二〇二五值得珍藏光碟或重刷的好戲

每年總是等到一月，才點算去年鐘意的影視作品，像二〇二五年，從美式的恐怖、驚悚、犯罪，一直看到亞洲區的動作片，再回到好萊塢式的動作喜劇，漸漸轉變到血腥暴力更甚的，背景設於外星的作品。最後回來地球，來看充滿黑色幽默的劇情片、驚悚喜劇、卡通動漫，再以熱血燃爆的《F1》作結。

二〇二五年院線重映了多部經典作品，喜歡的包括《頭文字D》《霍爾的移動城堡》《幽靈公主》和《真善美》；影集方面喜好亦傾向動作或驚悚類型，以及兩部紀錄片。

還是那句老話：我看的戲很多，沒看的戲更多。純粹分享給大家。

 

電影

罪人（Sinners；美國）

直到黎明（Until Dawn；美國）

猩瘋血雨（Primate；美國）

猴子（The Monkey；美國）

凶器（Weapons；美國）

完美伴侶（Companion；美國）

無線殺機（Drop；美國）

鋒迴路轉：亡者歸來（Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery；美國）

徵人啟弒（韓國）

內幕（香港）

捕風追影（中國、香港）

不可能的任務：最終清算（Mission: Impossible – The Final Reckoning；美國）

無痛先生（Novocaine；美國）

無名弒2（Nobody 2；美國）

會計師2（The Accountant 2；美國）

捍衛任務：復仇芭蕾（Ballerina；美國）

逃亡遊戲（The Running Man；英國、美國）

終極戰士：時空獵襲者（Predator: Killer of Killers；美國）

終極戰士：殺戮星球（Predator: Badlands；美國）

米奇17號（Mickey 17；韓國、美國）

腓尼基計劃（The Phoenician Scheme；美國、德國）

一戰再戰（One Battle After Another；美國）

沒好婚姻（The Roses；英國、美國）

我和我的殭屍女兒（韓國）

地球特派員（Elio；美國）

哪吒之魔童鬧海（中國）

超人（Superman；美國）

F1電影（F1；美國）

 

院線重映

頭文字D（香港）

霍爾的移動城堡（日本）

幽靈公主（日本）

真善美（The Sound of Music；美國）

 

劇集

俠客李奇 第三季（Reacher S3）

黑函情報戰 第二季（The Recruit S2）

星期三 第二季（Wednesday S2）

回魂計

牠：歡迎來到德利鎮（It: Welcome to Derry）

怪奇物語 第五季（Stranger Things S5）

惡魔獵人（Devil May Cry）

 

紀錄片

全美緝兇：賓拉登（American Manhunt: Osama bin Laden）

倫敦恐襲：追捕七七炸彈客（Attack on London: Hunting The 7/7 Bomber）

末日之下，如何做人——《28年毀滅倒數：人骨聖殿》

已記不清第一部真正喜歡的喪屍（又稱活屍、殭屍）電影是哪一部。是查克·史奈德重拍喪屍之父喬治·A·羅梅洛經典的《活人生吃》（Dawn of the Dead），又或是黑色幽默滿溢的英倫版《活人甡吃》（Shaun of the Dead）。兩部作品皆面世於二〇〇四年，比丹尼·鮑伊的《28天倒數毀滅》（28 Days Later）晚。

二〇〇二年，當時我未鐘情於喪屍類型片，自然錯過這部日後不斷奉為反傳統、不落俗套的文藝型喪屍電影。

直到去年系列第三部《28年倒數毀滅》（28 Years Later）上映前，才補看《28天》，也順勢看了續作《28週倒數毀滅》（28 Weeks Later）。平心而論，我不喜歡《28天》，跟大多人評價一樣，它偏文藝、反類型，也缺乏足夠刺激腎上腺素的動作設計；至於換了導演的《28週》，雖然動作場面明顯增加，但整體敘事仍不走好萊塢主流路線，我看得頗為疲憊。

因此，即便丹尼·鮑伊回歸執導《28年》，我仍不帶任何期望地進電影院，散場時，內心波瀾不驚，就只是一部相當普通的末日電影。影片重心放在人性書寫上，講述主角男孩史派克的成年禮。

父親帶史派克離開聖島，前往危機四伏的大陸，教他學習如何殺戮、如何生存、如何長成一個男人；而真正的人性試煉，是發生在他們安全歸島之後。史派克目睹父親背叛重病、神志不清的母親，跟別的女人糾纏。他無法接受這一切，毅然帶著母親離島求醫，最終找上隱居於人骨聖殿的凱爾森醫生……

