察一切，若有所思的一刻，我也不自禁地跟著思考，什麼才是正確，什麼才是必要。

《會計師2》不比前作刺激，但多了幾分溫馨、幽默。我們喜歡這類電影，不單只是追求動作好看，而是因為它替我們完成那些日常裡無法完成的對抗。何謂英雄？英雄不只是能打，還是個願意在混亂中堅守原則、不隨波逐流的靈魂。他給人灌注一股能量，讓人繼續追隨發自內心的聲音，義無反顧，勇往直前。

霍爾的移動城堡

二〇〇四年的《霍爾的移動城堡》，在二十年後的今日重返大銀幕。對當年看過的孩童觀眾而言，如今也已度過青春，或許在工作及愛情上經歷過挫折，重看時領悟更深。對新一代觀眾來說，他們能走進一場細膩且奇幻的手繪魔境，認識一部歷久彌新、溫柔動人的動畫長片。

《霍爾的移動城堡》講述平凡的少女蘇菲被荒野女巫下了詛咒，成了老婦人。她驚慌失措，選擇避走人群，前往荒山野嶺，後來遇見巫師霍爾及傳說中呼嘯移動的神奇城堡，開啟了一場關乎魔法及追尋自我的奇幻冒險。

宮崎駿的大多數作品，都在精彩冒險故事的表象下，潛藏著關於人生艱難抉擇的寓意／喻意。廿年來，每次重看《霍爾的移動城堡》，都感覺得憑著自身閱歷去揣度、猜想、參透、領悟，會重新認識自己。就像一面鏡子，照見心底某處角落，那深埋隱藏許久的——初心。

我對戲裡蘇菲忽老忽少的年齡似懂非懂，霧裡雲裡，這次重看，一樣如此，但又似乎參透了一些些其他東西。她變老，是對自己的否定，還有壓抑；而年輕起來時，則是在夢中，或在她情動時刻，是她願意相信自己值得被愛、被認同的時候。她本身沒意識到，她的外貌，其實一直都是她內心的投影。

臨近片末的一場戲我特別感觸，那是蘇菲在夢裡瞧見少年霍爾跟火惡魔卡西法訂下契約之時。這夢境，是回憶，也是揭示蘇菲註定會邂逅霍爾，註定走入霍爾的靈魂及生命。她從一個再平凡不過的普通人，成為能夠理解霍爾痛苦的人，成了一個有被需要的人。

除此之外，戲中的一顆顆飛彈、一處處因戰爭蹂躪的村莊，讓觀眾自然而然理解到和平的珍貴，在帶有反戰訊息的畫面裡頭，宮崎駿讓觀眾一窺戲裡角色，是如何在戰火中尋找一個能夠安身的家。而這個家，並非得是彼此擁有血緣關係的組合，而是一群願意接納彼此、磨合性格、一起生活下去的人。霍爾、蘇菲、卡西法、馬魯克，還有荒野女巫小狗因因等，都是性格迥異的獨立個體，彼此摩擦或關係對立，後來皆成了夥伴，形成一個溫暖動人的家。

跟宮崎駿其他作品一樣，《霍爾的移動城堡》不需一次即看懂，而是可以陪著觀眾成長，隨著人生閱歷的增加，慢慢拼湊出那些過去沒留意到的細節。它如一封描寫成長的信，等哪天準備好，再次重溫時，則再次參悟出更多訊息。就像蘇菲從原本的不相信自己，到願意相信自己有價值一樣，成長亦從來無需大聲說出什麼，就只是靜靜接受當下的自己。

總括而言，《霍爾的移動城堡》在絢麗的色彩之下，是低調地表述一個人學會如何愛與被愛。它跟《千與千尋》《幽靈公主》和《蒼鷺與少年》，是我心中Top 4的吉卜力工作室作品。

狠狠愛

好萊塢近幾年開始關注那些在幕後賣命翻滾的特技演員，我想，能夠激起大家對這群特技演員的關注，87North製片公司功不可沒。這家由大衛·雷奇和查德·史塔赫斯基兩位特技演員出身的從業員創辦的公司，拍電影之餘，也栽培特技新秀。他們的作品自然是以動作設計見長，故事則時而鬆散，時而精妙，代表作有《無名弒》（Nobody）、《子彈列車》（Bullet Train）、《特技玩家》（The Fall Guy），都是拳拳到肉，打得過癮，看得觀眾心花怒放。新作《狠狠爱》（Love Hurts），依舊是拳腳及火藥味齊飛，故事方面則普普而已。

