《暗影蜘蛛》：蜘蛛人的中年危機

廿多年來，隨著漫威影業的成功，漫畫改編的超英類型片達到前所未有的新高度。漫威之外，DC、黑馬等美漫品牌，也紛紛把旗下作品搬上大小銀幕，分一杯羹。也因為這波美漫改編影視熱潮，我開始接觸一些原著漫畫，卻始終不太習慣。除了畫風跟自小看慣的日漫大相徑庭，最大原因是——平行時空太多，且都官方認證，我不知該從何看起。

何謂官方認證的平行世界？舉漫威電影宇宙（MCU）的多元宇宙設定為例，同一個角色可以擁有不同身份、不同性格、不同形態，像電影《死侍與金鋼狼》（Deadpool & Wolverine）裡數之不盡的死侍軍團，或MCU的美隊克里斯·伊凡「跨棚」客串的霹靂火，皆可用多元宇宙來解釋說明，「一語道盡」。對熟悉漫畫設定的觀眾而言，確會令人熱血沸騰；但對我這種不熟悉漫畫的普通觀眾來說，更常的情況是，電影還沒看完，已經滿頭霧水，原本提升觀影樂趣的彩蛋也成了無用之物，兼且提高觀影門檻。

不過這當中，我發現一部把多元宇宙玩得出神入化的驚艷作——動畫電影《蜘蛛人：新宇宙》（Spider-Man: Into the Spider-Verse）。片中匯聚各個不同宇宙的蜘蛛人，其中印象至深的，莫過於尼古拉斯·凱吉聲演的暗影蜘蛛人。黑白電影的視覺風格、冷硬派偵探的氣質，一整個濃厚的黑色電影氛圍，雖只是配角，但在一眾鮮艷亮麗的蜘蛛人裡頭，反而特別顯眼。

這期分享的，正是凱吉主演的真人版影集《暗影蜘蛛》（Spider-Noir）。

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最經典、最深入民心的蜘蛛人，是彼得·帕克；《蜘蛛人：新宇宙》的主角，是邁爾斯·摩拉斯；《暗影蜘蛛》裡的主角，則是班·萊利。影集的故事背景設在一九三〇年代的紐約市，講述年華漸老、時運不濟的私家偵探班，因一宗案件找上門，且隨著案情越加撲朔迷離，他不得不再披上塵封已久的戰袍，以蜘蛛人的身份面對日益猖獗的犯罪勢力。

與近年來多數蜘蛛人影視作品塑造出的少年英雄形象不同，班／暗影蜘蛛是個被現實磨平稜角的中年人，經營著一家勉強維生的偵探社，靠接散活度日；因久久走不出失去摯愛的傷痛，他潦倒，常借酒澆愁，不再熱血，也不再相信自己能夠改變世界。

看著看著，有種像是在看一個跟我一齊長大的蜘蛛人。

從二〇〇〇年代山姆·雷米執導的《蜘蛛人》三部曲，到馬克·韋柏的「驚奇再起」系列，再到MCU的荷蘭弟版本、蜘蛛宇宙動畫電影，這些位蜘蛛人，廿多年來都伴著我，從青澀少年成長為現今的中年。

《暗影蜘蛛》裡的班，不再像彼得·帕克那樣經歷求學、被同學霸淩，略過戀愛、畢業、找工作的階段，直接把主角丟進成人世界，面對現實壓力——有賬單需繳付、要維持事業；得面對夢想和現實間的落差，也得學會接受逝者已矣、遺憾無法彌補的事實，跟現實中的你我沒兩樣。不同的是，因為是故事主角，編劇「逼迫」他必須面對過去的自己。

因著私家偵探的設定，《暗影蜘蛛》帶有經典推理／犯罪故事色彩，觀眾隨著班的挖掘真相，深入紐約地下世界，看見以銀鬃為首的犯罪集團如何隻手遮天，卻有人膽敢在太歲頭上動土，僱人刺殺之，挑戰這位地下皇帝的權威。

班就這樣捲入一場是非恩怨裡頭，一方面是受迫於黑幫老大的威嚇（以及向大筆金錢折腰屈服，畢竟要養活偵探社助理嘛），替其追查幕後黑手；另一方面則為了滿足自己的好奇心，還有無法對不公義置若罔聞的正義感。隨著多位超異能人士陸續登場，大家各懷鬼胎、各有盤算，都為最初簡單的調查「添亂」，提升戲劇張力。