我對《28年》的最大意見，在於它整體的分裂感：前後兩段故事銜接生硬，視角轉折突兀，結尾也收得過於倉促。它很非好萊塢、很非主流，不是我習慣的觀影敘事節奏。

始料未及的是，我竟然非常喜歡系列第四集《28年毀滅倒數：人骨聖殿》（28 Years Later: The Bone Temple）。

故事緊接上集，史派克離開凱爾森醫生後踏上流浪之旅，遇上異端分子吉米幫，陰錯陽差下加入了幫派，直面更扭曲、更顛覆三觀的人性黑暗。

吉米幫幫主吉米，童年時目睹身為牧師的父親背棄聖主，擁抱撒旦——即喪屍——於是他藉著宗教之名，把邪惡系統化、儀式化，堂而皇之發揚光大。另一邊廂，獨居的凱爾森醫生在與世隔絕的漫長歲月中閒到發慌，開始研究一名喪屍頭領阿爾發，還嘗試研發解藥。這過程，人類和喪屍之間產生了一段微妙詭誕、溫馨且詩意的情誼。

兩支故事線最終交匯。你以為即將迎來一場酣暢淋漓的終極大戰，結果只演變成一場令人噴飯的行為藝術表演。這樣的收尾，未必所有觀眾都能接受，我卻認為這是最合宜的結局。

尤其當凱爾森醫生為了守護史派克保有的個人之善，選擇犧牲自己，那原本或許能夠終結喪屍疫情的解藥，也隨之深埋地下，那一刻，更令人唏噓不已。在失序且無法拯救的世界，仍有人願意為他人保留一點善意，本身即是最稀有的存在。

又來前傳？——《牠：歡迎來到德利鎮》

得知串流平台要播映《牠》（It）前傳那刻，我的第一反應，與其說是期待，不如說是「又來？」。有些恐懼之所以成立，正是因為沒有被完全解釋——而前傳，就愛解釋。

剛過去的二〇二五年，可以說是美國驚悚小說大師史蒂芬·金（雖然他本人向來不屑這頭銜）的「活躍年份」。改編自他筆下創作的影視作品共計四部：三部電影——《猴子》（The Monkey）、《大競走》（The Long Walk）、《逃亡遊戲》（The Running Man），以及二〇一七、二〇一九年兩部《牠》電影的前傳影集《牠：歡迎來到德利鎮》（It: Welcome to Derry；後簡稱「德利」）。

一九八五年出版的長篇小說《牠》，厚度幾可稱為磚頭。一九九〇年，它被改編成電視電影《靈異魔咒》——我至今仍覺得收藏的DVD很神奇：同一張碟可以雙面播放。當年這部電視電影在許多八〇、九〇後心中種下對小丑、下水道和陰暗溝渠的心理陰影；但老實說，我當年看完，無太多感覺。

真正對《牠》產生共鳴，得等到二〇一七年的再度改編（同一年還有一部拍得極度失敗、令所有金大師鐵粉大失所望的《黑塔·The Dark Tower》）。加上二〇一九年的下部，這兩部電影成功把我心中對原著的期待拍了出來——無論是改編與忠於原著之間的拿捏（如時代背景的調整）、驚悚氛圍的營造，還是選角與演員整體表現，都十分滿意。

也因此，得知要推出《德利》時，我才略感擔憂。畢竟，原著小說中，史蒂芬·金未用太多篇幅交代邪惡小丑潘尼歪斯的來歷，也即表示這部影集等同於再創作。要如何在不毀原著，也不動搖一七、一九年兩部電影所累積的口碑之間取得平衡，編導承載的壓力，可想而知。

熟悉《牠》的讀者／觀眾都知道，小丑潘尼歪斯的活動周期是二十七年：每一次現身，必伴隨生靈塗炭、血流成災，待牠吃飽恐懼之後，再度沉眠，直至下一個輪迴。因此，電影版故事背景設在一九八八、八九年，《德利》自然便往前推二十七年，落在一九六一、六二年。其中一位主要角色，就是電影版中孩子角色的父親。

作為影集，《德利》擁有比電影更充裕的篇幅，去描寫角色的成長經歷，慢慢建構性格，並將這些人物串聯起來，對抗小丑潘尼歪斯。篇幅充足當然是優勢，但未必全然是好事——其中幾集我仍嫌節奏略顯拖沓，尤其有一位角色極不討喜，只覺得她成事不足、敗事有餘，卻偏偏設定為男主角愛慕的對象。