《狠狠爱》劇情簡單得像一杯即溶咖啡，講述關繼威飾演的房仲馬文，事業有成，人生得意，卻在情人節這天，一群殺手殺上門來，兄長、舊識，個個輪流冒出，挖出他以往的身份及回憶，他不得不施展封塵多年的俐落身手迎擊。故事情節沒有錯綜複雜曲折離奇拐彎抹角，主打就是一個“爽”字。

《狠狠爱》的動作設計不輸過去幾部作品，每一拳每一腿一氣呵成，呈現出來的效果，都帶著真材實料的力道狠勁。觀眾無需動腦，只需跟著電影明快的節奏，邊看邊讚好。

主角關繼威一直以來都給我一種奇妙的親切感，那像鄰家哥哥般溫和的氣質，放在馬文這角色上，格外有味道。他早年在《無限復活》裡的演出，那含蓄又帶點悲涼的小人物氣息，至今難忘。在影集《洛基》（Loki），他也是演個不起眼的小職員。這次在《狠狠爱》，看著這樣一個老實人畜無害的房仲突然開打，一邊捱揍一邊還擊，有種成龍式的功夫底蘊，亦算是演技的一大突破。某些鏡頭裡，從他眼底閃過的狠勁，讓人瞬間明白——溫文儒雅的人，一旦被逼急，也會痛下殺手。

至於吳彥祖，算是久違的演出，可惜戲份極少。雖然帥氣不減，但打鬥太少，大多時候就是故作深沉地吸奶茶。倒是片中其他殺手，各具特色，從死亡詩人到雙簧兄弟，像極《子彈列車》裡那群特立獨行的奇葩殺手，每個人嘴裡嚷著殺人完成任務，實則也一樣逃不出愛情枷鎖的重情之人。

片名喚做《狠狠爱》，其實愛情只是表象，僅是包裝，更像是在講每一個被過去背叛、被情感打碎的靈魂。打打殺殺背後潛藏著的，是一點點不甘的溫柔。這幾個江湖人，殺起來不留情，愛起來也無退路——當然，這些都是我自行腦補的猜想揣測，說錯勿懟。

總括而言，《狠狠爱》是那種不必帶腦進場，即能看得開心的爽片——前提是你真的對故事情節沒太要求。別奢求它講大道理，只需在爆裂火光中，狠狠過癮一次就好，就像情人節的煙火、花束、激情，短暫，卻值得。

MINECRAFT麥塊電影

電玩改編電影是目前其中一類商業片正夯的模式。從《惡靈古堡》（Resident Evil）、《古墓騎兵》（Tomb Raider），到近年的《真人快打》（Mortal Kombat）、《魔獸爭霸》（Warcraft），有的動作刺激，有的充滿奇想，還有《沉默之丘》（Silent Hill）、《佛萊迪餐館之午夜驚魂》（Five Nights at Freddy’s）這類驚慄恐怖，可謂精彩紛呈。雖然並非都是傑作或票房保證，但終究是一個電影劇本創意的來源。

這類型還有一條“閤家歡”走向，如《音速小子》（Sonic the Hedgehog）系列、《超級瑪利歐兄弟電影版》（The Super Mario Bros. Movie），大人小孩都能看個開心。你說劇情設定會很深刻麼？老實說，真的沒有。但票房好，評價也高。《MINECRAFT麥塊電影》（A Minecraft Movie），也走這路線。

我不是Minecraft玩家，沒建過房子、挖過方塊，不懂電影裡是否有刻意為玩家準備的彩蛋或暗號，劇情也簡單到從一至十依序交待給觀眾，沒有燒腦，不必思考，毫無懸念，笑點尷尬，演員演得太用力，我無法投入。只是，網絡上評價卻不差。或許是玩家情懷加持，抑或是小朋友看得開心。

講真，我完全進不去那個世界，但轉個念，也想開了，電影不是拍來給所有人喜歡的。這部片的目的明確：讓家長帶著孩子進戲院共度兩個小時的家庭時光。就像麥記快樂套餐，重點不在好不好吃，而是能換到什麼玩具。