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全劇八集的《暗影蜘蛛》，案件沒有特別燒腦，唯勝在氣氛營造出色。陰暗潮濕的街道、昏黃閃爍的街燈、煙霧彌漫的酒館……將經濟大蕭條後的紐約街景呈現出來，充滿復古迷人的黑色電影氣息（看黑白版的話，更有感覺）。要說明的是，它沒有大銀幕裡感受得到的磅礴氣勢，要是你期待那種熱鬧刺激的超級英雄大片，或會對它感到些許失望；若把它當成一部帶著超英元素的黑色偵探劇觀賞，就會發現它的魅力所在。

《暗影蜘蛛》未必會成為最受歡迎的蜘蛛人作品——沒有少年英雄的青春氣息，沒有商業大片的熱鬧喧嘩，但對正在為生活奔波、偶爾緬懷過去的我來說，這樣的蜘蛛人，更顯親切。

冰封千里，冰不住人心——《大騙局》讀後

懸疑驚悚小說家丹·布朗是否稱得上操控讀者情緒、製造懸念的大師，見仁見智；但在我看來，他絕對是極為出色的故事敘述者。儘管「幕後黑手始終就在身邊」成了他作品不變的套路，卻絲毫無損閱讀過程的精彩。

這本《大騙局》，講述美國國家偵察局（National Reconnaissance Office, NRO）汲思員瑞秋，受總統秘密委派前往北極冰棚，鑑定美國航太總署（NASA）發現的一塊隕石。這塊隕石深埋冰層之下，內部疑似有外星生物化石。對近日飽受反對黨攻擊的NASA而言，這無異於一劑強心針；而對力排眾議、持續支持NASA預算的總統來說，亦能緩解選情告急之慮。瑞秋和另外四位受邀參與鑑定的民間科學家一致認定這確是來自外太空、帶有外星生命證據的隕石。就在瑞秋向總統匯報結果後，一支特種部隊企圖滅口這四位民間科學家和瑞秋。死，也不能死得不明不白，他們邊逃亡，邊挖掘背後的動機及真相，最終發現那塊隕石竟是史上耗資巨大的騙局，至於幕後主使者，就是……

正如丹·布朗其他作品，《大騙局》同樣會有一些程度的閱讀門檻。《天使與魔鬼》涉及宗教和粒子物理，《達文西密碼》牽涉藝術、建築與符號學，《大騙局》則有太空科學、海洋學、氣象學、軍事科技等專業知識。有意思的是，書中有一職稱「汲思員」，其工作內容類似情報分析員——閱讀大量情報資料，提煉重點，再將複雜資訊濃縮成高層決策者能快速理解的簡報。丹·布朗就像汲思員，將大量專業知識消化、整理、轉換成一般讀者能夠理解的白話文。原本晦澀的科學術語、火箭科技或軍事設備，在作者的轉譯下，皆成了推動劇情的工具。

當然，讀者仍需要一定的想像力，方能投入角色所處險境。尤其故事中段，瑞秋和倖存科學家從北極一路逃回華盛頓，擁有先進裝備的三角洲部隊在後窮追不捨。可怕的是，他們無法確定幕後主使者是誰。即使有人暗中相助，也不能輕易相信，因為敵人擁有監聽通訊、掌控情報的能力。那種敵我難辨、草木皆兵的懸疑氛圍，最是吸引。

除了驚險刺激的逃亡及解謎過程，《大騙局》還展現了政治權力對人性的腐蝕。無論是覬覦總統寶座的參議員，還是策劃整場騙局的幕後黑手，皆說明了當權力與利益膨脹到某程度，道德與良知很輕易就被犧牲。只要涉及的金額夠龐大、權力夠誘人，人命是何等微不足道吖！

個人認為，作為丹·布朗的第三部長篇小說，《大騙局》比處女作《數位密碼》成熟許多，明顯得見作者在故事結構與節奏掌控上的進步；跟勞勃·蘭登初次登場的《天使與魔鬼》相比，則各有千秋，前者勝在政治陰謀與科技懸疑，後者長於宗教謎團及歷史符碼，同樣令人欲罷不能。