驚喜的是，編導並未只把《德利》當成一部單純的《牠》前傳，而是把它放進更大的史蒂芬·金宇宙中來玩。比如影集中那位擁有超能力的士兵迪克，正是《鬼店》（The Shining）中教丹尼使用「鎖盒」方式封存鬼魂的哈洛蘭。這樣的連結，再回看二〇一九年的《安眠醫生》（Doctor Sleep）時，看到那熟悉的能力呈現眼前，難免會心一笑——確實沒想到，史蒂芬·金宇宙竟能以這樣的方式串聯起來。

《鬼店》裡的角色哈洛蘭。

回來《德利》，整體而言我還滿意（除了前面提到的那位女角色）。季終集留下相當明顯的伏筆，似乎暗示故事將繼續往前倒回一九三〇年代，讓小丑像《魔鬼終結者》（The Terminator）那樣穿越時空回到過去，抹殺日後擊敗自己之人的父母，阻止他們誕生。當然，這是後話，會否開拍，仍屬未知。

那，《德利》有沒有毀經典？對我而言，還不至於。它整體上尊重原著《牠》的精神，同時又巧妙融入史蒂芬·金其他作品的元素，在致敬與擴寫之間玩得恰如其分。對小丑起源的進一步挖掘，我則持保留心態——原著與電影版的潘尼歪斯披著一層神秘面紗，迫使讀者／觀眾自行想像，直面自身深層恐懼；《德利》則嘗試揭開謎底，雖然沒揭露太多，卻多少像在拆解魔術，知道越多，反而越顯稀松平常，趣味隨之遞減。

至於該說到哪為止才算剛剛好，以及編導是否能永遠拿捏得恰到好處，恐怕也非我能論斷的了。

阿凡達：火與燼

二〇二五年度壓軸巨作，非詹姆斯·卡麥隆的《阿凡達：火與燼》（Avatar: Fire and Ash）莫屬。作為三年前《阿凡達：水之道》（Avatar: The Way of Water）的續作，加上編導在上集埋下的伏筆，以及卡麥隆本身就是商業大片的活招牌，即使平時不常進戲院的觀眾，也能感受到上映前鋪天蓋地的宣傳聲勢，順勢「隨大隊」進場一探究竟。

至於我，對《火與燼》的期待相對平靜，沒有雀躍，跟《水之道》上映前的心境大不相同。畢竟首集與第二集相隔十三年，電影工業與影像技術今非昔比，卡麥隆能如何藉助新技術，把潘朵拉星球的想像推到何種高度，本身就足夠令人期待。《火與燼》雖在預告中來勢洶洶，又引入全新的娜美人部落「蠻狂族」，我卻始終心如止水，只等正式上映。

看了電影，果然印證了內心那股隱約的不安。《火與燼》CGI特效依舊無可挑剔，但在故事結構、角色衝突和劇情走向上，卻與《水之道》高度重複。你看視傑克為死敵的邁爾斯上校，再次從敗局中生還，在片末跳崖遁走；捕鯨船隊再度遭遇鯨群反撲；大地之母艾娃依舊壓軸登場、扭轉戰局……這樣的排列組合，簡直跟上集如出一轍。

我想，問題不是因為「看過」，而是這些情節在情緒和主題上沒有進一步深化。衝突依舊存在，卻缺乏新的道德困境；角色繼續受苦，又少了真正面對改變的代價。電影像是在不斷擴大格局，卻沒有推動角色前進成長。

也正因為上一部許多畫面仍歷歷在目，《火與燼》散場後，反而難以留下深刻印象，遑論點燃情緒。以鯨群反擊為例，《水之道》中對捕鯨、殺鯨、摘取腦髓的殘酷過程描寫得巨細靡遺，讓人於心不忍，坐立難安，直觀感受到人類的貪婪及殘暴；結尾大戰時，當被族群放逐的帕亞坎選擇反擊、血洗捕鯨船隊時，全場情緒瞬間沸騰。

反觀《火與燼》，同樣有捕鯨情節，卻多了長老會議的反復討論，強調避免衝突，即便最終仍選擇反擊，那股情緒張力卻已大幅削弱。空戰場面亦然，規模不小，卻始終有種似曾相識的視覺疲勞。不能說卡麥隆江郎才盡，確切而言更像是野心過盛，把過多訊息與元素一股腦塞進電影，卻沒能有效累積情緒。跟《魔戒》三部曲那種層層遞進、每一集都以更宏大的史詩戰役作結不同，《阿凡達》系列的史詩感是有，卻在重複中逐漸稀釋，縱使滿腔熱血，也已燒成灰燼，熱不起來。