於是觀眾一開場就見到傑克·布萊克飾演的史蒂夫，用台詞講出他對挖礦有一種難以言喻的渴望，長大後為了夢想選擇放棄現實、踏進奇異世界，並自願困在那裡。這樣的開場對某些人來說可能有點糟糕，但對孩童觀眾而言，恰恰好懂。

有此一說：以對白交待一切，是電影創作最低端的推進故事手法。但看至最後，幕前幕後工作人員字幕緩緩升起時，開始思考這部電影是好是壞時，想到這部電影存在的終極意義之後，我悟出一個道理——有些時候，一部電影真的不必刻意拐彎抹角讓人猜想戲裡的隱喻或訊息，也可以直接hit to the point，製造笑梗引觀眾發笑之際，直接道出或呈現重點訊息。觀眾也許一時未能會意，但該訊息經已潛移默化地種在觀眾腦海或心中，假以時日，時機到了，就會發芽。

我不評論這部片好不好看，因為根本不重要。真正讓我感觸的，是傑克·布萊克。

記得二〇〇三年的《搖滾教室》（School of Rock），他當時卅四歲，看起來像廿幾歲，臉龐身體圓鼓鼓，眼睛閃閃發光，渾身散發著搖滾魂，熱血澎湃，歌喉也讚。那是我第一次認識他，笑著看他用音樂教育頑皮學生，心想這為人師表真有趣。二十年過去，如今他五十六歲，額上皺紋藏不住，動作卻依舊浮誇，歌還是唱得投入，不知怎的，我有些感慨。

看一部電影，不只是看故事，也是在看一個演員如何跟我們一同老去。孩子們看的是冒險與歡笑，我看到的，卻是時間的流動。

所以，《MINECRAFT麥塊電影》於我而言，絕對不是值得再刷的片子，卻是一次值得記住的觀影體驗。它提醒我：我們都是曾經的孩子，只是現在長成帶孩子看電影的大人——我不是說我，是說其他跟我同齡的朋友。

贖夢

張家輝，伴我度過青春煩惱成長歲月的友伴。他那一副看起來廢裡帶衰、衰中有賤的模樣，從化骨龍、《黑馬王子》葡撻（葡完就撻）、《決戰紫禁之巔》中別名“龍龍九”的陸小鳳，到後來在香港黑幫電影教父杜琪峰多部作品裡的正經角色，在嬉皮笑臉耍白癡和正經嚴肅露狠勁之間切換自如，是我心中的百變影帝。

他演而優則導，開始自導自演時，我亦樂見其成。二〇一四年《盂蘭神功》，我進戲院支持，結果出來滿肚子問號；《陀地驅魔人》延續驚悚風格，文藝味更濃；動作警匪片《低壓槽》，更覺得他力有未逮。我以為經歷過三部票房口碑皆不盡如人意的作品後，他該有自知之明，導演不適合他，結果第四部作品《贖夢》又來。

張家輝這此依然自導自演，飾演患有失眠症的德士司機沈卓仁，聲稱一睡覺就夢見被人追殺，長期失眠，神經兮兮。他的對手是劉俊謙飾演的臨床心理醫生文思豪，二人一來一往，夢境、現實、人性、創傷、秘密，導演通通都想講，但全部混在一起，亂了套，講不清。

我明白“橋唔怕舊，最緊要受”之道理，《贖夢》的問題不在題材老套，失眠、心理創傷、夢境追殺等題材，過去拍過很多。真正致命的，是張導似乎執著於自己那種裝神弄鬼、故弄玄虛的文藝恐怖片風格。節奏慢，剪接生硬，CG特效莫名其妙，不時來點宗教符號與慢動作特寫，懶有型、懶神秘，實則悶得令人呵欠連連。

觀眾入場，是想解夢，不是被導演困在夢裡無出口。文醫生的故事線說他童年有陰影，影響他成長；沈卓仁則是失眠，老婆精神失常，屋裡貼滿符咒，家裡像道壇。兩條線平行無交錯，結局像在解釋角色的因，但觀眾早心知肚明，完全不覺恍然大悟，只會想說：“拍咁耐，就講呢啲？”恐怖片不恐怖，驚悚片不緊湊，心理片不深刻，夢境拍得不夠詭異，現實拍得不夠紮實，兩頭不到岸，教人如何投入？