《太空超人》：情懷外殼下的真空

日前看到一篇報導，某位好萊塢年輕導演語出驚人，抨擊當今好萊塢電影只懂消費情懷，創意匱乏。且不說這位「初生之犢」的言論是否中肯，無可否認的是，近年不少經典IP，無論重啟或續集，確實都使著「情懷變現」之套路。觀眾買單，自是好事；怕就怕觀眾不領情，編導的滿腔熱血最終灑在門可羅雀的戲院座席上。

就如這部《太空超人》（Masters of the Universe），看著看著，我越發坐立難安，為劇本和故事情節感到尷尬。

故事講述永恆星王子亞當，因骷髏王入侵而在年幼時流落地球，還失去承載著力量的寶劍。十五年後，他終於尋獲寶劍，重返被黑暗勢力統治的故鄉。在質疑和動盪中，他意識到自己肩負著拯救家國的使命，於是憑藉著主角光環（真的是主角光環，編劇是有多懶惰處理人設！），把幾位原本負責守護家國、當年戰敗的戰士團結起來，起義對抗骷髏王。

作為八〇後，小時候我聽過也看過《He-Man》卡通，但印象極為模糊，還常跟《ThunderCats》搞混。簡言之，我對《太空超人》沒有情懷濾鏡，能冷靜客觀地觀賞。不到二十分鐘，就想離場。

首先是它的序幕，簡直歹戲拖棚。主角的背景故事設定，我也聯想到近期上映的《真人快打II》（Mortal Kombat II）女主角琪塔娜公主，同樣是王族後裔目睹國破家亡，但至少後者後續的劇情發展，對人物有清晰的動機鋪陳及延伸。

最根本的問題出在角色本身。亞當失去力量的十五年裡，什麼都沒做，沒有成長，沒有準備，沒有訓練，生活虛度光陰，工作得過且過，完全不會為了成為一個配得上王位的人而奮鬥，只會守株待兔，等待寶劍重現那一天到來。於是，當力量歸來時，我們看不見這角色的成長弧度，他就只是取回外掛而已。這種不勞而獲、難以令人信服的設定，我看了直搖頭。

至於其他配角和反派，可以說是「薄如蟬翼」，典型紙片人設定。電影安排了一支英雄團隊，卻沒有花時間建立他們彼此的關係和個性；反派方面，除了負責站在主角對立面，也展現不了更深層的動機。結果電影看似人物眾多，實際上沒幾個角色讓觀眾記住，遑論產生共鳴。

更大問題在於，《太空超人》將幽默錯當節奏。不論正派反派，隨時插入冷笑話，這種敘事突然打斷的節奏，換來的效果，只有令觀眾出戲。

觀影過程中，我不斷想到《龍與地下城：盜賊榮耀》（Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves）。同樣是經典IP，同樣主打懷舊，但我看得投入且開心。關鍵不在於觀眾有沒有情懷，而是劇本扎實與否、人設是否成立、情感是否可信。當角色足夠立體，觀眾自會願意相信劇裡的世界。

總括而言，《太空超人》證明了，情懷可以吸引觀眾進戲院，卻不是讓編劇就此隨意交待的特權。當電影把懷舊當創意，力量再如何強大，亦拯救不了一個空洞的故事——別低估甚至侮辱觀眾的智商。

一隻渴望家的狗狗——《Gohan》觀後

自從二〇一八年家裡迎來第一隻貓孩以後，我看貓狗題材電影時，稍微較輕易被感動。也因為家有毛孩，此種情感成了我看電影好壞的測試器——拍得普通，我自然目無表情；拍得好的，內心就會翻湧澎湃。至今還沒遇到哪部讓我破功流馬尿的，泰國電影《Gohan》就只差那麼一點。

故事講述一隻粉紅鼻子的白毛浪浪經歷的三段際遇。他先被獨居泰國的日本老人弘爺爺收養，得名Gohan（白飯之意，不是《七龍珠》裡的超級賽亞人悟飯）；後來被緬甸移工Namcha救下，改名Brownie；最終流浪到火車站，被大學情侶潔迪和比利喚作Hima。從幼犬到老狗，他經歷過失去、不斷流浪，也陸續遇見願意愛他、給予他溫暖的家的人。

三個名字，三段「狗生」，皆圍繞著同一主題：生老病死。

第一段故事即成功打響動人聲勢。準備退休返日的弘爺爺，在人生最低潮的那一天，剛巧就是Gohan趁他一個不留神，鑽進弘爺爺的釣魚桶裡，跟著他回家。原本打算離開泰國的他，因捨不得這隻狗，決定留下安度晚年。尤其臨去機場前，他偷偷去看原已送養他人的Gohan，而機靈的Gohan掙脫牽繩束縛、朝他飛奔而去，用行動呼喚：「留下，或我跟你走！」那一場戲，就幾乎讓我破防。