總括而言，如果你進戲院只想再次沉浸於頂級視效及壯麗華美的世界觀，《阿凡達：火與燼》絕對合格；但若你期待的是一次情緒與敘事同步升級的觀影體驗，恐怕只能帶著些許遺憾離場。

笑點不變，世界已老——豆豆先生憨人精神的延續

在一九八〇、九〇年代風靡全球的英式默劇《豆豆先生》（Mr Bean），是多少同代人的甜蜜青春。每集短短二十分鐘的「冒險」，沒有對白，只憑誇張且精準的肢體動作及表情，即引起滿堂哄笑。豆豆先生表面自私、斤斤計較，卻總在關鍵時刻顯露良善本性，讓人會心一笑之餘，也隱約感到溫暖。感覺就算現實生活再怎麽難熬，還是值得繼續走下去。憨人自有天助，傻人也有傻福，豆豆先生把這種人生哲理發揮、表現得淋漓盡致。

臨近千禧年，豆豆先生順應時代，從真人影集轉為動畫版本，吸納更年輕的觀眾。至於像我這樣青春不再的觀眾，只能在記憶與重播中回味那份單純的歡樂。即便飾演豆豆先生的羅溫·艾金森後來推出《凸搥特派員》（Johnny English）系列，笑點雖精準，卻始終少了那股原始、笨拙且真誠的味道。直到二〇二二年Netflix推出《人來蜂》（Man Vs Bee），才算重新捕捉到豆豆先生的精神內核，同時加入新的情境與元素。

近日，Netflix再推出續作《人來瘋：奇寶過招》（Man Vs Baby），全劇共四集，每集約半小時，總長度恰如一部電影。我想，這樣的分段安排本身就貼合當代觀眾的觀影習慣——大家未必有耐心或時間靜下心看完一部二小時的電影，更多時候是在吃飯、小休空檔，用手機隨意點開，不必費心思考，只看主角崔佛·賓利如何與寶寶過招、頻頻出糗。

故事講述豪華管家公司前員工崔佛，因與一隻蜜蜂鬧出不可收拾的意外而丟了工作，目前在偏遠小鎮的一所教會學校擔任校工。聖誕節將至，他滿心期待與分居的妻女團聚，卻發現她們決定自行出國度假；學校也在此時通知他遭到解雇。正當心情跌至谷底，他接獲前公司來電，請他短期管理倫敦市區的一棟豪宅，並承諾優渥報酬。離校前，他意外聽見嬰兒哭聲，卻無人認領。假期將至，無論校長還是福利機構人員都不願負責，他唯有帶著這名來歷不明的寶寶前往倫敦，在豪宅裡展開連串荒腔走板卻溫情四溢的「育嬰」冒險。

之所以說《人來瘋》系列延續了豆豆先生的幽默精神，是因為「人對抗非理性對象」的設定——前作是蜜蜂，這一回是寶寶——在《豆豆先生》中早有先例：公園野餐時與嗜甜的蜜蜂爭奪唯一的紙杯蛋糕，或倒車時誤把嬰兒車「拐走」，在遊樂園照顧孩子一整天。一開始，我亦以為編導只是重複老梗，向老觀眾販賣情懷，看下去才發現，他們確實嘗試在熟悉的框架中求新：對白明顯增加，角色擁有名字和背景，而非純粹的「符號人物」。戲中也不乏向《豆豆先生》致敬的巧思，如崔佛向警方與福利機構解釋經過時，因通訊不良，對方誤以為他姓「賓」（Bean），這幕讓我不禁嘴角上揚。

真正觸動我的，並非崔佛手忙腳亂照顧寶寶或管理豪宅的鬧劇，而是這期間遇見的那些陌生人：被迫搬遷的鄰居、蜷縮於公寓底層的夫婦、數度上門卻無功而返的福利局人員。起初，彼此之間充滿戒心與誤解，尤其他們對崔佛的懷疑；但在他的笨拙善意與毫無算計的付出下，這些人逐漸放下防備，最終更聚在一起歡度佳節。這種走向，延續了豆豆先生一貫的核心價值：不必精明世故，凡事心向善良，懂得知足，即便人生不如意十之八九，也總會遇見屬於自己的小確幸。