二〇〇四年獨立電影《黑暗時刻》（The Machinist）也同樣講失眠。那電影沒很驚悚，但從頭到尾不斷吊觀眾癮，牽引人想探索主角到底遭遇了什麼，才會瘦成皮包骨……這也是面筋人克里斯汀·貝爾的代表作。《贖夢》跟其相比，高下立判。

總的來說，看《贖夢》是浪費時間。我不曾質疑張家輝身為演員的演技，但在導演的身份上，他真的離合格還有非常遙遠的距離。不說別的，過去三部執導作品，劇情我都忘光光，唯一有印象的一幕，是《盂蘭神功》裡主角在戲院看戲時，發現前排座位有個阿飄不看戲，反而盯著他瞧。這第四部作品再次證明，張家輝還未找到作為導演的語言及定位。或乾脆一些，放棄導演身份罷了。

律師不該拿槍？——《黑函情報戰》觀後

問一個問題：律師能不能拿槍？這問題聽起來是不是有點蠢？若把它放在一部諜戰劇裡，你又是否認為，這是基本配備？我不熟悉律法，但以我有限的common sense，律師是不會配置槍的。

九年前報讀商業電影編劇課，課堂上老師出題，要同學分組用警察、律師和另一個制服職業（第三個職業我忘了是啥）為主角，寫一個有頭有尾的劇本。抽中律師的組別，創作了一篇律師的冒險故事。課堂呈現後，老師對這小組點評的其中一句話，我印象深刻：“律師不該拿槍。”

多年過去，我早把那堂課內容拋諸腦後，直到隨手點開Netflix影集《黑函情報戰》（The Recruit），瞬間被吸引進去，難以自拔！這名叫歐文的菜鳥律師，卷入中情局及其他各國情報單位的勾心鬥角，成為生死未卜的棋子，被迫拿槍自保。

 

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歐文是初入中情局的菜鳥律師，還沒摸熟工作環境，即收到一封灰色信函——一名被關在囹圄中的線人要求談判，免除罪刑，否則曝出威脅整個機構的大秘密。歐文本該是坐在辦公室裡審查合約、分析法律條文的文職人員，也許急於立下功績，也許是責任心使然，要求上級允許讓自己跟進此案，結果輾轉之下卻去到戰場，面對槍林彈雨、酷刑拷問，還陷入一場錯綜複雜的國際政治紛爭的暴風圈。

影集第一集起，就像一場高速列車的瘋狂旅程。歐文每化解一個危機，轉眼即掉入另一個更深的泥淖。他的生活徹底攪亂，連帶身邊人也受池魚之殃——同事對他避之唯恐不及，上司對他既愛且恨——愛他的辦事能力；恨他總帶麻煩——有者甚至動了殺機，想永久把他除掉。這部劇迷人之處，在於它不單只是諜報動作，還描繪了寫實的人性修羅場。

這鱷魚潭裡，沒有明確的盟友或敵人，一切利益為先，大局為重，今天的敵人可能是明日的友伴，今天的朋友也隨時推你入火坑，藉你擋子彈。撤掉手槍及爆破，換成文書、業績、會議室裡的明爭暗鬥，不就是現實生活中的職場縮影麽？

 

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歐文不是典型的諜戰片英雄。他並非那種超級菁英特工，不是什麽戰略大師、神槍手、情報高手，他只是個年輕的律師，滿腦子法規、訴訟和協議。他加入中情局，心想這只不過是穩定的政府工作，沒想到迎接他的，會是充滿暗殺、黑幕和背叛的“花花”世界。

更糟的是，他還自帶倒霉體質，災星附身，像被不幸纏上的磁石（令我想起伊坂幸太郎筆下的殺手，綽號“瓢蟲”的七尾；有改編成電影《子彈列車·Bullet Train》）。正是這種設定，這角色分外有趣。我們見慣無所不能、身手俐落、意志堅強、倜儻風流、警惡懲奸的超級特務；歐文則是另一種面貌，他不完美，他會出錯，會因自己的無知搞得焦頭爛額。他沒有經典英雄那樣自帶光環，只像個普通人，這是《黑函情報戰》最吸引我的——它讓觀眾看到一個平凡人，在逆境中掙扎、絕境求存的過程。