這段故事，我看見兩種孤獨的相互靠近。一個是被時代與公司拋下的退休老者，一個是在街頭求生的浪浪，彼此都沒太多選擇，卻在短暫的相遇裡，尋獲「被需要」的感覺。弘爺爺最後決定留下，除了因為Gohan，更多的是他終於決定放下，允許自己在人生下半場，不再只為責任過活。

第二段則探討社會陰暗面。非法客工Namcha在假借救援浪浪之名斂財的收容所工作，最終因不忍僱主的虐待行為，放走所有狗隻。為了逃亡，她用泥巴把雪白的Gohan染成褐色，並取名Brownie。唯終究敵不過殘酷的現實，她不得不把他留在火車上，自己被遣返歸國。

這段故事似在控訴、提問：當善意無法改變結構性的惡時，個體還能做些什麼？Namcha的選擇不盡完美，卻正是這種「做不到最好，只能做當下能做的」、「兩害相權取其輕」，使這段故事貼近了現實，越發引起共鳴。

第三段是我最喜歡的一環。易名Hima的Brownie，守在火車站，一等就是好幾年，從壯年等到老去，也看著不時在身旁經過的潔迪和比利成年。電影沒刻意煽情，低調克制地把「時間悄悄帶走一切」拍得格外感人。

潔迪和比利的關係，就如Gohan生命的鏡像：人類情感會變質、會分離、會誤解，狗狗卻始終用同一種方式等待、期盼、相信。電影最後，年老的Hima在夢裡重逢生命中最重要的人，唯美的鏡頭襯著柔和的背景配樂，呈現的柔情，比刻意煽情更催淚刺人。

《Gohan》藉著一隻狗狗的視角，講人與陪伴之間無法避免的訣別。我們絕對無法擁有永遠，但至少在生命某個階段，曾幸運地好好彼此擁有。對人如此，對毛孩亦然。

《屍速禁區》：特立獨行，終將成為他人眼中的怪物

美國殭屍之父喬治·羅梅洛於一九六八年推出《活死人之夜》（Night of the Living Dead），往後至今，殭屍（又稱喪屍、活屍）正式成為恐怖片中歷久不衰的重要次類型。數十年來，無論好萊塢或歐亞各國，相關作品層出不窮，近年更以韓國最能玩出新花樣。無論是二〇一六年的《屍速列車》，抑或二〇一九年的劇集《屍戰朝鮮》，皆紅遍全球。其中尤以《屍速列車》最深入民心，也讓導演延尚昊一躍成為國際知名的類型片導演。

這十年間，延尚昊執導或編劇作品不少，雖不全然是殭屍題材，但只要沾上邊，片商便會拿來大做文章。疫情期間上映的《屍速列車：感染半島》即是一例，可惜該片偏動作向，少了前作的人性探討及深度，最終淪為不湯不水、令人過目即忘的次級娛樂片。如今，延尚昊再度帶來新作《屍速禁區》，觀眾自然抱持高度期待。

《屍速禁區》講述全智賢飾演的生物科技教授權世貞，受前夫邀請出席一場生物科技研討會，卻因突如其來的生化恐攻徹底失控。因研究成果遭竊而懷恨在心的徐英哲（具教煥飾），在會場內對前老闆注射神秘病毒，短短數分鐘內，感染者便化為失去理智、極度兇殘的殭屍，整棟大樓隨即遭政府全面封鎖隔離。受困其中的世貞，一邊觀察感染者不斷進化的特性，一邊帶領倖存者尋找逃生之道……

整體而言，《屍速禁區》自然無法跟《屍速列車》相提並論，尤其人性刻畫方面，更有著天壤之別。這並非表示它不好看，相反，它是一部極其成功的商業殭屍爽片。無論是殭屍的邏輯設定、群戲角色間的戲份分配、剪輯節奏的拿捏、闖關式推進的劇情設計，乃至反派動機，都足以讓觀眾一路繃緊神經，看得屏息凝神、腎上腺素狂飆。