總括而言，《人來瘋：奇寶過招》並非偉大鉅作，沒有複雜的人性拷問，也不見高潮迭起的劇情反轉；它就只是一部平實、溫馨的小品喜劇，讓人在笑聲中感到輕松暖意。這，正是這部劇的最大價值。

歡迎各路殺手來開房——《刺客旅館》

把時間拉回到二〇二三年，《捍衛任務4》（John Wick: Chapter 4）為影迷再度擴展這系列漫無邊際的殺手江湖的同年，還有一部前傳影集悄然上架串流——低調到我直至今日才觀賞——它是《刺客旅館》（The Continental）。

與其說這部影集是約翰·維克前傳，不如說它講述的是《捍衛任務》世界觀裡極具魅力卻始終神秘的角色，也就是紐約大陸酒店經營人溫斯頓的年輕歲月更為貼切。全劇共三集，每集約六十、七十分鐘，講述原本不涉江湖事，遠在英國生活的溫斯頓，因哥哥法蘭基在紐約惹上麻煩，被時任大陸酒店掌權者柯馬克派人從英國抓回紐約，逼問其兄長下落。身陷無妄之災的溫斯頓，就此踏入陌生且危險的殺手世界，並在命運之神操弄下，反手一舉奪下大陸酒店經營權。

我不禁好奇，《捍衛任務》既是現象級IP，理應不管電影還是影集，應該都會掀起一番討論——你看今年上映的衍生電影《復仇芭蕾》（Ballerina），以及未上映的紀錄片《Wick is Pain》，社媒上都有不少宣傳及話題。唯獨《刺客旅館》，罕見地悄然無聲，我亦不知道它當年何時上線，神秘程度簡直像極戲裡的「龍門客棧」。

你說它不好看，才缺乏討論？我倒覺得見仁見智。了解《捍衛任務》系列的觀眾都知曉：它不是靠嚴謹劇本，而是靠風格、靠動作、靠那「江湖味」吸引人。《刺客旅館》在這點上沒失手，甚至有幾段表現得相當亮眼。

首集序幕，就是法蘭基無視「酒店內停戰」規定，在大陸酒店內大開殺戒的長鏡頭，節奏淩厲、暴力滿滿、先聲奪人，直接把觀眾拉入熟悉的維克宇宙。最終集，溫斯頓為報弒兄之仇，率領一群視死如歸的隊友智闖酒店，以寡敵眾。雖然這一場戲因角色分線多、剪輯較散，不如首集長鏡頭那般驚艷，但情緒堆疊依然到位，看完仍會心頭微顫。

倒是中間的第二集，節奏相對較緩，主要鋪陳溫斯頓一方即將參與決戰的角色，介紹每個人的背景、個性、能力，以及彼此之間的關係。文戲偏多，要是一時不專心，就會錯過細節；但錯過也不影響觀影，因為觀眾真正期待的，是像《絕地7騎士》（The Magnificent Seven）那種「陌生人因共同目標短暫結盟」的江湖情誼——不是family，而是你我素昧平生，卻能在刀光劍影裡將背後交託彼此的義氣。

這群人當中，最為觀眾熟悉的，無疑就是溫斯頓與未來的酒店大堂經理沙隆。影集中，沙隆原為柯馬克的私人助理，因種種因由，最終背叛舊主，投靠溫斯頓。兩人之間的情誼未被刻意強化，僅透過對話與關鍵抉擇自然發展。沙隆的選擇沒有強烈的事前鋪陳，卻不顯突兀，讓人對日後二人在電影本傳中的情誼及默契，有更深層的了解。

影集最大咖梅爾·吉勃遜飾演的反派柯馬克，是權勢滔天的大陸酒店掌權者，樹敵眾多，卻藉著酒店庇護，過著貴族般的奢華生活。就算有人嘗試闖入酒店刺殺，他也能立刻調用住客刺客反殺回去。在如此主場優勢下，溫斯頓要復仇，可謂難如登天，正因如此，整個影集的張力也才成立——明知他會是最後贏家，仍會替他捏把冷汗，也好奇他如何逆轉局勢。

另一組極具存在感的反派，當屬「糖果屋雙胞胎」。這對外形詭異且戰力驚人的兄妹，令人不適又難忘。影集後段他們分頭與各自的宿敵對決，動作設計快狠爽利，暴力十足。老實說，看完三集之後，腦海最揮之不去的，是他們那雙令人爬滿雞皮疙瘩的瞪人眼神。