 

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歐文之所以能在這龍潭虎穴生存（雖然狼狽異常），關鍵是他的急智、辯才、隨機應變的能力，讓他一次次死裡逃生。如果你看過HBO影集《企鵝人》（The Penguin），可以發現主角奧茲也有類似的特質——同樣聰明機敏、同樣能言善辯、同樣命大。不同的是，奧茲是徹頭徹尾的惡貫滿盈，而歐文有道德底線，有良心。

在充滿背叛的世界，歐文的“善”幾乎成為他的負累。他畢竟只是個律師，不是冷酷無情的殺手，沒法跟那些特工一樣，把情感拋在一邊，取人性命絕不手軟。正是這點，讓他成為觀眾最能共情的角色——他代表的是我們每一個普通人，為生計被迫進入殘酷世界，卻仍想保有自我的那份掙扎。

 

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看完這部劇（目前第一季八集、第二季六集，故事告一段落，但未宣布劇終），回想九年前編劇課上老師提出的：“律師不該拿槍。”

現實中，律師的戰場是在法庭；《黑函情報戰》裡，歐文有被迫拿槍之時，但皆非出於自願主動，而是為了自衛，他必須拿。亦有幾幕他在扭打纏鬥中“誤殺”敵人，兇器也不一定是槍，每次殺人後，他都像日後會患上PTSD，那殺人畫面永久存留在腦海，揮之不去的樣子。我只能說，他敬業樂業，身處於吃人的世界，他學著用自己的方式，極盡所能地活下去。

所以，律師到底該不該拿槍？

米奇17號

對韓國導演奉俊昊印象深刻，是從那部在戲院裡讓我如坐針氈的《末日列車》（Snowpiercer）開始——那是二〇一四年，衝著美隊克里斯·伊凡入場，結果上了一堂關於低階層苦受壓迫，為此而反抗的末日寓言震撼教育。後來Netflix製作的《玉子》（Okja），再到拿獎拿到手軟的《寄生上流》，奉俊昊都沒把視角從社會底層移開，化做一把直指人類社會心臟地帶的批判利刃。

新作《米奇17號》（Mickey 17）延續了《末日列車》往後的奉氏風格（我對他二〇一〇年以前的韓國作品沒啥印象），卻多了點光鮮及調皮。故事背景設在二〇五四年，主角米奇簽下一份殖民星球的勞工契約，成為一個可以不斷被複製、犧牲再利用的“消耗工”。死了沒關係，只要留存記憶，復活後重灌啟動，即可繼續幹活。

如此這般設定，立馬聯想到《明日邊界》（Edge of Tomorrow），主角同樣是不斷死亡、學習、再出發的輪迴，只不過那邊是為了戰勝外星人，這邊則純粹是服從上級命令、維持社會階層的秩序。米奇依然有自我、有感情、有執念，看他每一次死去，死法又千奇百怪，當死得太滑稽荒謬時，會讓我忍俊不禁，嗤笑出聲。笑完以後，愧疚感油然而生：我一樣是把自身歡樂建築在他人的痛苦上、道德淪喪之人！愧疚歸愧疚，我還是很開心。

最大感驚喜的，是羅伯·派汀森一人分飾兩角的精湛演技。無論是17號的懷疑、自嘲、微微神經質，抑或18號的焦躁易怒、不近人情，他們似一面鏡子互映，亦如兩個陌生人彼此試探。派汀森沒靠造型改變，只憑著眼神、語速、肢體動作，加上電腦特效的協助，把同一個靈魂分裂出的兩種性格演得絲絲入扣，看得我眉飛色舞。

此外，就是奉俊昊的批判及嘲諷本色了：質疑權威、探討社會現狀。戲裡，擁有至高權力的領導人，腦袋卻空空如也，毫無半分智慧；像米奇這般低階層勞工，縱使能無限復活，也只能用身體去換取生存的資格。具備超能力，生命卻更加卑賤，諷刺意味十足。