我認為它在人性刻畫上較為薄弱，皆因全智賢的主角光環實在過於強大。她跟反派徐英哲同樣是「天才型」人設，後者設計的病毒，能讓感染者在極短時間內迅速進化，這一切都逃不過權世貞的觀察及推理。即使身處極度混亂且危機四伏的環境，她依然能見招拆招，逐一破解感染者的進化邏輯。身邊倖存者接連倒下，她則彷彿自帶金鐘罩鐵布衫般，一路闖關到底。

我理解這角色肩負著向觀眾解說世界觀和病毒機制的功能，但畢竟過於超人化，多少削弱了電影原本應有的壓迫及危機感。當然，瑕不掩瑜，你依然會被這批看似「新型」的殭屍唬得一愣一愣的。

為何「新型」二字要加上引號？因為片中的殭屍設定，讓我聯想到史蒂芬·金的小說《手機》。書中的「手機人」，同樣具備群體意識與進化能力：感染初期不懂思考，見人就咬，但隨著時間發展，牠們會在夜晚群聚於空曠地帶，緊挨著彼此，發出低頻訊號，透過集體意識的方式「學習」，隔天便進化得更接近人類行為模式。

《手機》要探討的是，隨著科技進步，人類開始手機上癮，在那還是button手機盛行的年代，這作品反映了作者對未來的預知及擔憂。《屍速禁區》電影帶出的訊息，也像是在探討今天人人對智能手機的過分倚賴，特別是透過演算法操作，人們的思考模式逐漸趨向一致，缺乏獨立思辨能力的同時，也越來越少人願意堅守立場、抗拒盲從。因為，一旦特立獨行，即成為怪物。因此，《手機》和《屍速禁區》所描繪的，不只是殭屍，而是群體意識如何一步步吞噬人類自身。

《手機》於二〇一六年改編成電影《科技浩劫》（Cell），同一年也是延尚昊以《屍速列車》和前傳動畫電影《首爾車站》震撼全球觀眾的一年。我當年抱著對原著極高的期待去看《科技浩劫》，結果卻是徹頭徹尾的大失所望——後來史蒂芬·金本人都公開推薦《屍速列車》——因此，群體意識進化的殭屍非影史首見，但延尚昊拍出了獨樹一幟的風格，這點無庸置疑。

總括而言，《屍速禁區》或許沒有《屍速列車》那般深刻的人性餘韻，卻依然是部完成度極高、娛樂性十足的殭屍類型片。只要你不介意主角人設過於完美，仍值得進戲院觀賞。

孤身頑抗一整座城市的惡意——《火線救援》影集版

還記得丹佐·華盛頓主演的電影《火線救援》（Man on Fire）嗎？講述背負心理創傷、退出前線的中情局探員，後來成了富豪女兒的貼身侍衛；當少女遭綁架後，他重執槍炮，孤身殺進敵陣，只為把人救回。

也許我先看了後來同樣是丹佐主演的《私刑教育》（The Equalizer）系列，再看《火線救援》，覺得後者裡的孤膽英雄，沒有「平衡者」那般冷冽灑脫，因此當年看完後印象不深。但這次的影集版《火線救援》，徹底顛覆了我對電影版的觀感，這部影集版更好看！

兩部《火線救援》皆改編自同名的原著驚悚小說，影集版則進一步結合了續作內容。我沒讀過原著，無法確定主人翁約翰·克里西的過去經歷，以及後來形成PTSD之過程，究竟哪些源自小說本身；但可以肯定的是，無論電影或影集，核心始終一致——一個失去人生意義的男人，為了守護一個孩子，再次拾起武器，重新面對自己。

故事講述前美國陸軍特種部隊上尉約翰，退役後替中央情報局執行合約任務。某次在墨西哥城執行任務時，小隊遭埋伏，全軍覆沒，剩他一人生還。自此之後，約翰長期受PTSD困擾，終日酗酒，更一度自殺未遂。昔日好友雷伯恩不忍他長此沉淪下去，於是軟硬兼施地邀他前往巴西負責一項保全任務，不料抵達當地不久，一場炸彈襲擊便奪走雷伯恩全家性命，唯獨女兒小珀倖存。於是，約翰開啟了血腥復仇之路，並隨著調查逐漸深入，慢慢揭開一場牽涉政商勾結的巨大陰謀，還發現內部早有內鬼。