《捍衛任務》宇宙無論是本傳、衍生作還是這部《刺客旅館》，其核心始終圍繞著「復仇」。復仇是永不過時的母題，嵌入人類基因裡，人人都能理解箇中的憤怒、悲傷與決絕，因此特別吸引人。也因為復仇題材太普遍，要在眾多同類作品中脫穎而出，絕不容易。《捍衛任務》之所以能殺出重圍，除了動作風格鮮明，更關鍵的，是那套恢宏、嚴謹又帶點奇幻色彩的殺手世界觀，像大陸酒店的條規、金幣體系、遍佈全球的刺客生態等等。這系列能持續受落，就是基於這種秩序與混亂並存的江湖魅力。

總括而言，《刺客旅館》不是《捍衛任務》系列的巔峰之作（欲超越基努·李維坐鎮的本傳，談何容易？），也非必看不可；但它保留了獨有的江湖風格、殺手世界的魅力，也補足了一些早期世界觀的空隙。如果你想延伸體驗一九七〇、八〇年代復古的紐約殺手宇宙，或想了解溫斯頓和沙隆之間那份往後長達數十年的情誼，這部影集，可以一看。

孤勇，不如結伴——《終極戰士》新三部曲

一九八七年，阿諾·施瓦辛格主演的《終極戰士》（Predator）橫空出世，成了日後近四十年屹立不搖的經典科幻IP。這群以「成為最強者」為信條的外星獵手，電影作品數量不多，卻在漫畫界大受歡迎。縱然與《異形》（Alien）跨領域合作曾引起轟動，但在我心中，真正的經典，依舊是阿諾那部開山鼻祖，還有二〇一〇年的《終極戰士團》（Predators）。

沉寂了一段時日，直到二〇二二年，《終極戰士：獸獵者》（Prey）再次點燃我的熱血。故事時間設定在十八世紀的北美大草原，主角納魯是科曼奇印第安族的女獵手。外星戰士「空降」至此進行「成人禮」，把部落視為狩獵場，眾勇士接連慘死。納魯在一次次死裡逃生中，看清敵人弱點，策劃反擊，以智取勝。看完戲我覺得：這經典IP終於再次活過來了。

《終極戰士：獸獵者》

今年，《獸獵者》導演丹·崔克坦伯格更連續端出兩部續作：串流平台動畫《終極戰士：時空獵襲者》（Predator: Killer of Killers），以及目前在院線上映的《終極戰士：殺戮星球》（Predator: Badlands）。這三部合起來，形成一條清晰的精神主線。

《時空獵襲者》很有趣：三位來自不同時空及地域的人類——維京女戰士厄莎、日本浪人鐮上憲次、美國空軍托雷斯——都曾是單挑外星戰士的獵物，也都靠能力及運氣倖存下來，於是「受邀」去最終擂台挑戰終極大BOSS。首部《獸獵者》是人類單挑；第二部則開始帶出合作迎戰的訊息。

動畫《終極戰士：時空獵襲者》

我最喜歡的，是第三部《殺戮星球》。這集首次將主角從人類轉向終極戰士本身，講述德克因天生基因不符族群標準，被視為該淘汰（殺掉）的劣品，兄長為了保護他而犧牲，臨死前把他送上荒涼星球試煉。德克遇見「半身人」提亞，還有一隻類似猴子的奇異生物，一開始大家嫌棄彼此、相互利用，但經歷過一次次的險境以後，他們開始學會信任、互補、犧牲，最後靠團隊精神，克服不可能的難關及挑戰。

我起先是為了動作、血腥、爽快感入場觀看，沒想到在《殺戮星球》裡看到最觸動人心的訊息：團隊合作。這支雜牌軍共業夥伴，尤其德克從原本各自為戰，後來學會了彼此撐持。放到現實，無論工作、創業、生活、家庭、友情，人們常以為一個人夠強就能贏。但更多時候，我們真正需要的，是彼此互補，相信團隊作戰比單打獨鬥更有未來。

德克在荒涼星球上結識只有上半身的提亞

對我而言，《終極戰士》三部曲不再只是「掠食者vs獵物」的爽片，而是用不同時代與角色身份，悄然無形地帶出一個訊息：人可以靠勇武生存下來，但靠信任與夥伴，才能提升贏下真正勝利的機率。若放在一起看，三部曲的進化軌跡也十分清晰：第一部是孤身求生，第二部出現互相協作，第三部則明確告訴我們——真正的強，是互補、信任、彼此託付。

這是我看完電影後，最想帶回現實繼續實踐的價值。