更感觸的，是戲裡人類對原住民外星物種的態度——拒絕溝通、不試著理解，一心只有征服與消滅，這就是人類最原始的嗜血天性。一旦遇上“他者”，第一反應從來不是談判，而是開槍。奉俊昊的鏡頭直指人類的殘暴及無知，跟17號自然散發的善意相比，後者雖顯得渺小，卻等同如一抹耀眼璀璨的人性曙光。奉俊昊在深沉議題底下潛藏著的黑色幽默，讓人莞爾一笑之餘，又細思極恐，實在過癮。

總括而言，《米奇17號》是一部寓教於樂，讓人在戲後靜心思考的佳作，也是一部值得在戲院視聽覺設備中體驗，細細品味的作品。二〇二五年至今這三個月，它是我最推薦的其中一部電影。

哪吒之魔童鬧海

二〇一九年的《哪吒之魔童降世》，我沒在戲院看（馬來西亞有沒上映也沒印象了），但坊間盛讚聲不絕於耳，金句“我命由我不由天”更是傳到亂。後有機會在家中客廳觀賞，只覺還好而已，也許這動畫電影對中國觀眾來說特別有感，才會票房口碑雙豐收。

六年後的今天，續作《哪吒之魔童鬧海》面世，在中國春節檔殺得天翻地覆，票房盈收盆滿缽滿。馬來西亞則要等到三月份，才姍姍來遲上映，映前更引起小騷動——片商硬性規定，戲院不得做任何優惠，樂齡兒童票通通取消，我只將它看做是為電影造勢的商業操作。

撇開這些“預熱戲碼”，看了正片，驚覺這續集比前作提升何止一個檔次。故事、動畫細節、戰鬥場景的分鏡與節奏，全部升級，簡直值回票價！故事情節緊接前作結尾，哪吒和敖丙雖保住了靈魂，但即將魂飛魄散，太乙真人於是用七色寶蓮為二人重塑肉身，卻波折重重。仙妖對立、龍族內亂、滅族等危機紛紛出現，他倆多舛的命運再度翻江倒海。

《魔童鬧海》的主角，與其說是哪吒一人，不如說“哪吒+敖丙”雙主角設定更為恰當。哪吒的背景與性格在第一集已經完成了鋪陳，這一集，因敖丙上身的設定，觀眾看到更多的，其實是敖丙的成長線，哪吒反倒像是時不時醒來負責插科打諢惹笑彈（這樣說主角，有些不堪……）。如此劇本安排十分冒險，需知一個不慎，哪吒可能會變成邊緣人，但導演處理得當，角色塑造依舊穩健，觀眾依然買賬。

故事層面，仙魔對立、無量仙翁的偽善、龍族內鬥、申公豹的親情戲等等，都令電影張力層層疊高，觀眾情緒隨著劇情推進，一點點地拉滿，直至正邪決戰的爆發，才一口氣釋放，酣暢淋漓。電影最終，無量仙翁沒有真的被打趴，元始天尊亦從未現身，他對無量仙翁所作所為知情與否，抑或默許？這些都是為第三集而設的伏筆。

至於戰鬥場面，那場天空大亂鬥，視覺效果足可媲美好萊塢《復仇者聯盟：終局之戰》（Avengers: Endgame）。老實說，自二〇一九年《終局之戰》後，還沒遇過哪部電影的群戰戲能讓我熱血沸騰，直到《魔童鬧海》。無論是一對一的對決，還是鏡頭拉遠的群戰，在配樂及聲效的襯托下，全發揮到極致，看得人眉飛色舞，大呼過癮。

這部二個半小時的電影，從頭到尾無冷場，是我今年第一季最佳動畫作品。只希望第三集別讓人等上五六年，甚至像無量仙翁在戲裡那樣，苦等十年才能出關，那就太諷刺了。

回頭看這幾年《封神演義》的改編潮，魔童《哪吒》系列與烏爾善的《封神》系列可說是雙雄爭輝。《封神第一部：朝歌風雲》精采萬分，到第二部《戰火西岐》卻開始失穩；《哪吒》則在第一集普普通通的基礎上，端出了可作為中國動畫電影的標杆續作，導演餃子不僅為中國動畫立下巔峰，也為自己設下難以超越的高牆。第三集別說要超越，光是維持這個水準，已是極大挑戰。