全季七集的《火線救援》，單論故事結構和角色塑造，我認為比二〇〇四年的電影版好很多。或許當年觀眾對劇情細節與人物邏輯，還不像今天這般要求嚴苛；這些年來，全球影視編劇的整體水準確實也不斷進化。如今的觀眾，希望角色的行為能夠被理解、情緒能夠鋪陳、故事發展必須合情合理。影集版成功塑造出一個浴火重生的悲劇英雄，還讓觀眾清楚看見：約翰之所以重振旗鼓，並非莫名其妙地突然變強，而是人生再次擁有存在的意義——為了故友的女兒小珀。

因為有人需要他保護，他才願意停止沉淪下去；因為有人等待他守護，他才能從愧疚、自厭與酒精裡，一步步走出來，再次變回那個足以以一擋百的戰士。

當然，作為動作影集，《火線救援》的娛樂效果非常到位。劇中不乏火力猛烈的街頭駁火，也有拳拳到肉的近身搏鬥，動作場面淩厲且紮實。但真正讓我著迷的，是它在懸疑氛圍上的營造。隨著約翰逐步追查真相，會發現線索似乎越來越清晰，卻又似假還真，虛實難分。加上約翰本身長期受酒精及創傷影響，精神狀態不穩定，有時連他都無法確定眼前的人究竟是敵是友。於是，觀眾也不自覺地跟著他一起懷疑、揣測。

這種「讓觀眾活在主角感知裡」的做法，十分高明。你看到他所看到的，也感受到他所感受到的；當他開始懷疑眼前的一切，觀眾也會跟著陷入不安。這種沉浸感，是這影集的迷人之處。

此外，「守護弱小」這設定，本來就是最容易打動觀眾的經典公式。從《即刻救援》（Taken）、《捍衛任務》（John Wick）、《終極追殺令》（Leon the Professional）、《中南海保鏢》、《大叔》等，這些「孤膽英雄保護某人」的作品之所以歷久不衰，就是因為觀眾容易投入那種「明知寡不敵眾，卻仍拚死守護」的情感張力。《火線救援》就把這種張力發揮得淋漓盡致，敵方人馬一波接一波追殺小珀，約翰始終處於孤立無援的困境，那種被逼到絕境、卻仍不肯後退的壓迫感，確實會讓人一直追看下去。

更讓我喜歡的是，影集不只是不斷打殺，當二人即將走投無路之際，他們也陸續遇到一些願意幫助他們的人。起初當然帶著防備心，但隨著相處日久，原本封閉的心，也慢慢敞開。

有一幕我特別喜歡：約翰自從當年戰友全滅後，長期無法安心入睡，必須戴著像受刑犯般的頭套，才能勉強在夢魘中閤眼。但一次跟盟友們短暫歡聚後，隔天清晨，他是那麼多年來首次平靜地仰躺在床上，睜開雙眼，迎接朝陽——這幕該是致敬《終極追殺令》裡的暖心殺手里昂吧？

那一刻，你會感受到，把約翰從狗屁倒灶的失序人生中拉回正軌的，並不只有復仇，還有他人願意給予他的耐心與善意。

總的來說，《火線救援》是一部完成度極高的動作爽劇。有精彩槍戰、有懸疑氛圍，也有人物創傷和情感修復；最重要的是，它有一個好結局。當然，編劇也刻意留下後續伏筆——若未來推出第二季，約翰會開始追查四年前那場讓他全軍覆沒的幕後真相。

真人快打II——獻給死忠玩家的血腥盛宴

二〇二六年對遊戲玩家來說，興許是個值得紀念的年份。畢竟，兩部經典對戰格鬥遊戲改編作品前後腳搬上大銀幕：一部是年尾上映的《快打旋風》（Street Fighter），另一部則是這次要分享的《真人快打II》（Mortal Kombat II）。

兩款遊戲雖同屬對戰格鬥類型，風格卻南轅北轍，電影改編方向也各自忠於原作。《真人快打II》最鮮明的，莫過於那股毫不收斂的暴力美學——斷肢、爆血、Fatality式處決技全面回歸，自然讓不少死忠玩家看得熱血沸騰。

《真人快打II》是二〇二一年《真人快打》（Mortal Kombat）的續集。上集故事其實發生在真正的Mortal Kombat大賽前，整部電影更像是前導或序幕：鋪陳世界觀、介紹角色，以及講述地球界戰士如何集結。

當時，地球界已連續輸掉九次Mortal Kombat大賽。要是再敗一場，外世界便能正式入侵並統治地球界。此時，綜合格鬥選手科爾被發現身上擁有「天選戰士」的龍形印記。外世界巫師尚宗於是派出絕對零度等人追殺他，因為預言指出：帶著仇恨死去、最終被流放至地獄界的魔蠍——波佐志半藏——其血脈後裔，將成為拯救地球的新世代戰士。

來到《真人快打II》，終於正式進入Mortal Kombat大賽的開打階段。

電影有兩位核心人物：一是過氣動作巨星強尼·凱吉；另一位則是幼時目睹父王戰死、國家被外世界攻陷，之後更被殘暴君王紹康收養長大的琪塔娜公主（是不是很像薩諾斯和葛摩菈的關係！）。

前者是貨真價實的地球人，也是某程度上替代首集科爾的「普通人視角」。觀眾隨著他的目光，一步步加深認識Mortal Kombat世界觀；至於後者，無疑才是真正的大主角。她的角色背景遠比其他人豐富：身在敵營、心繫故國，還背負著弒父之仇。那種壓抑及隱忍，讓角色魅力一下子鮮活起來。

先說強尼·凱吉。曾經的風光早已不再，可他偏偏仍活在昔日榮耀裡，不願承認自己的過氣，鎮日鬱鬱寡歡。當地球界戰士找上門，希望他參加Mortal Kombat時——事實上他根本沒得選擇，因為同樣是「天選之人」——他卻始終認為自己沒有能力應戰，三番四次拒絕。

幸好，他第一場的對手是琪塔娜。雖敗北，但至少保住性命。隨著眾人陸續進入這場殘酷大賽，他還是遇上不得不打的硬仗。這一次，他終於鼓足勇氣奮戰到底，也總算從一個緬懷過去的落魄明星，蛻變為足以獨當一面的動作英雄。

至於琪塔娜，除了臥底敵營、復仇這些本就極具戲劇張力的元素，她與潔德之間若有似無的姐妹情，也替原本不算厚實的劇情增分不少。潔德表面上是紹康派來侍奉琪塔娜的婢女，實則肩負著監視任務；然而，琪塔娜始終將她視作家人般看待。直到大賽正式開打，兩人終究必須在地球界與外世界之間作出抉擇。電影對這條情感線的描寫其實點到即止，但只要自行腦補那些鏡頭之外、沒說出口的「暗線」，即能領略箇中韻味。而琪塔娜最終手刃紹康、替父報仇的一幕，更是全片少有讓人五味雜陳的高光時刻。

確實，正因為電影是以炫目華麗的武打動作為主軸，再加上對原作角色造型的高度還原，故事本身反倒顯得相對空泛，深度匱乏。對身為非玩家的我而言，觀影過程始終有種「火力很猛，卻始終谷唔上嚟」的感覺。明明動作設計精彩得很，偏偏缺乏足夠紮實的劇情支撐，到喉不到肺。當然，我相信死忠玩家未必會有這種遺憾；對他們來說，能看到這些角色如此忠實地站上銀幕，應該已經足夠過癮。

全片眾多對決之中，我認為拍得最好的，莫過於劉康對上死而復生、徹底黑化的空佬。這場兄弟鬩牆之戰，既有情誼分量，也拍得實在好看——龍拳對上那頂邊緣鋒利、足可奪命的斗笠，拳腳與兵器交錯間，再配合CG特效加持，視覺衝擊相當強烈。更重要的是，劉康始終帶著「不忍下殺手」的內心糾結應戰，那份情感，也讓這場戰鬥有了真正的靈魂。

至於首集主角科爾「領便當」，我相信是編導在死忠玩家強烈反彈之後，作出的大膽決策。但對我來說，這同時也是兩部《真人快打》之間最明顯的劇情硬傷。畢竟，上集才把科爾塑造成擁有魔蠍血脈、左右地球界命運的「天選之子」，結果這一集卻草率地將他送上天堂。這樣的轉折，不僅可惜，也顯得前後鋪陳失衡，讓人難以信服。

總括而言，《真人快打II》顯然是一部高度面向死忠玩家的作品。若你本身就是系列支持者，大概能從頭爽到尾；但若只是一般觀眾，或對遊戲背景不熟悉，也許就不必抱持太高期望了。把它當成一場血肉橫飛、拳拳到肉的動作娛樂秀來看，或許會更對味。